Duna: Parte 2 elevou grande hype da comunidade após aparecer com altas notas nos maiores sites de crítica de cinema da Indústria e ser chamado por muitos críticos como o “maior sci-fi já visto”. No IMDB, a sequência conseguiu uma avaliação de 9,4, a mais alta da plataforma, desbancando os clássicos “Um Sonho de Liberdade” – que tem 9,3 -, “O Poderoso Chefão” – 9,2 – e “Batman: o cavaleiro das trevas” – 9,0 -; enquanto no Rotten Tomatoes, Duna: Parte 2 atingiu 97% de aprovação, acima de “Star Wars: o Império Contra-Ataca” (95%), “Alien” (93%), “2001: Uma Odisseia no Espaço” (92%), “Blade Runner” (89%) e “Matrix” (83%).

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Diante do favorável restrospecto, será que Duna: Parte 2 chega atingindo esse alto nível de maior filme de ficção científica de todos os tempos? A Nerds da Galáxia foi convidada pela Warner Bros. Discovery a assistir ao filme na cabine de imprensa, realizada na última terça-feira (27), e conta sua crítica sem spoilers da aguardada continuação comandada por Denis Villeneuve.

Nota: A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas foram apresentadas em sinopses e trailers.

Crítica sem spoilers – Duna: Parte 2

Duna de 2021 chegou dividindo opiniões entre os fãs por apresentar muita densidade e informações cada vez mais específicas, sobretudo sobre a lenda por trás do Messias que regiria todo a galáxia para um futuro melhor, as divisões de poder entre as Casas Maiores, o papel do Imperium e a importância da especiaria de Arrakis. Como se não bastasse o peso de 2h30 de duração, mesmo com grandes cenas de fotografia, efeitos, maquiagem e direção de arte – o que permitiu Duna ganhar 6 estatuetas nas categorias técnicas e menções nas prinicipais categorias do Oscar de 2022.

Vendo a partir deste recorte, Duna 1 serviu como uma ótima preparação para o que Duna: Parte 2 se propôs a fazer. Com uma duração um pouco maior, a sequência, de fato, supera irretocavelmente seu antecessor, com um dos motivos deste grande sucesso graças ao “sacrifício” que o primeiro filme teve que carregar para o segundo se abrilhantar pelo seu maior ritmo e desenvolvimento, sem a necessidade de explicações e contextualizações sobre o universo de Duna.

Partindo em sequência dos acontecimentos finais mostrados em Duna 1, Duna: Parte 2 apresentou um ótimo ritmo e mostrou mais a cara a tapa e a ousadia inédita de Denis Villeneuve com mais cenas de ação. É impressionante como o filme conseguiu render, dando uma sensação de background completa da história e muitos avanços nos personagens principais e no universo em si, sem pontas soltas – claro, sem contar o gancho para o terceiro filme provocado no ato final.

A sensação de infodemia ainda esteve presente como no primeiro, o que pode até ser entendido se lembrarmos a quantidade de páginas que o livro possui, porém em Duna: Parte 2 é muito mais suavizado pela composição das cenas. Mensagens importantes para a trama quando são somente jogados numa cena sem sal como diálogos entre as personagens passam um senso de entendimento, mas também um peso devido ao caráter da cena. Agora quando são bem pensandos usando ações e o ambiente fictício, além da fala, são mais aliviadores e mais conectivos com o público, portanto mais fáceis de compreender e mais atrativos – o que Duna: Parte 2 esbanjou, despertando 100% da nossa atenção em todos os atos.

Outro grande ponto envolvendo o roteiro de Duna: Parte 2 é – de novo – a evolução de Paul Atreides e Jessica Atreides (Rebecca Fergunson), com a mãe de Paul ganhando um protagonismo muito relevante. As duas personagens iniciam e terminam o filme totalmente diferentes, com os telespectadores presenciando a todo instante esses clímax individuais.

No geral, o roteiro de Duna: Parte 2 inicia e se desenvolve praticamente nos mesmos moldes que o primeiro, porém se eleva em dimensão e ritmo e finaliza de forma mais estreita, ao contrário do filme de 2021 que simplesmente jogou toda a ansiedade para o segundo e nem chega a apresentar um final de fato. Há um plot no final do filme que foi muito bem apresentado e movimenta o longa. Toda a série de eventos mostrados no segundo filme apresentaram uma coerência e uma evolução, e geraram um interesse no que está por vir.

Por falar nos personagens, o elenco de Duna: Parte 2 continua excepcional. Timothée Chalamet apresenta uma atuação rica e detalhista a medida que Paul desempenha mais protagonismo no filme, com certeza sendo o melhor cênicamente. Seus takes com um Paul numa posição mais de liderança sobre os Fremen são os pontos altos do filme, juntamente com as cenas de combates brilhantemente bem coreografadas e editadas graficamente. Austin Butler também se equipara a Chalamet como uma figura que rouba as cenas em que está envolvido, sendo um bom antagonista estilo sociopata, com técnicas muito parecidas como a de Heath Ledger em “Cavaleiro das Trevas”.

Outro artista que desempenhou muito bem seu papel foi Javier Bardem como Stillgar, o líder dos Fremen. O ator mexicano foi uma grata surpresa protagonizando todas as cenas cômicas, além de apresentar uma ótima sintonia com Timothée decorrente da adoração de Stillgar pela crença sobre o Predestinado, resultando em muitas cenas fraternas que deixa o coração quentinho. Os demais, incluindo a Zendaya, fazem um bom trabalho, sem muita alternativa, espaço ou oportunidade para um detalhe cênico mais fora da curva. Assim como Javier teve uma grande sintonia com Chalamet, Zendaya exala química com o ator franco-americano, com suas cenas como parceiros e casal bem fortes emocionalmente.

