10° Rock Lee vs Gaara

Esta luta não poderia ficar de fora, sendo uma das mais icônicas do Naruto Clássico. No início, Rock Lee estava com muita dificuldade para atingir Gaara por causa de sua defesa absoluta. O ponto alto veio quando ele recebeu a permissão de seu sensei para remover os pesos de sua perna, revelando uma velocidade avassaladora. Vimos Lee dando absolutamente tudo de si, mas seu sacrifício foi imenso: ele acaba gravemente ferido com o jutsu de Gaara, o Sabaku Sōsō, que esmagou seu corpo. Um momento inesquecível de pura garra.

9° Shikamaru vs Hidan

Após a morte de seu mestre e amigo, Shikamaru decide buscar vingança contra o membro imortal da Akatsuki, Hidan. Nesta batalha, fomos capazes de notar como Shikamaru explorava, mais do que nunca, sua inteligência incomparável. Ele garantiu uma das derrotas mais cruéis e engenhosas contra um membro da Akatsuki. As habilidades mortais de Hidan não foram páreo para a estratégia do membro do clã Nara, que levou o vilão a ser explodido e enterrado vivo.

8° Killer Bee vs Sasuke

Essa foi, sem dúvida, uma das “surras” mais memoráveis! Sasuke teve muita dificuldade em derrotar o Jinchuriki de Oito Caudas, Killer Bee, mesmo com seu Sharingan. Bee, com seu estilo de luta único e velocidade incrível, foi capaz de derrotar sozinho os membros do grupo Taka. Sasuke apelou até para seu Genjutsu, mas o Hachibi acordou Bee. A luta se intensificou quando Bee entrou em seu Modo Biju, mas foi vencido pelo Amaterasu de Sasuke. Mesmo vencendo por pouco, Sasuke saiu da luta com o título de “freguês” de Killer Bee.

7° Pain vs Jiraiya

O Arco de Pain é inquestionavelmente um dos melhores de Naruto Shippuden. A luta de Jiraiya e Pain nos fez pular, gritar e, inevitavelmente, chorar. Este confronto resultou na morte do Sábio Tarado, um dos personagens mais amados. Em seus momentos finais, Jiraiya lutou por sua sobrevivência e mostrou que seu título de Sannin Lendário não era à toa, sendo capaz de suportar os Seis Caminhos de Pain e, ainda, lançar um Genjutsu. Sua morte era inevitável, mas ele partiu com um sorriso, deixando um legado.

6°  Naruto vs Pain

Após ser o culpado pela morte de Jiraiya e ter destruído Konoha, Pain se tornou o adversário que mais fez os ninjas da Folha sofrerem. No entanto, ele não esperava que Naruto Uzumaki estaria pronto para fazer de Pain o seu teste: finalmente, ele dominou o misterioso Modo Sábio, que lhe permite usar a força natural do mundo. Essa luta foi fenomenal, principalmente na parte em que Naruto perde o controle e se transforma em um avatar da Kurama com oito caudas, mostrando seu poder destrutivo.

5° Itachi vs Sasuke

O confronto mais aguardado de Naruto Shippuden, a luta entre os irmãos Sasuke e Itachi, prometia decidir quem era o mais forte, mas resultou em uma batalha de partir nossos corações. Foi uma troca incrível de habilidades, com os irmãos Uchiha parecendo praticamente equilibrados. Em todo momento, Itachi tentava tocar a testa de Sasuke, um gesto que remetia à infância. No final, o grande segredo é revelado: tudo o que Itachi fez foi para proteger a vila e, sobretudo, seu irmão. A luta acaba com a vitória de Sasuke, que recebe o Mangekyou Sharingan como um presente final.

4° Madara vs 5 Kages

“Com ou Sem Susanoo?” Apenas essa frase já define a grandiosidade de Madara Uchiha. Mal havia aparecido e ele já era um dos vilões mais poderosos. A luta do lendário ninja contra os 5 Kages e a Aliança Shinobi foi espetacular. As habilidades e técnicas de Madara eram assustadoras: ele foi capaz não só de derrotar toda a Aliança Shinobi, mas de humilhar os Kages. Madara foi e sempre será um dos ninjas mais perigosos do Universo Naruto, e essa luta é a prova máxima de seu poder.

3° Naruto e Sasuke vs Madara

Chegamos ao Top 3! Agora o nível é Hardcore, começando com o confronto entre Naruto e Sasuke contra Madara no Modo Sábio dos Seis Caminhos. Após absorver a Árvore Divina e se tornar Jinchuriki do Dez Caudas, Madara atingiu um patamar de poder nível Deus. Mesmo com Naruto e Sasuke recebendo poder de Hagoromo, foi quase impossível vencer. Madara estava com novas técnicas e um poder avassalador. Somos corajosos a dizer que se não fosse pelo plano do Zetsu Negro, Madara teria levado a melhor.

2° Gai vs Madara

O ranking é sobre as melhores lutas de Naruto, e não necessariamente as mais poderosas! A luta decisiva entre o Mestre do Taijutsu e o Uchiha Lendário é pura emoção. Em seus momentos finais, Might Guy decide confrontar Madara para ganhar tempo para os outros, abrindo o Oitavo Portão, o Portão da Morte. Gai ficou tão poderoso que o próprio Madara o nomeou o ninja mais forte em Taijutsu que já enfrentou. Seus ataques eram tão fortes que o ar se deslocava. Mesmo com a vitória de Madara, o sacrifício e a força de Gai a tornam uma das mais memoráveis.

1° Naruto vs Sasuke Luta Final

Até que enfim, o TOP 1! Esta luta foi o desfecho de todo o universo, o final de uma rivalidade que começou lá no Clássico. Logo após derrotarem Kaguya, Sasuke aprisiona as Bijuus para forçar uma revolução, e Naruto vai atrás do seu amigo para, mais uma vez, livrá-lo de seu lado sombrio. Esta foi uma das melhores lutas de Naruto Shippuden com o maior envolvimento de poder, onde vimos duas pessoas normais se transformarem em deuses.

De um lado, Sasuke com seu Susanoo Perfeito com o poder das Bijuus, e do outro, Naruto com seu Avatar Kurama e o Modo Seis Caminhos. No final, os dois acabam sem chakra e perdem os braços com um último ataque, selando o fim da saga.

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Qual sua Luta Favorita?

Essa lista das melhores lutas de Naruto celebra os momentos mais emocionantes que fizeram deste um dos maiores animes de todos os tempos. Sentiu falta de algum confronto épico de Naruto Clássico e Shippuden? Deixe seu comentário e compartilhe este TOP 10 com outros fãs do Nerds da Galáxia!

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Paulo Gouvêa

CEO e editor da Nerds da Galáxia. Nerd em tempo integral, cinéfilo, seriador, gamer, leitor e fã de Tolkien. Apaixonado por filmes de super-heróis, colecionador de itens nerds em geral.

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Segredos de um Escândalo conta a história de Gracie Atherton-Yoo (Julianne Moore), uma ex-professora que foi parar nos jornais dos Estados Unidos por sua relação amorosa com Joe, um aluno de 13 anos. Depois de 20 anos do caso, o casal Gracie e Joe (Charles Melton) – agora com seus 36 anos e pai de 4 filhos crescidos – terá que reviver o passado turbulento, mediante um filme que contará suas histórias, cuja a famosa atriz Elizabeth Berry (Natalie Portman), interpretará Gracie no longa. Para se preparar ao papel, a atriz visita a campo a família e tenta compreender a relação dos dois.

O filme é dirigido por Todd Haynes, considerado o pioneiro do “New Queer Cinema”, que levanta produções LGBT+, e multi indicado em grandes premiações do cinema, como o Emmy Primetime, Oscar, Leão de Ouro, Palma de Ouro e BAFTA. Já o roteiro ficou com Samy Burch, que por sua vez foi baseada em uma história contada pelo roteirista em conjunto com Alex Mechanik. Com 2 horas de duração, a Nerds da Galáxia conferiu o filme na quinta-feira passada (11) e traz uma crítica sem spoilers de Segredos de um Escândalo, filme que chegará nos cinemas brasileiros na quinta (18). A Netflix é distribuidora do longa, portanto chegando posteriormente ao catálogo do streaming.

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Nota: A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião.

Crítica sem Spoilers – Segredos de um Escândalo

Apesar de concorrer nas categorias de comédia e musical, Segredos de um Escândalo não se enquadra nesses gêneros, o que não me assusta pelo fato do Globo de Ouro, até alguns anos atrás, estar ainda manchado dentro de um consenso especializado em cinema. O filme, na verdade, é um drama, com características melodramáticas, pautada sobre a moral.