Todavia, como já explicitei no começo da crítica, o ponto forte de Duna: Parte 2 é sua imersão em suas cenas épicas, que chegam a sufocar positivamente o telespectador. Tanto o CGI quanto a fotografia e a direção de arte melhoraram, com mais jogadas de câmeras/ângulos e apostas em novos figurinos, paleta de cores e cenários deslumbrantes. Denis com certeza sabe apresentar mundos e torná-os imersivos. A direção das cenas de ação com seus elementos, coreografia, ordem e importância da cena perante a trama foram bem executadas, com cada uma despertando uma sensação diferente no telespectador e arrancando sorrisos e olhares esbugalhados.

Grande parte disso igualmente veio pelo excelente trabalho – como de costume – de Hans Zimer, compositor alemão mestre em ficção científica. Seus trabalhos em “Interestelar”, “Blade Runner 2049”, “A Origem” e a trilogia Batman de Nolan não deixando mentir.

Se fosse para definir algumas críticas negativas de Duna: Parte 2, seriam mais o descarte da especiaria e justamente voltada mais pro seu lado entorpecente – uma vez que esta matéria-prima também é um alucinógeno e sempre desconversam sobre este “poder” -, a extrema necessidade de ver Duna 1 antes de Duna: Parte 2 – pois narrativamente é uma sequência direta dos eventos do primeiro filme -, o esquecimento de alguns plots – como o de Paul usando A Voz – e a falta de maior atenção e tempo de tela sobre a rivalidade entre Paul Atreides e Feyd-Rautha (Austin Butler), priorizando muito mais, sem necessidade de muita extensão, o comando de Rabban (Dave Bautista) frente aos Harnokken.

Além também da falta de mais presença de outros elementos do universo, como a representação das outras Casas Maiores fora Atreides e Harnokken – algo que deixaram mais para o terceiro filme, mas que pelo menos serviria de introdução – e o desempenho do Imperium em si na diplomacia – o papel da Florence Pugh, no final, acaba não acrescentando, sendo irrelevante -, faltando mais um senso de como é a governança por trás. Por incrível que pareça, foi mostrado mais as articulações das Bene Gesserit do que do próprio Imperador.

Conclusão

Duna: Parte 2 é um grande filme épico que faz jus aos elogios espalhados pela crítica. Dificil que tenha outro filme que supere este, o que afirmo que Duna: Parte 2 tem tudo para gabaritar o Oscar 2025 e igualar o feito de “Senhor dos Anéis: O Retorno do Rei” e levar 11 estatuetas para casa – o que não seria nada impossível, uma vez que o primeiro filme levou 6. Trazendo mais grandeza e dinamicidade, Duna: Parte 2 é imprenscindível e com certeza supera o filme de 2021, mas muito graças ao fardo que seu antecessor teve que protagonizar. Para isso, assista Duna 1 antes de ver este.

Se gostou de Duna 1, você vai amar Duna: Parte 2; se amou o primeiro, vai louvar e se emocionar com o segundo. Podemos dizer que a era dos filmes épicos novamente ganhou sua força em Hollywood, com Duna sendo o catalisador máximo da vertente.

Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou um estudante de jornalismo (até dezembro de 2023) completamente enlouquecido por cinema, sempre tentando ver alguma coisa nova por aí. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, gamer de Playstation e jogador de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos e falar sobre games, tecnologia, música (sou mais do rock) e de crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Não tenho nenhum dinheiro no bolso, devido a periféricos gamers, funko pop’s e baldes/copos temáticos de alguma coisa nerdola. Ajude um necessitado e mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

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Diante disso, o estúdio A24 (“Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo”) e o cineasta norueguês Kristoffer Borgli (“Sick of Myself”) decidiram criar uma história para “O Homem dos Sonhos” que apresentasse uma trajetória de uma pessoa comum do repentino estrelato até o seu fatídico cancelamento de um jeito especial. O filme estrelado por Nicolas Cage (“Pig: A Vingança”), Julianne Nicholson (“Blonde”), Jessica Clement (“Gen V”), Lily Bird (“Beau Tem Medo”) e Michael Cera (“Barbie”) estreará nos cinemas brasileiros em 28 de março de 2024. Mas será que o resultado é positivo? Confira na opinião abaixo:

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência ao assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

Conforme a sinopse, “O Homem dos Sonhos” acompanha Paul Matthews, um pai de uma família comum que, misteriosamente, começa a ser visto por milhões de estranhos em seus sonhos. Porém, as aparições começam a se transformar em grandes pesadelos, e Paul deverá enfrentar as consequências de seu cancelamento global.

A A24 já se mostrou capaz de criar histórias com gêneros e estilos cinematográficos diferentes em seus projetos. Seja um terror sobrenatural que inova ao apresentar uma nova perspectiva adolescente, com pressão social e traumas em “Fale Comigo” ou na aventura multiversal de “Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo” que aborda muitas de nossas questões diárias. Dessa forma, posso afirmar que o estúdio também conseguiu com “O Homem dos Sonhos”. Em uma história que proporciona sensações conflitantes de um drama cômico que utiliza uma identidade fantasmagórica de um terror social, além de criar uma ligação profunda com o público por trazer uma perfeita sátira alegórica ao “Culto às Celebridades” e a “Cultura do Cancelamento” na era das mídias sociais.

Como dito na introdução, o cineasta Kristoffer Borgli foi o escolhido para comandar “O Homem dos Sonhos” e ele entrega uma direção muito consistente e capaz de criar momentos impressionantes de tensão e humor na medida certa, mesmo com inserções de excentricidades mais lúdicas na conclusão da história. E com a ajuda da excelente direção de fotografia, feita por Benjamin Loeb (“Mandy: Sede de Vingança”), as cenas são planejadas com ângulos e movimentos de câmeras inventivos que se harmonizam com a narrativa e a edição voraz do próprio Borgli, que consegue montar as cenas para impactar o público com um teor bizarro digno das interpretações de seu ator principal.

Falando em interpretações, os atores estão bem em seus papéis. Todos conseguem transmitir carisma, afeto, empatia e outras emoções e sentimentos em “O Homem dos Sonhos”, com destaque para Nicolas Cage como Paul Matthews. O ator se entregou de uma forma impecável a um personagem que lhe permite trabalhar com muitas nuances e claramente está se divertindo muito o construindo ao lado de Borgli.

Além de diretor e editor, Kristoffer Borgli também é o roteirista por trás de “O Homem dos Sonhos” e ele escreveu um roteiro completamente satírico. Permitindo o longa contar uma história circunstancial, cheia de alegorias e críticas sociais, da fama efêmera ao cancelamento de Paul Mathews. No entanto, os problemas começam a surgir quando as excentricidades mais lúdicas (mencionado acima) tomam proporções absurdas, desviando a história para um lado de ficção científica que ultrapassa os limites estabelecidos anteriormente pelo próprio filme, o que ocasiona em seções e elementos subdesenvolvidos e inserções nada orgânicas.

Não tem como negar que “O Homem dos Sonhos”, novo filme do estúdio A24, é um excelente filme tanto para os admiradores do estúdio quanto para aqueles que vão assisti-lo somente por puro entretenimento. E por mais que não seja perfeito, — falha ao criar seções e elementos subdesenvolvidos e inserções nada orgânicas com excentricidades exageradas. Entretanto, ele se beneficia com a atuação de Nicolas Cage, digna de sua indicação ao Globo de Ouro, permitindo a direção capacitada e o roteiro de Kristoffer Borgli fluírem bem em uma sátira cheia de alegorias e críticas sociais com o repentino estrelato ao fatídico cancelamento de seu protagonista.

O Homem dos Sonhos estreia em 28 de março de 2024 nos cinemas brasileiros e caso você já tenha assistido, comente a sua opinião sobre o filme.

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Fabrizio Galluzzi

Olá, viajantes! Meu nome é Fabrizio Galluzzi. Assim como vocês, viajei para Runeterra até uma Galáxia Muito, Muito Distante. Conheci os Heróis Mais Poderosos da Terra e os Grandes Deuses Nórdicos e Gregos. Porém, no meu tempo livre sou um simples aventureiro, que ama muito ir ao cinema.

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Com isso em mente, a primeira temporada de “Percy Jackson e Os Olimpianos” foi finalizada na noite desta terça-feira (30 de janeiro). Agora muitos estão perguntando se a série, estrelada por Walker Scobell, Leah Sava Jeffries e Aryan Simhadri, correspondeu à qualidade da saga literária. Será que o resultado foi positivo dessa vez? Confira a resposta na crítica abaixo:

Nota: A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas foram apresentadas em sinopses e trailers.

Conforme a sinopse, “Percy Jackson e Os Olimpianos” acompanha o jovem Percy Jackson, um garoto que, após chegar ao Acampamento Meio-Sangue, descobre que ele, além de ser um semideus e filho de Poseidon, está sendo acusado por Zeus de ter roubado o seu mais precioso raio-mestre. Sendo assim, Percy embarca em uma jornada com seus novos amigos, Annabeth e Grover, para encontrar a arma e restaurar a ordem no Olimpo.

Rick Riordan decidiu une-se a Jonathan E Steinberg para dar vida à nova adaptação e durante as minhas primeiras impressões, eu afirmei que essa série tomou uma ótima decisão quanto a fidelidade ao primeiro livro. Já que conseguiu trazer o fator da nostalgia, com a aventura e a fantasia da qual a saga se originou, construindo uma sensação mais pessoal e uma ligação mais profunda com o público que já se aventurou neste universo. Bem, de certa forma, continuo acreditando nisso em relação à série completa. Mesmo que a dupla tenha conseguido realizar algumas alterações que coloquem a obra numa ambientação mais contemporânea, sem cair nos controversos anacronismos do gênero.

Quando se trata de séries, normalmente há mais de um diretor envolvido nas produções e com “Percy Jackson” não foi diferente. Riordan e Steinberg escolheram três diretores para comandar os oito episódios: James Bobin (dois episódios), Anders Engström (três episódios) e Jet Wilkinson (três episódios). Infelizmente, os três diretores entregam uma direção inconsistente, com a maioria das vezes sendo incapazes de lidar com variações de tons em momentos específicos, criando algumas cenas sem uma emoção acentuada. Porém, os diretores se encontram inspirados e cativam quando entram as cenas de ação, que condiz com os ângulos e movimentos de câmeras energéticos, planejados por Pierre Gill e Jules O’Loughlin.

Apontamento: Eu sei que cheguei a elogiar bastante a direção de Bobin nas minhas primeiras impressões, mas notei as inconsistências mencionada acima ao rever os episódios dirigidos por ele.

Rick Riordan e Jonathan E Steinberg escreveram os argumentos de cada episódio de “Percy Jackson e Os Olimpianos” e depois supervisionaram o trabalho de cinco roteiristas nas próximas etapas do processo. E não tem como negar que os roteiristas escreveram roteiros que sabem exatamente o que são e não tentam reinventar a roda, porém, conseguem reconstruir a identidade da obra original utilizando, ao seu favor, a nostalgia e uma criação de universo com máximo de fidelidade possível. Permitindo a série contar uma história sobre aceitação e coragem, bem nos moldes da “Jornada do Herói”, com referências, homenagens e a mitologia da saga literária, além de expandir com algumas novidades bem-vindas.