O próprio enredo é um exagero: uma professora que se apaixona pelo seu aluno; a recepção negativa da imprensa, de terceiros e da própria família de Gracie perante o ocorrido; o conflito entre a família “antiga” de Gracie – composta pelo seu ex-marido e dois filhos – e a sua nova construída com Joe, no qual o fruto deste amor proibido gerou 4 crianças; o clima de estranheza e peso com a presença de Elizabeth e suas cenas de incorporação a personagem… A incredulidade em Segredos de um Escândalo é um sentimento que reina durante toda sua duração, potencializado ao lembrarmos que esta história já aconteceu mundo afora.

Trazendo este peso chocante e real, somado ao elenco e ao gênero poderoso em Hollywood e com algumas homenagens para a própria classe cinematográfica – representada pela profissão da personagem de Portman como atriz comprometida -, Segredos de um Escândalo tem todos os trejeitos de um filme meramente produzido visando as premiações e um lugar de destaque na imortalidade cult do cinema. E isso não é tão positivo assim – pelo menos para este caro redator. Acima de tudo, um filme deve ser responsável por entreter e tocar seus telespectadores, e não contribuir com os insistentes estereótipos negativos, como o Drama, especialmente o melodrama, já carrega por grande parte dos cinéfilos mais descompromissados.

Segredos de um Escândalo não tenta criar sua própria originalidade, parecendo um apunhalado de peças Lego de outros filmes melodramáticos de Hollywood. O longa estrelado por Natalie Portman e Julianne Moore mira numa poeticidade – o que acaba embelezando a experiência, tais quais as diferentes formas de enquadramento e jogadas de cãmera e uma analogia entre o personagem Joe e a borboleta que ele cuida -, porém é sem um propósito narrativo, afinal não acrescenta em nada na trama e se torna rasa para um filme que prometia tanto por suas indicações e por seu elenco estelar.

Quanto à atuação, claro que Julianne Moore e Natalie Portman, as protagonistas de Segredos de um Escândalo, fizeram uma boa atuação. Mesmo para o cacife alto que temos com a presença dessas grandiosas atrizes, com Oscar e Emmys em suas prateleiras, um desmpenho “bom” não é um fator tão positivo, não é? Ao contrário da trilha sonora, que foi muito bem trabalhada e trouxe mais vivacidade nas cargas dramáticas.

Como outro ponto positivo de Segredos de um Escândalo, trago a constância do papel de Portman como a atriz Elizabeth Banks. Foi muito bacana poder enxergar uma parte do trabalho de um ator/atriz que não é vista pelo público: o estudo do personagem. Tal ideia foi muito criativa dentro do enredo, pois contribui para a estranheza do melodrama – na verdade, foi o pilar central para toda a narrativa – e traz um ponto de virada de Natalie Portman, cenicamente. Só acho que poderia ter sido mais evidente no final, mas foi um contraponto interessante.

Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou um estudante de jornalismo (até dezembro de 2023) completamente enlouquecido por cinema, sempre tentando ver alguma coisa nova por aí. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, gamer de Playstation e jogador de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos e falar sobre games, tecnologia, música (sou mais do rock) e de crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Não tenho nenhum dinheiro no bolso, devido a periféricos gamers, funko pop’s e baldes/copos temáticos de alguma coisa nerdola. Ajude um necessitado e mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

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Com um gasto exorbitante, novas adições para a franquia e voltas de grandes conhecidos da saga, Velozes e Furiosos 10 cumpre sua função como um mirabuloso espetáculo de ação típico da saga, recheado de cenas desse tipo no longa. Com atuações bem medianas e um grande holofote – de maneira super justa, graças ao seu belo trabalho – em Jason Momoa como Dante, Velozes e Furiosos 10 leva a franquia a um estado mais sério, honrando os fãs dos filmes e já anunciando uma despedida muito em breve das telonas – sendo o principal atrativo de “quero mais”.

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência em assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta ou uma resposta definitiva para a sua dúvida de assistir ao filme ou não. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

Atuações

A franquia de Velozes de Furiosos nunca foi de exigir grandiosas atuações de seu elenco, até por ser um filme de ação bem frenético que se vende pela construção das coreografias de perseguições e de lutas. Assim como antes, Velozes e Furiosos 10 leva um trabalho bem “OK” cenicamente, com exceção de Jason Momoa como Dante, o antagonista da produção.

Jason já tinha revelado sua ansiedade e alegria com seu primeiro papel vilanesco nos cinemas, até definindo sua escalação para Velozes e Furiosos 10 como “importante” para sua carreira. Todo o carisma do ator, famoso pelo seu papel como Aquaman, foi refletida para um tom mais sádico. Uma vez que iniciei as comparações com o universo dos super-heróis, seu papel lembra uma forte inspiração ao Coringa em aliar a vertente brincalhona e descontraída com o da peversão e crueldade: ora divertido, ora amedrontador. Sem dúvidas, Jason Momoa é o que mais se destaca em Velozes e Furiosos 10, com uma boa vantagem.

Brie Larson, Alan Ritchman e Daniela Melchior, como novos participantes, não tiveram tanto tempo de tela para brilharem, pesando muito mais para Melchior e muito menos para o personagem de Ritchman, que até conseguiu provar seu valor no final do filme, em um desenvolvimento de roteiro inesperado.

A mesma situação vale para Nathalie Emmanuel, que não conseguiu demonstrar uma evolução na sua personagem, assim como a Jordana Brewster. Os papéis de Ludacris e Tyrese Gibson se sobrecarregam, não funcionando suas interações cômicas e fazem um copia e cola dos trabalhos anteriores, movimentação contrária comparada ao papel de Michelle Rodriguez, que cada vez mais mostra ser badass.

Dentre as figuras já conhecidas da saga, a figura imponente de Charlize Theron como Cipher e o alívio cômico trazido por Jakob, de John Cena, são os que mais abrilhantam Velozes e Furiosos 10, muito pelo fato do ineditismo desses personagens trabalhando em conjunto com a Família.

O final de Velozes e Furiosos 9 já revelou Jakob se reconciliando com seu irmão, Toretto. Porém realmente uma cena em conjunto de Jakob como membro da Famíla de Toretto estava em falta – até Velozes e Furiosos 10. Já Cipher mostrou uma sensação de que a qualquer momento sua parceria poderia ser um plano de fachada e ser mais um vento no vendaval, que fez com que sua personalidade e sua história já construída na franquia continuasse retilínea e condizente, além de trazer ao telespectador a mesma vibe de incerteza levantada pelos personagens mais antigos da Família.

Roteiro e Cenas de ação

Velozes e Furiosos 10 é o grande ponto da saga em questão de construção narrativa, embasada totalmente nos demais títulos anteriores. Claro que, a partir do segundo filme, sempre teve as referências ali ou acolá, seja com uma participação de tal personagem ou menções, só que o décimo filme da franquia vai mais além e reforça ainda mais seu universo cinematográfico, sem grandes novidades e estas mesmas dentro de algo já estabelecido, como o caso da Tess, personagem de Brie Larson, que se revela como a filha de Mr. Nobody (Kurt Russel).

A decisão foi certeira para garantir uma maior firmeza da história. O que faz sentido pela proposta de background do vilão Dante, fortemente relacionado ao roubo de cofre realizado por Dom Toretto e Brian (Paul Walker) em “Operação Rio”, e pelo clima de despedida que a Universal Pictures já começou a aderir. Não é à toa a comparação com “Guerra Infinita” da Marvel Studios: a chegada de um grande vilão que colocará a equipe de heróis em grandes conflitos, com tragédias, união de personagens movido para um bem maior, separação de times, recorrentes referências a outras produções do universo da saga e muitas situações mal-resolvidas para o que vem a seguir.

Outro ponto positivo no roteiro de Velozes e Furiosos 10 foi a construção das cenas de ação. Embora que bem similares aos que já foram apresentados nos outros filmes de Velozes e Furiosos, ainda perpetua grandes tiradas de ação que te deixam sem ar. Velozes e Furiosos 10 abusa de coreografias de lutas corporais e utilização de cenas com carros e aviões.

Como nem tudo são flores, obviamente que Velozes e Furiosos 10 mostrou algumas falhas que atrapalharam minha experiência, com a maior de todas sendo os diálogos marjoritariamente amostrando lições de moral. Sei que é lindo e acabou virando uma caricatura – não tão positiva, mais pendendo ao lado sarcástico – a valorização da “família”, porém foi massivo e desgastante a maioria das falas entre os personagens do núcleo de Dom Toretto usadas para elucidar lições de vida e frases motivacionais, que tornaram as relações muito robóticas – somando ao fato das ações não serem marcantes – e nada naturais.

Para concluir, outro ponto que é justificável mas é algo negativo dentro do trabalho da equipe de escritores de Velozes e Furiosos 10 é a falta de tempo para desenvolver melhor os arcos das personagens de Brie Larson e Daniela Melchior, que me deixaram com uma impressão incompleta. Suas importâncias foram claras, porém faltou mostrar ainda mais a capacidade dessas duas grandes atrizes. Alan Ricther conseguiu, pelo final, provar a que veio, mas, mesmo assim, convém acrescentá-lo à crítica. Pelo fato do Brasil ser ponto chave para entendimento da história, os personagens mal ficaram no país e o papel de Luis da Silva Jr. foi bem abaixo.

O que você deve saber sobre Velozes e Furiosos 10

Em resumo, os fãs da saga Velozes e Furiosos podem ir tranquilo quanto à qualidade de Velozes e Furiosos 10. Para os telespectadores que ficaram enferrujados e não acompanharam os demais filmes que antecedem o décimo, ficarão perdidos sobre as dinâmicas de relação dos personagens pela forte relação que a narrativa traz com os acontecimentos passados da saga, mas vão conseguir acompanhar a história central, pelo menos.

As cenas de ação continuam apresentando cenas fortes e não tão realísticas com carros, como uma figura carimbada da franquia, só que desta vez em um nível menor que o Velozes e Furiosos 9 – afinal, o que consegue superar uma missão no espaço? A superação, no entanto, será definida nos plots que vão se desenrolar em Velozes e Furiosos 10, até o grand finale que marcará por si só a saga, com grandes voltas de personagens e a sensação de que mais está por vir.

Ah, e lembrem de ficar depois dos créditos para ver a grandiosa cena pós-crédito de Velozes e Furiosos 10!

Enzo Sapio

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Indo contra o que era esperado pela crítica e pelos amantes da saga, o novo filme registrou avaliações mais altas de toda a franquia, tratando-se do maior filme de John Wick. Além das reações positivas, John Wick 4: Baba Yaga pode se tornar o filme mais lucrativo da saga, conforme relatórios exclusivos divulgados pela Deadline.

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John Wick 4 se torna o filme mais avaliado da saga

Em questão da avaliação do filme, os maiores sites de crítica do cinema concordaram que o quarto filme da franquia é o melhor até então. No Rotten Tomatoes, a maior plataforma de críticas especializadas e populares, registra 95% de aprovação tanto da crítica quanto do público. A média final varia conforme mais notas vão sendo publicadas, porém parece que a mesma taxa será permanente, uma vez que 234 comentários dos críticos de cinema foram computados e mais de 1000 avaliações dos espectadores foram verificadas.

Ainda analisando a saga John Wick no Rotten Tomatoes, o terceiro filme da franquia – “Parabellum” –, lançado em 2019, registra 89% de aceitação da crítica e 86% do público; enquanto “John Wick Capítulo 2”, de 2017, acumula os mesmos 89% da crítica especializada e uma queda pequena de adoração do espectador, com 85%. O primeiro John Wick, disponibilizado em 2014, registra 86% de aceitação dos críticos e 81% dos usuários.

O IMDB pontua John Wick 4: Baba Yaga em 8,5, média-base de mais de 29 mil reações, também uma pontuação muito maior que os últimos três filmes da saga John Wick dentro do IMDB – ambos possuem as mesmas notas: 7,4. Nesta sexta-feira (24), a CinemaScore revelou a média final do filme, com o mesmo rendimento superior que os filmes anteriores, ganhando um A cravado, diferentemente de “Parebellum” e “Capítulo 2” que conseguiram A- e “John Wick” que faturou um B.

Vale ressaltar que o CinemaScore não realiza críticas que nem o Rotten Tomatoes e o IMDB. Na verdade, o portal realiza uma métrica baseada no público. O site pesquisa os espectadores em grandes lançamentos de filmes na noite de abertura para coletar informações demográficas que são calculadas para chegar à pontuação geral do filme.

John Wick 4 abre como maior estreia da franquia

John Wick 4: Baba Yaga também pode superar a bilheteria total da franquia, já que o quarto filme já atingiu um valor superior de abertura de bilheteria de toda a saga.

Um relatório exclusivo do Dealine apontou que nesta sexta-feira, dia 24 de março, John Wick 4 abriu com um valor aproximado de US$30 milhões de dólares, acima de “John Wick: Parabellum”, que fez US$ 22,6 milhões, seu antecessor. Além disso, vale lembrar que “John Wick: Um Novo Dia Para Matar”, de 2017, fez US$ 30,4 milhões na abertura completa.

Segundo o portal, a tendência é que até domingo (26), John Wick 4: Baba Yaga acumule cerca de US$70 milhões de dólares

Mais de John Wick 4 e universo.

John Wick 4 continuará a história logo após os eventos do final do terceiro filme. O protagonista interpretado por Keanu Reeves foi baleado e deixado para morrer por Winston, que tem como objetivo recuperar seu posto como gerente do Continental. Obviamente, Wick sobreviveu, e planeja sua vingança para derrubar de uma vez por todas a Alta Cúpula, a temida autoridade do submundo dos assassinos.

No entanto, quando descobrem que Wick continua vivo, o personagem também será caçado e terá que enfrentar seus adversários mais letais até agora. Com o preço em sua cabeça cada vez maior, ele leva sua luta contra a Alta Cúpula para diferentes locais ao redor do mundo, enquanto procura pelos membros mais poderosos do grupo.

Um John Wick 5 já foi encaminhado, mas atualmentem devido a pandemia, os planos originais de seguir simultaneamente com as produções de John Wick 4 e John Wick 5 foram paralisadas, e não há um sinal verde para as gravações do quinto. Tudo dependerá da recepção do público diante de John Wick 4.

Os recém-chegados no elenco principal são Donnie Yen (O Grande Mestre), Hiroyuki Sanada (Mortal Kombat), Shamier Anderson (Passageiro Acidental) e Bill Skarsgard (IT: A Coisa), com a direção de Chad Stahelski e roteiro escrito por Shay Hatten e Michael Finch.

John Wick 4 já está em cartaz nos cinemas. O universo da saga será expandido no filme derivado de nome “Bailarina”, girando em torno de uma jovem mulher, descrita como ”vulnerável porém letal”, que deve se vingar dos assassinos da sua família, estrelada por Ana de Armas e que contará com uma participação de Keanu Reeves. Len Wiseman (Anjos da Noite) irá dirigir, enquanto Shay Hatten (John Wick 3: Parabellum) e Emerald Fennell‎‎ (Bela Vingança) assinam a versão final do roteiro.

Uma minissérie de 3 episódios focado no Hotel Continental e sua origem também foi confirmada para a Amazon Prime Video em algum momento de 2023, contado através dos olhos e ações de um jovem Winston Scott (Colin Woodell), que é arrastado para Nova York em 1975 para enfrentar um passado que ele pensou ter deixado para trás. Além de Woodell, também veremos no elenco Mel Gibson como Cormac, Ayomide Adegun como jovem Charon (interpretado por Lance Reddick nos filmes), Ben Robson como Frankie, e Peter Greene como Tio Charlie.

Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou um estudante de jornalismo (até dezembro de 2023) completamente enlouquecido por cinema, sempre tentando ver alguma coisa nova por aí. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, gamer de Playstation e jogador de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos e falar sobre games, tecnologia, música (sou mais do rock) e de crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Não tenho nenhum dinheiro no bolso, devido a periféricos gamers, funko pop’s e baldes/copos temáticos de alguma coisa nerdola. Ajude um necessitado e mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

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A cultura pop teve sua grande ascensão nos anos 80 e 90. Com uma maior idealização do entretenimento e do modo de viver a vida com mais intensidade, o período da década de 1980 impulsionou grandes marcos da música, tecnologia, cinema e vestuário, que refletiram diretamente na cultura popular que nós conhecemos, atualmente. Sem o Game Boy, o que seria da Nintendo? Sem o hip-hop e os festivais de música, como Rock in Rio, o que seria da indústria musical? E o que seria dos tênis e de toda sua cultura consumista sem a criação da linha Air Jordan da Nike?

As respostas para as perguntas acima não sabaremos, mas nós idealizamos que sejam resultados que tendenciam mais para o lado negativo do que positivo, certo? Bem, é sobre esse ‘boom’ lifestyle dos anos 80 que “Air: A História por Trás do Logo” se passa, centrando na história verídica dos executivos da Nike em uma batalha complicada para estar entre as maiores empresas de vestuário dos Estados Unidos.