Os problemas dos roteiros em “Percy Jackson” começam a surgir com a curta duração dos episódios, o que também afetou a edição da série, criando um ritmo acelerado e cortes secos em meio a facilitações com alguns elementos desenvolvidos as pressas, que evitam o engajamento na história. Além disso, tem as questões com os diálogos expositivos, que são desnecessários e acabam antecedendo informações importantes da trama em uma cena futura, resultando em momentos anticlimáticos.

Os atores estão muito bem em “Percy Jackson e Os Olimpianos” e conseguem transmitir carisma, afeto, empatia e outras emoções e sentimentos, com destaque para Walker Scobell, Leah Sava Jeffries, Aryan Simhadri e Virginia Kull. Entretanto, por mais que o elenco consiga nos cativar e demonstre empenho, os problemas com tom, ritmo e exposição (mencionados acima) entram em conflito com os seus personagens. Deixem-me explicar: Scobell está impecável como Percy Jackson (sendo a melhor coisa do série), no entanto, Percy é um personagem com uma personalidade forte e sempre solta alguma piada ou comentário sarcástico e irônico, mas as aquelas cenas sem emoções e com diálogos expositivos acabam impossibilitando que tal personalidade funcione em sua totalidade.

Não tem como negar que “Percy Jackson e Os Olimpianos”, nova adaptação da saga literária de Rick Riordan, é uma ótima série para os admiradores dos livros e uma boa série para aqueles que vão assisti-lo somente por puro entretenimento ou por curiosidade. E por mais que não seja perfeito, falhando no tom, ritmo e exposição, ele se beneficia com a atuação dos três protagonistas, permitindo que esqueçamos os defeitos para flutuarmos nessa jornada sobre aceitação e coragem.

A primeira temporada de “Percy Jackson e Os Olimpianos” está com todos os episódios disponíveis no Disney+ e caso você já tenha assistido, comente a sua opinião sobre a série.

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Certo, agora imagine que a abelha-rainha seja um CEO bem malvado de uma megacorporação muito corrupta e Jason Statham como uma abelha-operária insatisfeita com o desempenho da regente. Temos o filme da vez: “Beekeeper — Rede de Vingança”, que estreará nesta quinta-feira (11 de janeiro), dirigido por David Ayer (“Esquadrão Suicida”) e estrelado por Statham (“Megatubarão 2”), Emmy Raver-Lampman (“The Umbrella Academy”), Josh Hutcherson (“Jogos Vorazes”) e Jeremy Irons (“Watchmen”). Mas será que o resultado é positivo? Confira a crítica abaixo:

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência ao assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

Conforme a sinopse, “Beekeeper — Rede de Vingança” acompanha Adam Clay, um homem aparentemente comum que esconde um grande segredo: ele é ex-agente de uma poderosa organização secreta chamada Beekeepers (Apicultores). Clay, tomado pela fúria, busca vingança contra aqueles que machucaram uma pessoa querida em uma perigosa conspiração com golpes cibernéticos e se revela para o mundo.

Vocês concordando ou não, Jason Statham é um dos maiores astros de ação do cinema, como Sylvester Stallone (“Rambo”), Tom Cruise (“Missão Impossível”), Arnold Schwarzenegger (“O Exterminador do Futuro”), Keanu Reeves (“John Wick”) e outros, conseguindo atrair um certo público para o cinema, streaming ou qualquer outra mídia; com “Beekeeper — Rede de Vingança” posso afirmar que não será diferente. Em uma história que proporciona sensações de ecstasy e uma ligação profunda com o público com uma ação muito bem produzida, tipica do gênero, que utiliza uma identidade própria.

O diretor David Ayer foi escolhido para comandar “Beekeeper” e ele entrega uma direção consistente, capaz de criar momentos impressionantes de ação bem coreografados e frenéticos. E com a ajuda da boa direção de fotografia feita por Gabriel Beristain (“Homem de Ferro”), as cenas são planejadas com ângulos e movimentos de câmeras energéticos que se harmonizam com a essência do gênero e a ágil edição de Geoffrey O’Brien (“Bright”), que raramente tem um gatilho rápido no mouse e acaba cortando as cenas antes da hora.

Os atores do elenco não estão muito operantes em seus papéis e nem conseguem transmitir muito bem carisma, afeto, empatia e outras emoções e sentimentos em “Beekeeper — Rede de Vingança”, com exceção de Jason Statham como Adam Clay. O ator se entregou ao personagem e certamente está se divertindo muito, demonstrando empenho em criar uma nova franquia de ação. Entretanto, eu não posso dizer o mesmo de seus companheiros de elenco. Josh Hutcherson está extremamente mal e não consegue passar verdade com sua atuação, enquanto Jeremy Irons e Emmy Raver-Lampman estão em um piloto automático deplorável. Inclusive, a personagem de Raver-Lampman não tem nada para fazer a não ser perseguir, gratuitamente, o personagem de Statham.

O roteirista Kurt Wimmer (“O Vingador do Futuro” de 2012) escreveu um roteiro que sabe exatamente o que é e não tenta reinventar a roda, porém constrói uma identidade própria com relações entre a vida das abelhas e as ações humanas. Permitindo “Beekeeper” contar uma história honesta sobre a jornada de vingança de Adam Clay contra as instituições corruptas em uma linguagem de “porrada, tiro e bomba” bem eletrizante e satisfatória. No entanto, os problemas começam quando surgem os furos na história e deslizes na condução da própria narrativa, que resultam na falta de informações sobre determinados personagens e a trama principal, criando rumos facilitados, com seções e elementos subdesenvolvidos e inserções nada orgânicas.

Não tem como negar que “Beekeeper — Rede de Vingança” novo filme da Miramax com Jason Statham, é um excelente filme para os admiradores do ator (ou do gênero) e um bom filme para aqueles que vão assisti-lo somente por puro entretenimento. E por mais que não seja perfeito, falhando ao criar furos na história e tropeços na narrativa, ele se beneficia com a atuação de Statham, que permite a direção de Ayer e o roteiro de Wimmer fluírem bem com uma a jornada de vingança que personifica a nossa vontade de esganar os golpistas que volta e meia ligam para nós.

Beekeeper — Rede de Vingança estreia em 11 de janeiro de 2024 nos cinemas brasileiros e caso você já tenha assistido, comente a sua opinião sobre o filme.

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O estúdio chamou muita atenção após “Super Mario Bros. – O Filme” se tornar a maior bilheteria de animação em 2023, e agora “Patos!” é o seu mais novo lançamento e estreará no dia 04 de janeiro de 2024 nos cinemas brasileiros. O longa sob a direção de Benjamin Renner e Guylo Homsy e estrelado por Kumail Nanjiani/Sérgio Stern, Elizabeth Banks/Priscila Amorim, Caspar Jennings/Sam Vileti, Tresi Gazal/Melinda Saide, Danny DeVito/Ary Fontoura, Keegan-Michael Key/Marco Ribeiro, Carol Kane/Cláudia Raia e Awkwafina/Dany Suzuki contará a primeira migração de uma família de patos pelo mundo. Mas será que o resultado é positivo? Confira na crítica abaixo:

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência ao assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

Conforme a sinopse, “Patos!” mostra uma família de patos formada por Mack – o pai superprotetor -, Pam – a mãe exploradora -, e os filhos Dax e Gwen. Enquanto Pam tem o desejo de mostrar o mundo aos filhos, Mack só quer manter a família em segurança no lago em que vivem. Porém, quando um novo grupo de patos aparece no local com uma série de histórias sobre viagens incríveis, a família concorda em partir rumo à Nova York, para visitar a Jamaica. Mas a viagem começa a se complicar.

Se tem uma coisa da qual posso me orgulhar é que admito quando cometo um erro e eu estou fazendo isso com “Patos!“, pois eu não acreditava na nova animação da Illumination Entertainment, criei inúmeros preconceitos a seu respeito e, por um momento, questionei sua existência, mas eu estava errado e afirmo que o longa acabou se tornando uma grata surpresa, capaz de criar uma sensação de tranquilidade e uma ligação mais profunda com o público por trazer, não apenas, uma simplicidade, mas também uma identidade própria com uma história sobre aventuras e relações familiares.

A Universal e a Illumination escolheram os diretores Benjamin Renner (“A Raposa Má“) e Guylo Homsy (“Meu Malvado Favorito“) para comandar “Patos!” e eles entregam uma direção capaz de criar momentos de diversão e emoção, mesmo com pouquíssimos deslizes na condução da narrativa. Para ajudar, os diretores têm o trabalho da equipe do estúdio para o bom tratamento de animação 3D tradicional a partir de belos traços e uma explosão de cores vivas, criando cenas impressionantes com os ângulos e movimentos energéticos. Principalmente, quando isso é combinado com a edição voraz de Christian Gazal (“Happy Feet – O Pinguim“) que se harmoniza com a narrativa e a empolgante trilha sonora composta e guiada por John Powell (“Kung Fu Panda“).

A Nerds da Galáxia foi convidada a assistir à versão dublada em português do Brasil, com isso posso dizer que os atores (e estrelas convidadas) do elenco de dublagem estão muito bem em seus papéis. Todos conseguem transmitir carisma, afeto, empatia e outras emoções e sentimentos em “Patos!“, com destaque para Sérgio Stern (“Monstros S/A“) como Mack, Priscila Amorim (“animação da ‘Liga da Justiça’“) sendo Pam, e Ary Fontoura (“A Favorita“) interpretando Tio Dan, que se entregaram de forma impecável e construíram uma sinergia atraente entre si e com o resto do elenco. Agora, eu quero fazer uma pergunta: por qual motivo temos a presença do Chef Henrique Fogaça no elenco? O seu personagem pronuncia apenas grunhidos e berros.

O roteirista Mike White (“The White Lotus“), ao lado de Renner (um dos diretores), escreveu um roteiro simples, honesto e na estrutura de um filme “Road Trip”. Permitindo “Patos!” contar uma história circunstancial em torno da migração de Mack e sua família com temas de união familiar, superação dos medos, amadurecimento e o respeito aos animais a partir de uma linguagem extremamente divertida, fofa e cheia de boas energias. No entanto, os problemas começam a surgir assim que vêm os tropeços na condução da narrativa (mencionados acima) que fazem com que informações de certos arcos de personagens e da trama principal acabem faltando, o que ocasionam em rumos facilitados, com seções e elementos subdesenvolvidos e inserções nada orgânicas.

Não tem como negar que “Patos!“, novo filme em animação da Illumination Entertainment, é um bom filme tanto para os admiradores do estilo quanto para aqueles que vão assisti-lo somente por puro entretenimento. E por mais que não seja perfeito, – falha ao criar tropeços na condução da narrativa e rumos facilitados com seções e elementos subdesenvolvidos e também inserções nada orgânicas, ele se beneficia com a direção capacitada de Renner e Homsy, além do bom tratamento da animação 3D e belas atuações do elenco de dublagem que tem uma sinergia atraente, permitindo o roteiro de White fluir bem em uma história divertida e fofa com temas de união familiar, superação dos medos, amadurecimento e o respeito aos animais.

Mooned:

Como foi anunciado, antes das sessões de “Patos!“ temos a exibição do divertido curta “Mooned“, focado em Vector, de “Meu Malvado Favorito“, tentando escapar da Lua com os Minions.

Patos! estreia na quinta-feira (04 de janeiro de 2024) nos cinemas brasileiros e caso você já tenha assistido, comente a sua opinião sobre o filme.