O filme ganhou grande destaque na mídia após registrar 100% de aprovação no maior site de críticas de Hollywood, a Rotten Tomatoes, com 18 críticas publicadas. No IMDB, a mesma filosofia de sucesso segue também, com uma pontuação de 8,5.

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Só é “complicado”, pois mesmo que a empresa norte-americana seja líder no ramo de tênis de caminhada e roupas esportivas, sua área de relevância nos esportes era baixa, sobretudo no basquete, o esporte mais praticado e consumidos pelos americanos. A Converse, empresa dos famosos “All Star”, e a Adidas reinavam nos esportes – exatamente nessa ordem de dominância -, então a Nike se vê em uma crise, desesperada para achar algum atleta bom e barato, aos moldes da empresa, para colocá-la no topo.

Seguindo uma linha de pensamento de contratar atletas mais ofuscados com um futuro promissor na NBA, um executivo decide tomar um rumo oposto e apostar todo o dinheiro do departamento esportivo da Nike em um jovem atleta: Michael Jordan.

Equipe Técnica

“Air: A História por Trás do Logo” é dirigido, produzido e estrelado por Ben Affleck (Liga da Justiça, Batman Vs Superman: A Origem da Justiça), interpretando o fundador da Nike Phil Knight no seu quinto longa-metragem que o multifacetado ator dirige. Para quem não se recorda, Afleck dirigiu os filmes “Medo da Verdade (2007)”, “Atração Perigosa (2010)”, “A Lei da Noite (2016)” e “Argo (2012)” – pelo qual ganhou o Oscar de ‘Melhor Filme’ em 2013.

Matt Damon (Perdido em Marte) é o protagonista Sonny Vaccaro, chefe da marca esportiva e de calçados Nike, que planta essa locura de ir atrás de Michael Jordan diante de uma disputa financeira com empresas rivais de mais alto calibre. Matt está de volta em mais um filme de época após o sucesso “Ford vs Ferrari (2019)”, também como produtor de “Air”.

Viola Davis (A Mulher Rei), Julius Tennon (A Mulher Rei – marido de Viola na vida real), Matthew Maher (Funny Pages), Chris Tucker (A Hora do Rush), Jason Bateman (Ozark), Chris Messina (Projeto Mindy) e Marlon Wayans (Todo Mundo em Pânico) compõe o elenco do drama esportivo “Air: A História por Trás do Logo”.

Escrito pela roteirista Alex Convery – que marca sua estreia em uma grande produção – e produzido pelas produtoras Skydance Productions e Amazon Studios – primeiro filme da Amazon a estrear nos cinemas sem simultaneadade com a Prime Video, depois de “Talk-show – Reiventando a Comédia (2019)” -; “Air: A História por Trás do Logo” estreia nos cinemas brasileiros no dia 6 de abril.

A Nerds da Galáxia foi convidado em uma cabine de imprensa pela distribuidora do filme, a Warner Bros, na última sexta-feira (26). Fica registrado o nosso agradecimento. Confira a crítica sem spoilers abaixo.

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência em assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta ou uma resposta definitiva para a sua dúvida de assistir ao filme ou não. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

Crítica de “Air: A História por Trás do Logo”

Sabemos que não é nada fácil prender o leitor em um filme baseado em fatos reais, especiamente se tratando de grandes eventos mundiais. Afinal, o espectador já sabe o que acontece, o que deixa o processo mais desmotivado.

Porém, não é o que acontece em “Air: A História por Trás do Logo“. O senso de humor da roteirista, Alex Convery deixa o longa mais divertido, enquanto seu senso realístico possibilitou contar uma trama cheio de burocracias e expressões, que costumam atrair somente pessoas ligadas à negócios e gestões empresariais e os fãs de basquete, de forma muito destrinchada e leve para espectadores que até mesmo são completamente leigos sobre esportes e negócios.

Aderindo um estilo meio documentário para o filme, “Air: A História por Trás do Logo” é imersivo quanto à ambientalização dos anos 80 e ao contexto de disputa empresarial. Sobre o primeiro tópico, o longa se compromete a mostrar, de forma não-verbalizada, como que o americanos estão consumido mais e se importando mais com a cultura e o lifestyle, já de início preparando o terreno para entendermos não somente o estilo de vida e a tendência dos anos 80, mas sim principalmente para compreender a crucialidade das empresas em surfar nessa ‘moda’, a fim de captar mais clientes, visando mais lucros.

É exatamente esse o ponto que torna a disputa empresarial entre Nike, Adidas e Converse muito fácil de compreensão para o leitor, com direitos a até números pingando na tela para elucidar melhor o público. “Air: A História por Trás do Logo” vai certamente te lembrar de “The Office (2005-2013)”, com as piadas bobas em meio a um cenário de escritório que vão te fazer dar umas gargalhadas.

Por falar em piadas, todos concordamos que a atuação está diretamente envolvida no poder de humor, não basta a própria ideia em si. As escalações de Marlon Wayans, Chris Messina e Chris Tucker foram grandes fontes da graça do filme. Alías, a direção de Ben Affleck foi sob medida, atendendo todos os pontos fortes de cada atriz e ator de “Air“.

Matt Damon e o próprio Ben Affleck são um misto de versatilidade, intercalando em Damon como um personagem inspirador e visionário, com um toque satírico; e Affleck como o grande CEO preso em sua bolha, algumas vezes não compreendido pelos funcionários.

Sem dúvidas, Viola Davis e Jason Bateman também merecem um reconhecimento. Viola é a Viola, não tem como presenciar uma atuação mediana para baixo vindo dessa grande atriz EGOT, apostando na mesma caricatura séria e postura ‘casca grossa’ como a mãe de Michal Jordan e a principal conselheira do atleta diante do mercado. Bateman explorou seu lado aflituoso e dramático no personagem Rob Strasser, com medo de toda a situação arriscada da Nike, assim como ficou conhecido na série da Netflix “Ozark”.

No geral, os atores fizeram seus “arroz com feijão”, sem nenhum destaque cênico ou um trabalho fora da curva pelo qual será lembrado. A intenção de “Air” não foi essa, com o conjunto e a química muito contagiante entre os atores passando por osmose das telas para os nossos sentimentos como telespectadores.

Então, vale a pena ver o filme?

Sim, vale muito a pena! As quase 2 horas de duração de “Air: A História por Trás do Logo” te fazem encantar com a história tratada, cheia de esperanças, inspirações, afetos e confianças – que deveriam vir na bagagem nos trabalhos de qualquer setor, na relação de empregado e chefe. De forma muito leve e fácil de entender, os espectadores fazem parte da história com o belo trabalho de edição e da direção de arte – que com certeza marcarão uma indicação ao Oscar de 2024 -, e de brinde ganham um filme divertido escrito de forma especial pela roteirista e bem dirigido por Ben Affleck, consequentemente se espandindo para o time renomado de atores e atrizes.

Ao mesmo tempo que “Air: A História por Trás do Logo” traz uma novidade de dar as maõs com um estilo documentário e de ter muito orgulho disso, o filme ainda segue à risca a fórmula dos longas verídicos e usufrui de velhas artimanhas cênicas dos atores, que podem desapontar caso esperem um ‘filmão’ com desempenhos espetaculares.

Se apoiando em grandes produções, como “Fome de Poder (2016)”, o filme une o entretenimento com informação, no momento mais do que certo em contar todo o triunfo da Nike e de sua linha fenômeno Air Jordan.

“Air: A História por Trás do Logo” estreia no dia 6 de abril nos cinemas

Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou um estudante de jornalismo (até dezembro de 2023) completamente enlouquecido por cinema, sempre tentando ver alguma coisa nova por aí. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, gamer de Playstation e jogador de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos e falar sobre games, tecnologia, música (sou mais do rock) e de crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Não tenho nenhum dinheiro no bolso, devido a periféricos gamers, funko pop’s e baldes/copos temáticos de alguma coisa nerdola. Ajude um necessitado e mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

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Chegando nos cinemas brasileiros no dia 2 de março, assim como o filme Close e outros longas independentes do Oscar 2023, Creed III traz de novo B. Jordan como Adonis Creed, Tessa Thompson como a musicista e esposa de Adonis Bianca, Woody Harris como Tony Evers, Phylicia Rashad como a mãe de Adonis e Florian Munteanu como Viktor Drago – agora, não como um dos antagonistas, mas sim como parceiro de Creed nessa nova jornada. Vale lembrar que o filme seria lançado em novembro de 2022, mas sofreu adiamentos, conforme relatou a Variety.