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Fabrizio Galluzzi

Olá, viajantes! Meu nome é Fabrizio Galluzzi. Assim como vocês, viajei para Runeterra até uma Galáxia Muito, Muito Distante. Conheci os Heróis Mais Poderosos da Terra e os Grandes Deuses Nórdicos e Gregos. Porém, no meu tempo livre sou um simples aventureiro, que ama muito ir ao cinema.

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E é sobre esses e outros relatos sobrenaturais que “A Maldição do Queen Mary“, novo filme de terror dirigido por Gary Shore (“Drácula: A História Nunca Contada“), que estreará nesta quinta-feira (14 de dezembro de 2023) e estrelado por Wil Coban (“Rei Arthur: A Lenda da Espada“), Alice Eve (“Além da Escuridão: Star Trek“), Dorian Lough (“Um Lugar Chamado Notting Hill“), Jim Piddock (“Independence Day“) e Joel Fry (“Cruella“) quer nos mostrar. Será que o resultado é positivo? Confira na crítica abaixo:

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência ao assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

Conforme a sinopse, “A Maldição do Queen Mary” mostra a história da dupla de fotógrafos Anne e Patrick que, acompanhados de seu filho, embarcam em um luxuoso navio conhecido como RMS Queen Mary. Porém, esperando uma viagem divertida em família, não demora até que eles percebam que o icônico navio esconde uma série de segredos extremamente sombrios e violentos, e cada um dos tripulantes será envolvido em seu passado obscuro.

Uma das primeiras informações liberadas a respeito de “A Maldição do Queen Mary” foi a de que o longa seria uma história “levemente” inspirada nos relatos sobrenaturais dos visitantes do RMS Queen Mary misturada com algumas superstições náuticas da época da revolução industrial, talvez na intenção de trazer algo mais palpável atrelado aos acontecimentos sobrenaturais da história, que infelizmente, foi capaz de criar uma sensação confusa e uma ligação mais fraca com um público novo ou com aqueles que já se aventuraram em tramas semelhantes.

A Vertigo Films escolheu o diretor Gary Shore para estar a frente do projeto e comandar o “A Maldição do Queen Mary” e, infelizmente, ele entrega uma direção bem mecânica e não consegue criar cenas realmente marcantes, nem com ajuda da direção de fotografia competente de Isaac Bauman (“Loki – 1ª temporada“) que utiliza ângulos e movimentos de câmeras inventivos e o bom design de produção de Gary Mackay (“Podres de Ricos“). Outras coisas que prejudicam são a trilha sonora genérica composta por Jason e Nolan Livesay (“Desconhecido“) e a edição inconsistente de Colin Campbell (“The Hole in the Ground“), que não entendeu o ponto certo de quando cortar uma cena ou excluir seções que não avançam a história.

Para imaginar uma história inspirada nos relatos dos visitantes do RMS Queen Mary, os roteiristas Stephen Oliver (um roteirista iniciante) e Tom Vaughan (“A Maldição da Casa Winchester“), ao lado de Shore, escreveram um roteiro que certamente precisava de mais revisões, sendo o maior problema do filme. Já que por mais que uma história seja atraente por ser em um ambiente real e histórico, fica difícil aproveitar e comprar a ideia quando a artificialidade ou a confusão narrativa são bem evidentes, com uma má coesão entre as tramas do passado e presente, com sequências repetitivas e sem explicação em meio a inúmeras camadas e subversões desnecessárias que atrapalham e confundem o público para compreender a história.

Graças ao mal cuidado com o roteiro e uma direção mecânica, o enredo também não consegue desenvolver os protagonistas o suficiente para se tornarem minimamente interessantes, os personagens secundários são muito caricatos e sem personalidades e os antagonistas até podem nos deixar curiosos, porém não há espaço de tela para brilharem. Com isso, os atores do elenco não têm conteúdo para desempenharem bem os seus papéis em “A Maldição do Queen Mary” e ninguém transmite, seja individualmente ou em conjunto, carisma, afeto, empatia e outras emoções ou sentimentos.

Não tem como negar que “A Maldição do Queen Mary” é um filme ruim tanto para os admiradores do gênero de terror quanto para aqueles que vão assisti-lo somente por puro entretenimento, falhando ao criar uma confusão narrativa e uma artificialidade na trama. E nem com uma direção de fotografia competente de Isaac Bauman e o bom design de produção de Gary Mackay ele consegue se beneficiar ou aliviar a sua longa, cansativa e amaldiçoada história de uma hora e cinquenta e quatro minutos.

A Maldição do Queen Mary estreia nesta quinta-feira (14 de dezembro de 2023) nos cinemas brasileiros e caso você já tenha assistido, comente a sua opinião sobre o filme.

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Fabrizio Galluzzi

Olá, viajantes! Meu nome é Fabrizio Galluzzi. Assim como vocês, viajei para Runeterra até uma Galáxia Muito, Muito Distante. Conheci os Heróis Mais Poderosos da Terra e os Grandes Deuses Nórdicos e Gregos. Porém, no meu tempo livre sou um simples aventureiro, que ama muito ir ao cinema.

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Podem aquietar os seus corações, pois “FIVE NIGHTS AT FREDDY’S – O Pesadelo Sem Fim“, a adaptação para o cinema da célebre franquia de videogame criada por Scott Braden Cawthon finalmente chegou! Não é segredo para ninguém que o desenvolvimento de um longa-metragem para “FNAF“ acabou sendo conturbado. Em abril de 2015, a Warner Bros. Discovery anunciou que havia adquirido os direitos cinematográficos da franquia. Porém, o projeto ficou preso em um processo chamado “Inferno do Desenvolvimento” por muitos anos e o estúdio perdeu os direitos.