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Bem, se Viktor Drago não é mais o vilão, quem é? Simples: seguindo a mesma ideia de Creed II, Creed III explora o passado sofrido de Adonis Creed através de Damian, amigo de adolescência de Adonis que possui um forte vínculo com o protagonista e pendências mal resolvidas. Para a super produção, o super ator – e atualmente em alta – Jonathan Majors foi chamado para Creed III, sendo mais uma vez vilão de um blockbuster e estando em dose dupla com sua peversidade nas salas de cinema por Creed III e Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania.

Depois de dominar o mundo do boxe, Adonis Creed (Michael B. Jordan) tem prosperado tanto em sua carreira quanto em sua vida familiar. Quando um amigo de infância e ex-prodígio do boxe, Damian (Jonathan Majors), ressurge após cumprir uma longa sentença na prisão, ele está ansioso para provar que merece sua chance no ringue.

O confronto entre ex-amigos é mais do que apenas uma briga. Para acertar as contas, Adonis deve colocar seu futuro em risco para lutar contra Damian – um lutador que não tem nada a perder

Sinopse de Creed III

A Nerds da Galáxia assistiu antecipadamente o filme em uma cabine de imprensa nesta quarta-feira (28), a convite da Warner Bros. Fica registrado nosso agradecimento. Confira abaixo a crítica sem spoilers de Creed III.

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência em assistir o filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta ou uma resposta definitiva para a sua dúvida de assistir o filme ou não, tampouco um achismo absoluto do portal Nerds da Galáxia. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

Creed III é o melhor filme da franquia?

Desde que foi anunciado a ausência de Stallone, juntamente com seu personagem Rocky, algumas incertezas pairaram os cinéfilos. Pela franquia Creed reviver a saga de múltiplos filmes de Rocky Balboa, é inegável afirmar que muitos telespectadores se sentiram atraídos somente pela presença do lutador icônico dos anos 80, ao contrário do então novo legado de Michael B. Jordan.

Não há motivo de estranhamento: Creed III faz bonito e se prova uma verdadeira franquia que pode andar sozinha sem vincular obrigatoriamente a brilhante história contada por Sylvester Stallone, que está sumido somente na frente das câmeras – cumprindo o papel de produtor executivo ao lado de Jordan.

Claro que Creed (2015) é mágico e nostálgico pela re-introdução de Stallone no ramo do boxe, porém a estrela principal sempre foi Rocky, algo que não cabia pelo filme ter o nome do outro co-protagonista, Adonis Creed. Por ser o primeiro derivado, podemos “passar esse pano” – até como foi dito acima, para chamar tanto uma nova leva de amantes do cinema quanto os que cresceram e/ou acompanharam toda a saga de Rocky Balboa nas telonas.

O segundo já corrobora esse ofuscamento do universo de Rocky, com o personagem de Sylvester Stallone roubando o protagonismo e deixando Creed muito dependente de Rocky, além de que traz uma gama enorme de referências da saga de Balboa novamente mexendo com o passado do personagem, e um copia e cola sem autenticidade de Rocky IV (1985) repetindo o mesmo vilão.

Creed III veio para refazer as mesmas bateções de tecla muito amostras de seu anterior. Trazendo uma história totalmente original e intimista, muito correlacionado com a história de vida de Adonis, o roteiro de Keenan Coogler e Zach Baylin é bem escrito, com os arcos de Michael B. Jordan e Jonathan Majors contundentes com o background de seus personagens.

O maior destaque é a sequência dos eventos de Creed III, honrando as típicas tramas de filmes do gênero de boxe e ao personagem Adonis Creed e sua esposa Bianca, com adições novas muito legais e interessantes sobre suas vidas, como exemplo a filha fruto da relação enre os dois, a Amara (Mila Dais-Kent).

A ordem em que os eventos são traçados beneficia muito a atuação e a presença de Majors, que passa dessa figura do bem a um grande antagonista egoísta de forma muito orgânica e natural. Principalmente visto na explicação do envolvimento de Creed e Damian no fatídico dia que Damian é preso por 18 anos, que chega a ter reviravoltas no que achávamos que seria. Damian é um dos antagonistas mais fascinantes e perturbadores da história das séries Rocky e Creed, nos apresentando as vulnerabilidades do personagem e depois chocando a todos com seu poder, fruto de muita determinação e força de vontade.

Já que citei indiratemente sobre as atuações, as performances de Michael B. Jordan, Jonathan Majors e Tessa Thompson são na medida, com maiores aplausos a Majors, que consegue ter o dom de falar tanto com seu personagem usando linguagem corporal, tornando-o extremamente satisfatório assistí-lo.

Foi muito inesperado que Creed III deu um maior foco no drama familiar, fazendo ser um longa mais dramático que de ação/ boxe em si. Com a aposentadoria de Adonis como um atleta, o personagem se mostrou um verdairo homem de família, cuidando de sua filha deficiente auditiva, Amara; apoiando sua mulher, Bianca, na seu precoce afastamento dos palcos com sua perda auditiva progressiva; e sua mãe, Mary Anne, que está sofrendo com a idade no risco de sofrer mais um derrame. O polo família é unificado a outro polo família, com essa última fazendo alusão a família de alma, aonde Damian entra nesse espaço.

Muitos desses elementos dramáticos se manifestam nas lutas, inclusive na luta final, que pode dividir opiniões com a galera que é mais amante do realismo do ambiente do boxe. A cena, em questão, de Creed III, trouxe um novo ar e determinou o terceiro filme como um dos mais diferentes do universo Rocky e Creed, sem contar que, com a qualidade boa desse filme, outros filmes com essa proposta ou atémais ambiciosas podem brincar perfeitamente com o cenário esportivo.

Afinal, tudo que traçamos em nossa vida têm impacto direto com as vivências passadas e com o lugar que crescemos e com a educação que tivemos. Em Creed III, esses elementos fizeram questão de ser mais aparentes, graças ao belo trabalho intimista e detalhoso de Michael B. Jordan na direção, rendendo uma série de elogios e parabenizações com o trabalho árduo de atuar e dirigir ao mesmo tempo.

Como Jordan é um verdadeiro fã de Animes, os otakus e os amantes de ação podem se deleitar com coreografias de lutas de tirar o fôlego e recursos que só somaram com a tensão e com a vibração de cada round de luta, como os close-ups extremos e as câmeras lentas na maior definição que se possa imaginar, usando todo o poder do IMAX. Os ângulos de câmera em Creed III são criativos e impactam positivamente na experiência visual e narrativa.

Mostrando uma velocidade rápida de maneira muito amistosa e natural – a ponto de ficar tão confortável que você fica incrédulo que quase 2 horas se passaram – Creed III traz uma história que funciona e é convincente e cheio de detalhes que te prendem, além de ser uma narrativa que favorece seus atores, dando liberdade para explorar mais a fundo seus backgrounds e suas personalidades. A ausência de Rocky, de Sylvester Stallone, foi estranha, mas de jeito nenhum sentida, com a decisão de afastar o personagem da franquia como uma das melhores já feitas.

Apesar da ideia não inovar muito – tirando a veia mais dramática -, seus diálogos um pouco melodramáticos e sua conclusão ser muito previsível – da forma apresentada em Creed III, até diria que preguiçosa, para honrar os tradicionais ‘finais felizes’ de redenção -, Creed III te prende do começo ao fim e te surpreende da mesma forma, principalmente na precisão imaginativa de Michael B. Jordan nas cenas das lutas nos ringues.

Não sabemos se teremos um quarto filme da franquia Creed – somente o desejo de Michael B. Jordan em voltar a dirigir mais obras, em uma entrevista ao Good Morning America, e o derivado focado no boxeador Ivo Drago (Dolph Lundgren) e seu filho, Viktor. Se Creed III for a despedida , será um final satisfatório, provando que a série nunca precisa terminar, desde que continue avançando independentemente.

Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou um estudante de jornalismo (até dezembro de 2023) completamente enlouquecido por cinema, sempre tentando ver alguma coisa nova por aí. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, gamer de Playstation e jogador de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos e falar sobre games, tecnologia, música (sou mais do rock) e de crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Não tenho nenhum dinheiro no bolso, devido a periféricos gamers, funko pop’s e baldes/copos temáticos de alguma coisa nerdola. Ajude um necessitado e mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

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Dirigido e escrito por Lukas Dhont – em parceria com Angelo Tijssens no roteiro -, Close conta a história de uma amizade muito especial de Leo (Eden Dambrine) e Rémi (Gustav de Waele), duas crianças de 13 anos que praticamente cresceram juntos. Com uma relação muito próxima entre os dois, a amizade tão forte teve que ser parada com a chegada do ano letivo escolar e com o bullying sobre as interações muito afetuosas que Rémi e Leo trocavam. Porém, a mudança de postura da amizade dos dois garotos acarreta uma série de desvios que ninguém jamais esperava acontecer, virando todas as suas vidas de cabeça para baixo.