Com muitas propostas de outros estúdios, inúmeros roteiros descartados e vários adiamentos, foi então que em 2018 a Universal Pictures e a Blumhouse Productions revelaram a compra dos direitos da cobiçada franquia e que seriam as encarregadas de levar ao público a pizzaria mais assustadora do entretenimento para as telonas com “FIVE NIGHTS AT FREDDY’S – O Pesadelo Sem Fim“, que estreou nesta quinta-feira (26 de outubro), sob a direção de Emma Tammi (“Lua de Sangue”) e estrelado por Josh Hutcherson (“Jogos Vorazes”), Elizabeth Lail (“Você”), Piper Rubio (“Unstable”), Mary Stuart Masterson (“Blindspot“) e Matthew Lillard (“Pânico” de 1996). Será que o resultado é positivo? Confira na crítica abaixo:

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Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência ao assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

Conforme a sinopse, “FIVE NIGHTS AT FREDDY’S – O Pesadelo Sem Fim” acompanha as cinco noites de um segurança chamado Mike na Freddy Fazbear’s Pizza, onde ele descobre que seu tempo no local não será tão fácil, principalmente quando uma policial prestativa surge para ajudá-lo a entender o motivo do fechamento da pizzaria ao mesmo tempo que tenta proteger sua irmã dos animatrônicos possuídos, que tentarão fazer com que ela se junte a eles.

Uma das primeiras informações liberadas a respeito de “FIVE NIGHTS AT FREDDY’S – O Pesadelo Sem Fim“ foi a de que o longa seria uma adaptação “livre” dos acontecimentos ocorridos no primeiro jogo (lançado em 2014) para trazer, não apenas, o fator nostalgia, mas também a simplicidade da qual a franquia se originou. O que posso afirmar ter sido uma ótima decisão, se tornando capaz de criar uma sensação mais pessoal e uma ligação mais profunda com o público que já se aventurou em “FNAF“, e também para tentar criar uma nova legião de admiradores a partir dessa história que se assemelha muito ao jogo original.

A Universal e Blumhouse ao lado de Scott Cawthon escolheram Emma Tammi para comandar a adaptação cinematográfica de “FNAF“ e, felizmente, ela entrega uma direção sólida e bem mecânica capaz de criar cenas visualmente impressionantes por meio a uma direção de fotografia brilhante de Lyn Moncrief (“The Passenger“) e a boa edição da dupla William Paley (“Avatar“) e Andrew Wesman (“As Bruxas Mayfair de Anne Rice“) que utilizam ângulos e movimentos de câmeras inventivos que se harmonizam com a narrativa (mesmo que em raras cenas sejam escuras demais) feita com uma iconografia luminescente que caracteriza e remete os jogos com sagacidade e referências visuais e sonoras.

E as equipes de design de produção e da Jim Henson’s Creature Shop conseguiram construir os animatrônicos que são praticamente idênticos à obra original para “FNAF – O Pesadelo Sem Fim“, contendo algumas mudanças nos detalhes, assim como a ambientação que claramente foi feita com esmero, se assemelhando aos jogos a cada cena e quadro, em vez de pintar uma estética genérica de filme de terror com características góticas, sombrias ou com cores despotadas.

Agora, os atores do elenco estão… operantes (no mínimo) em seus papéis em “FIVE NIGHTS AT FREDDY’S – O Pesadelo Sem Fim“ e poucos conseguem transmitir, seja individualmente ou em conjunto, carisma, afeto, empatia e outras emoções ou sentimentos, e esses poucos são Matthew Lillard e Elizabeth Lail, que realmente entenderam o que as personagens precisam ser para essa história e nitidamente estão se divertindo muito participando de produção sobre “FNAF“ e para ganhar uns trocadinhos também. O filme consegue apresentar um protagonista inicialmente interessante, mas nada marcante no final (personagem de Josh Hutcherson), antagonistas completamente icônicos (personagem de Matthew Lillard e os animatrônicos) e personagens secundários muito caricatos ou sem personalidade (como a personagem de Mary Stuart Masterson).

Para imaginar uma história em uma adaptação de “Five Nights At Freddy’s“, o criador Scott Cawthon ao lado da diretora Emma Tammi e Seth Cuddeback (um roteirista iniciante em longas-metragens) escreveram um roteiro simples e honesto para “FNAF – O Pesadelo Sem Fim“. Se permitindo ser divertido e repleto de momentos com um leve suspense, bem como na filosofia dos jogos de Cawthon, especialmente quando combinado com a capacidade de dialogar com os fãs por meio da mitologia da franquia, além de expandir com algumas novidades bem-vindas para aproveitar todos os momentos possíveis desta jornada de survival horror.

Porém, algumas informações vistas na tela ou diálogos que abordam os acontecimentos dos jogos foram inseridos uma forma nada orgânica, como se o longa quisesse fazer o máximo de referências e homenagens possíveis. Além de não conseguir um bom ritmo, tom e só constrói rumos facilitados, desorientados e sem nexo com soluções que podem estar nas obras de Cawthon, mas estão faltando em “FIVE NIGHTS AT FREDDY’S – O Pesadelo Sem Fim“ e acabaram se tornando meros “Deus Ex-Machina” que utilizam da infame necessidade de conectar todas as informações importantes para a história ao passado do protagonista com algumas sequências subdesenvolvidas e expositivas.

Não tem como negar que “FIVE NIGHTS AT FREDDY’S – O Pesadelo Sem Fim“ é excelente filme para os admiradores dos videogames e um filme ruim para aqueles que vão assisti-lo somente por puro entretenimento. E por mais que não seja perfeito, – falha ao criar rumos facilitados, desorientados e sem nexo com soluções “Deus Ex-Machina“, a necessidade de conectar tudo ao passado do protagonista e por fim, conter sequência subdesenvolvidas e expositivas, ele se beneficia com atuações inesperadas de Matthew Lillard e Elizabeth Lail que aparentam estar se divertindo muito participando de produção sobre “FNAF“ que permite o roteiro fluir com uma bela jornada de survival horror.