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A estreia do filme ocorreu no Festival de Cinema de Cannes em 26 de maio de 2022, recebendo aclamação da crítica e levando o Grand Prix, prêmio entregue e votado pelo júri de Cannes. O diretor, Lukas Dhont, inclusive, já é familiarizado com o festival, já vencendo o principal prêmio da noite, a Palma de Ouro, com a produção “Girl” (2018). Close foi lançado pela distribuidora Diaphana Distribution na França – em 1º de novembro de 2022 – e pela Lumiere em Benelux – em 2 de novembro – e foi exibido no Festival do Rio de 2022.

A Nerds da Galáxia teve a oportunidade de ver antecipadamente Close no CineSesc, no dia 15 de fevereiro. Agora, com sua estreia nacional acontecendo nesta quinta-feira (2), confira nossa crítica detalhada abaixo – claro que sem nenhum spoiler.

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência em assistir o filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta ou uma resposta definitiva para a sua dúvida de assistir o filme ou não, tampouco um achismo absoluto do portal Nerds da Galáxia. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

O contexto de Close

O que define uma amizade próxima ou uma “normal”? Bem, caso tenha uma resposta a essa pergunta, com certeza não será um senso comum. Porém, uma falta de resposta para o questionamento acima foi o ponto determinante para a trama de Close.

O nome do filme não foi escolhido pelo charme ou pela babação de ovo que hoje temos em incluir nomes estrangeiros no vocabulário: ao mesmo tempo que close quer dizer “perto” ou “próximo” – um grande exemplo é a aba de ‘Close Friends’ do Instagram, ou ‘Melhores Amigos” -, também representa o significado de “fechar”, “encerrar” e “terminar” – como, infelizmente, acontece com a relação de Rémi e Léo no longa, pelo julgamento e olhares dos outros e a incessante postura de se adequar a um grupo, piorada ainda mais quando relembramos que os protagonistas são adolescentes em meio à escola, uma das piores fases da vida: quando somos apresentados ao começo da vida adulta cheio de maturidades e falsas ideias de amadurecimento.

Close está presente no excelente trabalho de fotografia e direção comandadas pelo cineasta Lukas Dhont. Nos momentos iniciais do filme, câmeras mais fechadas focam nos momentos coloridos e cheios de alegria e energia de Léo e Rémi, que correspondem a todo ínicio do longa. Afinal, os dois adolescentes são inseparáveis, com Léo sempre durmindo na casa de Rémi e a família de seu melhor amigo quase que adotando-o como se fosse membro dessa união.

É na chegada do período escolar que a rotina dos dois mudam por completo. Planos mais distantes são escolhidos para simbolizar a complexidade que uma escola representa na vida dos estudantes, como se fosse um mundo à parte – a medida que avançamos de ano no colégio, mais pesados são os comprometimentos, afazeres e regras, sem mencionar todo o jogo psicológico de socializar e pertencer a um grupo – além de adiantar um novo direcionamento que a trama terá daqui para frente.

Confrontado pelos seus colegas de escola se Léo e Rémi são um casal é que faz Léo surtar e decidir unilateralmente se afastar de Rémi, também incluindo no pacote a extinção dos carinhos que ambos trocavam e o ‘grude’. Assim como mexeu com Léo, a ideia afeta muito Rémi. Uma valorização do que os outros pensam fez com que suas vidas mudassem para sempre.

A partir das ações que desencadeam em Close, os protagonistas passam um processo precoce de como lidar e como se portar perante o acontecido, deixando um ritmo lento a história, mas também muito rica, captando praticamente todo o processo do luto e da “virada de página”.

Close e sua importância

O filme belga traz vários questionamentos sobre algumas atitudes falhas da nossa sociedade, que são muito pertinentes. Com o recente debate da saúde mental, da pauta LGBTQIAP+ e da atitude de nos expressarmos mais nossos sentimentos, ainda há um grande despreparo dos pais e de todos os responsáveis sobre como falar disso ao filho, de como resolver o assunto; assim como das entidades.

Primeiro, podemos debater sobre a homofobia. O estereótipo de uma relação mais íntima e carinhosa entre dois homens (que poderiam facilmente entre duas mulheres, mas com os homens este tabu é muito mais pegado) sempre se voltar ao questionamento se são um casal ou não é fortemente presente. Entre os diversos malefícios que isso pode causar, uma delas é vista em Close e tem a ver com outro estereótipo: homem não pode demonstrar sentimento ou fraqueza.

Close foi assertivo em mostrar as crianças coadjuvantes/ figurantes sem a figura extrema da homofobia, como violentas, repressivas ou odiosas. Logo, essa pergunta sobre se Rémi e Léo são um casal, feita pelos colegas de classe, vem de uma ingenuidade provida de uma repleta ignorância sobre homens serem amorosos com outros homens, fugindo da “faceta de homem”. E é uma ignorância dado à falta de ensino dos pais daquelas crianças sobre aceitação e visão das ‘diferenças’ e sobre o verdadeiro significado de amor e suas formas. Assim como o ensino de uma rotulação da figura masculina, parecendo até um manual de instrução.

Por falar em rotulação, foi muito coerente à proposta a não-definição de que tipo de relacionamento Rémi e Léo tem. Só corrobora e normaliza uma relação de amizade mais afetuosa entre dois homens, mesma coisa com um relacionamento mais amoroso/ sexual também. Além de que, em termos narrativos, joga para o telespectador a sua definição e compreensão, um recurso bem difícil de ser inserido nas longas-metragens.

Por último, vamos incluir o tema ‘Educação’ para destrinchar outros subtemas. O diretor Lukas Dhont convida indiretamente uma polêmica opinião de ensinar as crianças desde cedo aos diferentes tipos de relação que se têm no mundo, além da saúde mental e do espaço seguro para a criança conseguir desabafar sobre o que está lhe afetando.

Cenas de uma sessão de acompanhamento terapêutico e pedagógico promovida na escola de Rémi e Léo em Close são exemplos de como isso deve ser pautado para os adolescentes, que estão em constante fase de dúvidas e de aprendizado. Se eles aprendem conhecimentos das mais diversas áras dos saberes, como Idiomas, Ciências exatas, Ciências Humanas e afins, por que os campos da saúde mental, relações e outros também não podem ser discutidos?

Sabemos que uma mudança drástica e um momento péssimo em nossas vidas são o suficiente para um turbilhão de sentimentos ruins. Se isso já nos afeta consideravelmente e muitas das vezes nem os adultos conseguindo controlar/ resolver isso sozinho, imagina para uma criança e para um adolescente? É piorado em múltiplas vezes.

Até a própria autovalorização, como lidar com o outro e com as complicações da vida e a nossa necessidade primitiva de agradar a maioria são temas postos com frequência. Léo, apesar de internamente ser o mesmo, se torna uma outra pessoa, até como forma de fugir do passado, se encaixando no time de hóquei (detalhe muito bem colocado pelos roteiristas Lukas e Angelo, por ser um esporte de muito contato físico, com Léo sofrendo muitas pancadas como uma forma de se martirizar e amadurecer).

Pontos finais

Close é uma verdadeira aula de como somos moldados pelo ambiente que nos cerca, começando desde muito cedo, nos nossos primeiros passos da vida: com nossa edcuação recebida dentro de casa e dos ensinamentos sociais nas instituições de ensino, um outro grande universo totalmente diferente.

Eden Dambrine, Gustav De Waele e Émilie Dequenne (atriz belga ganhadora de ‘Melhor Atriz’ no Festival de Cannes por seu trabalho em “Rosetta”, filme vencedor da Palma de Ouro de 1999) como Léo, Rémi e e Sophie – mãe de Rémi -, respectivamente, são excepcionais e cruciais para o movimento da trama, trazendo muita fidelidade e riqueza na narrativa de Close.

Apesar de em determinadas ocasiões parecer lento e inconstante, Close retrata fielmente o processo da aceitação do erro e de sua compreensão. Se prepare para muitos choros e verdades na cara, de uma maneira tocante, orgânica e linda, tanto historicamente quanto esteticamente, na natureza linda dos Países Baixos.

Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou um estudante de jornalismo (até dezembro de 2023) completamente enlouquecido por cinema, sempre tentando ver alguma coisa nova por aí. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, gamer de Playstation e jogador de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos e falar sobre games, tecnologia, música (sou mais do rock) e de crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Não tenho nenhum dinheiro no bolso, devido a periféricos gamers, funko pop’s e baldes/copos temáticos de alguma coisa nerdola. Ajude um necessitado e mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

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Mesmo com a responsabilidade de apresentar os primeiros indícios do plano malévico de Kang, interpretado por Jonathan Majors, Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania não se diferencia dos demais títulos da Marvel Studios, ao mesmo tempo que traz grandes planos e feitos.

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Com previsão de Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania de estrear nos cinemas no dia 16 de fevereiro, faltam poucos dias para o público poder acompanhar as novas aventuras de Homem-Formiga e a Vespa, desta vez totalmente ambientada no Reino Quântico, micro-universo embaixo do nosso universo, em que o espaço e o tempo não alcançam, tão vasto quanto o nosso. O filme marca a volta da Marvel na China e se trata do segundo filme da Marvel com selo tomate podre do Rotten Tomatoes, com 55%.

A Nerds da Galáxia foi convidada pela Walt Disney Brasil para uma cabine de imprensa realizada na segunda-feira (13). Fica registrado nosso agradecimento à Marvel Brasil e a Walt Disney Brasil pelo convite.

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência em assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta ou uma resposta definitiva para a dúvida de assistir ao filme ou não, tampouco um achismo do portal Nerds da Galáxia. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores.

Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania – Crítica sem Spoilers

Elenco

Mantendo o mesmo quarteto de sucesso – Paul Rudd, Evangeline Lilly, Michael Douglas e Michelle Pfeiffer – Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania continua com o maior foco no carismático Homem-Formiga, enquanto sua parceria de título Vespa acaba tendo um rumo totalmente oposto, sendo quase que uma participação especial.

Sua falta de presença e sua falta de importância para o filme – claro que com a exceção das partes de ação em equipe – podem ter um lado positivo, uma vez que Michael Douglas e Michelle Pfeiffer, grandes ícones do cinema hollywoodiano, ganharam muito mais tempo de tela e destaque que em relação aos outros filmes do Homem-Formiga. Tempo de tela que serviu para conhecermos melhor a personalidade menos ranzinza de Hank Pym e a figura Janet Van Dyne por completo, aliado com um mistério sobre sua vida radical e não tão motivadora de orgulho.

Sem dúvidas, os destaques cênicos, em questão, são atribuídos à Kathryn Newton e ao Jonathan Majors. Ambos exalam uma química muito bem trabalhada com o restante do elenco e cativam seu brilho nos espaços que aparecem. Principalmente Majors, que passa perfeitamente a visão e o perigo de Kang até mesmo nas pequenas coisas, até com o roteiro não ajudando nessa construção (explico nos tópicos a seguir).

Participações Especiais

Vamos falar das participações especiais de Quantumania, que, no geral, foram abaixo do esperado sobre seus rendimentos no filme. Bill Murray como Krylar serviu apenas para enriquecer o elenco no papel, com uma relevância muito mínima para a história, apesar de estar muito bem no papel do Lorde e provocar um suspense muito rápido e pouco atrativo sobre sua relação com Janet no passado.

Corey Stoll como M.O.D.O.K. está incrível visualmente, porém também decepciona em não levar o lado mais sociopata do vilão. Sua conclusão foi muito previsível, brochante (com o potencial que tinha), e, claramente, deixa os espectadores com a certeza que foi uma interferência da Disney para um “conto perfeito”. Se isso vale como algo positivo, suas cenas cômicas (por conta de seu formato) funcionam perfeitamente e não é jogado ao filme Homem-Formiga 3: Quantumania.

William Jackson Harper tinha sido confirmado no elenco de Quantumania através de furos da imprensa norte-americana, especializada em Hollywood, cujo seu papel é do telepata Quaz. Seu desempenho é igualmente pequeno, mas ao contrário de M.O.D.O.K, era previsto esse tempo de tela ao personagem. Também, Quaz poderia ser mais explorado e colocar o destemido poder da telepatia como algo funcional para a trama de Quantumania, e não apenas como um recurso de tirar algumas gargalhadas do público. Entendo que o filme é do Homem-Formiga (e de seu bloco) e de Kang, acima de tudo, mas um roteiro melhor pensado nas dinâmicas entre os eventos e personagens poderia ajudar nessa melhor distribuição, nem que sejam poucos minutos de tela.

Por último, o povo marginalizado do Reino Quântico conseguiram cumprir o que foram designados: mostrar uma faceta da tirania de Kang e a diversidade de povos no microverso, incluindo tecnologias, ciência e seres poderosos.

Tem cenas pós-créditos?

Sim! Tem duas cenas pós-créditos em Quantumania, que são duas cerejas em um bolo ‘bonitinho’. Ambas envolvem Kang e realmente comprovam como que Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania será o passo incial para Dinastia Kang, com um ótimo fã-service e reprodução de cenas clássicas dos quadrinhos, além de algumas respostas para uma outra produção da Marvel na Disney Plus. Vocês vão entender na hora!

História de Quantumania

Agora, entramos em um assunto delicado. Para este caro redator, é o maior ponto negativo de Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania. A Marvel Studios atirou em seu próprio pé com a sequência numerosa de títulos em sua Fase 4 cinematográfica, que refletiu diretamente na qualidade de suas produções, vamos combinar. Um dos grandes elogios dessa confusão toda era a tentativa da Marvel de explorar novos gêneros, novos tipos de cortes e histórias. Decisão louvável para diferenciar uma obra e outra.

Ainda quando o assunto é apresentar o maior vilão da Saga do Multiverso, Quantumania deveria ter trazido uma grande calamidade para o Universo Cinematográfico da Marvel, inovar em seu storytelling. Contudo, o terceiro filme do Homem-Formiga não trouxe ineditismo ao velho modo “Marvel de fazer filmes”, sendo um prato cheio aos cineastas e ao público que reclama da monoticidade e da história genérica de suas obras.

Um dos grandes pontos negativos do roteiro foi a desnecessária tensão a respeito de Kang, o Conquistador. A escrita de Jeff Loveness, que também será roteirista dos próximos filmes dos Vingadores e ficou conhecido pela série animada Rick & Morty, tentou, durante praticamente toda a primeira metade do filme, deixar um mistério sobre quem que seria a tal figura autoritária e imperial do Reino Quântico, como se não fosse óbvio que o personagem de Jonathan Majors estaria em Quantumania e seria o tal antagonista.

Por falar no vilão, mesmo com o trailer da Super Bowl mostrando o traje altamente tecnológico, uma prévia de seus poderes e uma grande visualização de seu arsenal; muito da ameaça e da figura assustadora do antagonista ficou nas linhas de diálogo. Poucas cenas da sua capacidade destrutiva e disponibilidade de uma gama de tecnologias avançadas foram mostradas em Homem-Formiga 3: Quantumania. Ainda mais crítico o problema quando lembramos da fala de Majors citando essa versão de Kang como a “mais guerreira” – de fato, o Aquele que Permanece apareceu pouco e não teve nenhuma cena de ação em Loki… Não mentiu.

Ainda bem que Jonatham Majors é um ator de primeira linha e que vem ganhando grande destaque em Hollywood. Ele soube captar a essência de Kang e toda sua personalidade autoritária e tirana. Caso contrário, o vilão não se sustentaria, pois nem mesmo o porquê de representar uma grande ameaça ao multiverso não seria clara o suficiente. O problema geral entrelaçado a isso é a dificuldade de Loveness de lidar com tanto personagem em tela, sacrificando alguns – como a Vespa e M.O.D.O.K. – e enaltecendo outros – Janet Van Dyne e Cassie, principalmente -, conforme foi dito acima.

Muito por essa tensão sobre um vilão óbvio e declarado em pôster, cartazes e em entrevistas fazem de Quantumania um filme com ritmo desfavorável, lento e desinteressante, às vezes, com uma sensação de enrolação sem fim para o grande ponto da trama, também sendo notado uma medida totalmente desesperada de Jeff Loveness de tornar uma obra engraçada como foi Homem-Formiga, de 2015, e superar os gostos humorísticos de Homem-Formiga e a Vespa, de 2018 – na época, muito criticada.

É realmente bem triste saber que uma figura tão exótica e interessante como representa M.O.D.O.K. e um excelente ator como Bil Murray tiveram participações relevantes reduzidas à zero, somente para funcionarem como momentos engraçados. Repito: até para M.O.D.O.K. funcionou em partes, agora, para Murray, não posso escrever o mesmo.

Um ponto positivo que tenho que colocar aqui é a interação envolvendo Kang no Reino Quântico, mostrando sua história interessante ao lado de Janet e destacando uma grande importância sobre o polo de Kang que não foi mostrado em Loki, por exemplo. Sem contar o visual deslumbrante e totalmente fiel dos lugares mais inexplorados do Reino Quântico.

Outro elogio foi de uma bela apresentação de drama familiar da família Lang e de mostrar a personalidade altruísta de Cassie, a filha do Homem-Formiga. Sua participação foi muito bem escrita, tal como a atuação da atriz, que pode muito bem ser uma líder dos Jovens Vingadores – e como deve ser, dada a sua inteligência e senso de justiça.

Para finalizar essa extensa matéria, as conclusões de Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania foram muito previsíveis e uma forma muito fácil de finalizar uma trama, reinando o classudo “final feliz” estereotipado e algumas manias chatas que a Marvel têm em seus filmes. Realmente, foi bem difícil entender a pouca inspiração e ambição com tanto material disponível.

Ok, Enzo, falou demais. Qual é a sua conclusão?

No geral, Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania é bom. Tem seus momentos de humor, drama e chega a apresentar um vilão e seu interesse e o que isso põe de frente contra o Homem-Formiga e sua equipe. O filme cumpre o que pede, porém o filme poderia se arriscar muito mais e com muito mais facilidade sobre o elenco que tem e sobre o rico material que possui dos quadrinhos, sem levar em conta que se trata da primeira produção que apresenta o Kang vilanesco, ou seja, muito importante para ditar as regras do jogo daqui para frente.

As atuações do elenco e o cenário/ ambiente do filme são muito bons. O que peca mesmo é a falta de originalidade e inspiração do roteiro de Quantumania, que parece ter sido muito limitado desde a sua pré-produção. Graças a isso, o ritmo dos eventos parece desgastante com a lentidão e não apresenta camadas mais desenvolvidas. É o puro trabalho mediano de um filme de super-herói, que não poupou coreografias, CGI e efeitos especiais; e não fez nenhuma questão de se preocupar com o lado narrativo.

Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania vai agradar os fãs que estão satisfeitos com as produções da Marvel, enquanto o terceiro filme do herói vai desapontar outros que esperavam algo mais diferente.

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Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou um estudante de jornalismo (até dezembro de 2023) completamente enlouquecido por cinema, sempre tentando ver alguma coisa nova por aí. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, gamer de Playstation e jogador de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos e falar sobre games, tecnologia, música (sou mais do rock) e de crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Não tenho nenhum dinheiro no bolso, devido a periféricos gamers, funko pop’s e baldes/copos temáticos de alguma coisa nerdola. Ajude um necessitado e mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

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Adão Negro também conta com Noah Centineo como Esmaga-Átomo; Quintessa Swindell como Ciclone; Pierce Brosnan como Senhor Destino; Aldis Hodge como Gavião Negro e mais para compor o elenco do longa.

Nós do Nerds da Galáxia fomos convidados pela Warner e a DC para assistir ao filme. Confira a crítica abaixo:

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Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência ao assistir o filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta ou uma resposta definitiva para a dúvida de assistir ao filme ou não. Sempre priorize em ver para estimular o cinema.

Para transmitir as emoções necessárias em Adão Negro, Jaume Collet-Serra (A Órfã) utiliza uma série de ângulos e movimentos de câmera inventivos e estilosos que sugerem a força, grandeza e a imponência de seus personagens principais, principalmente quando se trata do protagonista, Teth-Adam, interpretado por Dwayne “The Rock” Johnson. Movendo a câmera de forma fluída para não gerar cenas monótomas e sempre deixando um senso de grandeza (e ameaçador, quando necessário), close-ups e planos plongée/contra-plongée que demonstram a hierarquia de poder dos heróis e vilões. 

Não é exagero dizer que o ponto mais positivo de Adão Negro é a pancadaria. O longa apresenta batalhas espetaculares de forma impressionante, sendo plasticamente belas e emocionantes que parecem realmente saídas das páginas dos quadrinhos, dando a personagens não tão conhecidos do grande público a chance de brilhar. O design de produção é extravagante, com cenários grandiosos, CGI sem uma falha (aparente), trajes bem fieis aos quadrinhos e tudo é concentrado em cores bem saturadas e belas.

Teth-Adam (Adão Negro), interpretado por Dwayne “The Rock” Johnson, funciona e o ator, além de captar a energia do personagem das HQs, equilibra muito bem o lado divino e o lado humano de seu Homem de Preto. E The Rock brilha principalmente quando faz humor com seu, tradicional, jeitão sério.

A DC precisava trazer novidades e fazer isso usando a Sociedade da Justiça certamente dará um sentimento de nostalgia para quem curte a Era de Ouro dos quadrinhos e chamará novos olhares para a super-equipe, com um gostinho de satisfação em assistir eles saindo em equipe, com uma dinâmica divertida e funcional, mesmo que em Adão Negro nada seja muito explorado e nem aprofundado, apenas se cria oportunidade de conhecer os personagens ou descobrir novas e rápidas vertentes deles.

O Gavião Negro, vivido por Aldis Hodge e o Senhor Destino de Pierce Brosnan são os veteranos do time e com isso ambos têm uma presença sem igual e um desenvolvimento interessante. O Esmaga-Átomo, interpretado por Noah Centineo e a Ciclone de Quintessa Swindell são os novatos da Sociedade, mas isso não é um demérito, pois os dois atores conseguem criar uma dinâmica divertida e usam seus poderes e inteligência para lutar contra Teth-Adam.

Ainda existem dois personagens com suma importância na história graças a acordarem o Adão Negro, Adrianna, vivida por Sarah Shahi, e seu filho, Amon, de Bodhi Sabongui,, que sendo honesto, servem apenas para conectar o lado humano de Teth-Adam com o público e falham miseravelmente e também o vilão, interpretado por Marwan Kenzari, que não impacta e nem gera desafio para os heróis.

É uma pena que o cuidado com a ação e com os personagens não seja o mesmo de outra parte da produção, o qual é extremamente crucial, a narrativa: o filme foi escrito por Adam Sztykiel (Rampage: Destruição Total) em colaboração com Rory Haines e Sohrab Noshirvan (O Mauritano). O roteiro investe em uma narrativa cheia de combinações de clichês que tornam a história previsível e humor que soa muitas vezes fora do lugar ao interromper momentos sérios ou emocionantes.

O filme também tem a dificuldade em se manter no mesmo ritmo, acelerando em alguns momentos ou freando em outros e uma incapacidade ao evocar emoção no espectador, que tende a ter uma aura épica a cada momento que não parece natural. Nem seria um problema se a própria produção não investisse tanto em momentos dramáticos que nunca chamam a atenção em comparação à pressa para o próximo confronto.

Simplificando, essa falha em não conseguir comunicar todas as partes de Adão Negro, prejudica o filme até um certo ponto, já que o verdadeiro compromisso dele é a diversão. Embora não dê a mínima para seus constantes fracassos, o fato é que a produção se interessa até em premiar um público em busca de entretenimento com um filme pipoca cheio de personagens atraentes e batalhas magníficas.

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Mais informações sobre Adão Negro:

Nos quadrinhos, Adão Negro é o arqui-inimigo do Shazam!, o Capitão Marvel original. Milhares de anos atrás, no Egito, um homem chamado Teth-Adam se tornou o primeiro a usar os poderes sobrenaturais do poderoso Mago Shazam. Quando ele usa a palavra mágica, ele é transformado em um poderoso Adão por um raio, possuindo o poder de seis deuses egípcios: Shu (resistência), Heru (velocidade), Amon (força), Zehuit (sabedoria), Aton (força) e Mehen.(Coragem).

Ele passou anos agindo como um herói em todo o Egito, mas após a morte do rei Khufu, ele se viu desmotivado para continuar fazendo o bem e começou a usar seu poder em benefício próprio. Então ele tinha um novo nome: Khem-Adam, traduzido como Adão Negro. Sentindo-se responsável pela mudança, o Mago Shazam removeu os poderes de Adão Negro e os colocou em um amuleto de escaravelho, que foi enterrado como Faraó Ramsés II e permaneceu intacto até o final do século XX.

Ele é descoberto por um casal de arqueólogos, que acaba sendo traído pelo seu sócio, Theo Adam, que ao usar o amuleto, acaba ganhando os poderes e memórias de Adão Negro. Os arqueólogos são pais de Billy Batson, o escolhido para ser o novo campeão do Mago Shazam.

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Fabrizio Galluzzi

Olá, viajantes! Meu nome é Fabrizio Galluzzi. Assim como vocês, viajei para Runeterra até uma Galáxia Muito, Muito Distante. Conheci os Heróis Mais Poderosos da Terra e os Grandes Deuses Nórdicos e Gregos. Porém, no meu tempo livre sou um simples aventureiro, que ama muito ir ao cinema.

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