FIVE NIGHTS AT FREDDY’S – O Pesadelo Sem Fim tem cenas pós-créditos?

Sim! O filme contém uma cena divertida entre os créditos, com o taxista interpretado pelo influencer estadunidense CoryxKenshin e no final dos créditos há indícios de uma possível continuação.

FIVE NIGHTS AT FREDDY’S – O Pesadelo Sem Fim estreou nesta quinta-feira (26 de outubro) nos cinemas brasileiros e caso você já tenha assistido, comente a sua opinião sobre o filme.

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Olá, viajantes! Meu nome é Fabrizio Galluzzi. Assim como vocês, viajei para Runeterra até uma Galáxia Muito, Muito Distante. Conheci os Heróis Mais Poderosos da Terra e os Grandes Deuses Nórdicos e Gregos. Porém, no meu tempo livre sou um simples aventureiro, que ama muito ir ao cinema.

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As Tartarugas Ninja é uma daquelas franquias que dificilmente alguém não gosta. São tartarugas adolescentes, mutantes e ninjas que gostam de pizza e moram em um esgoto com o seu pai-rato enquanto batalham contra alienígenas e grandes corporações. Porém, o que podemos fazer ou falar quando o assunto essa franquia que sofreu com várias curvas erradas na tela grande desde “As Tartarugas Ninja II – O Segredo do Ooze”, não é mesmo? Os personagens foram criadas em 1984 com HQs para maiores, mas o sucesso veio graças a série animada de 1987, que deu origem a pegada mais infantil para as tartarugas. Mas confesso que esqueci de mencionar o novo filme deles quando escrevi isso na crítica de “Através do AranhaVerso“:

“Algo no multiverso mudou quando “AranhaVerso” foi lançado nos cinemas. Ninguém poderia prever seu impacto nos filmes de super-heróis, e muito menos nos filmes em animação… Grandes estúdios como DreamWorks e Disney pegaram a ideia e colocaram o realismo na gaveta, começando a fazer animações no estilo ‘2D-3D estilizada‘“.

E quase quatro décadas depois de sua criação, o encanto por Michelangelo, Donatello, Raphael e Leonardo ficou abalado, em parte graças à sucessão de mãos erradas que tentaram diferentes abordagens a partir de uma mesma premissa (Sim. Eu estou falando de você, Michael Bay). Será que Seth Rogen, o mais recente elo dessa linha de sucessão, conseguiu um resultado tão positivo que justifique “As Tartarugas Ninja: Caos Mutante”, a nova aventura dos quatro irmãos contra as forças das trevas que estreia nos cinemas brasileiros na próxima quinta-feira (31 de agosto)? Confira a resposta abaixo:

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Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência em assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta ou uma resposta definitiva para a sua dúvida de assistir ao filme ou não. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

“Heroes in a Half-shell, Turtle Power!”

“As Tartarugas Ninja: Caos Mutante” conta uma aventura repaginada de Leonardo, Raphael, Michelangelo e Donatello, que após serem expostos a uma substância radioativa, tornam-se quatro tartarugas mutantes, criados por um rato afetado pela mesma substância chamado Splinter, que decidiu cuidar deles não apenas como pai, mas como mentor e professor de artes marciais. E agora, cansados de viverem nas sombras, os irmãos se tornam os protetores de Nova York, lutando contra as ameaças de uma gangue de mutantes, comandada pelo Super-Mosca.

As primeiras informações liberadas a respeito de “As Tartarugas Ninja: Caos Mutante” foram que o longa seria uma adaptação atualizada do universo criado por Peter Laird e Kevin Eastman, com uma nova representação das quatro tartarugas como adolescentes dos dias atuais (bem como a geração Z), e também que “Caos Mutante” teria uma animação no estilo da tendência iniciada por “AranhaVerso” com uma mistura de 2D-3D muito estilizado. Ótima decisão para criar uma expectativa, além de tentar trazer novidades e boas escolhas para essa história. Afinal de contas, as Tartarugas Ninja não tiveram muita sorte nas telonas e essa oportunidade elas precisam de um grande acerto.

A Paramount Pictures, Nickelodeon Movies e Seth Rogen, o produtor/roteirista, chamaram Jeff Rowe (“A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas”) para comandar “Caos Mutante” e felizmente, ele entrega uma direção capaz de criar momentos de diversão, emoção e ação frenética em meio a cenas impressionantes com um excelente tratamento da animação por traços belos, únicos e uma explosão de cores vivas, utilizando ângulos e movimentos de câmeras inventivos e energéticos de tirar o fôlego com a sensacional composição artística de Kent Seki (“Homem de Ferro”) e a edição de Greg Levitan (“Looney Tunes: De Volta à Ação”), mas o que prejudica é a trilha sonora nada evolvente de Trent Reznor e Atticus Ross (responsáveis por “A Rede Social”).

(É importante frisar que não estou falando de músicas licenciadas, como a icônica “Go Ninja, Go” e outras músicas consagradas dos anos 1980, mas sim da trilha original composta para o filme.)

A Nerds da Galáxia foi convidada para assistir à versão dublada em português de “As Tartarugas Ninja: Caos Mutante”, com isso, os atores do elenco de dublagem estão bem em seus respectivos papeis. Todos conseguem transmitir, seja individualmente ou em conjunto, carisma, afeto, empatia e realmente entendem o que os personagens precisam ser para essa história, com destaque para Rodrigo Ribeiro vivendo o Leonardo, Victor Hugo Fernandes como Raphael, Enzo Dannemann emprestando a voz para Michelangelo e Arthur Carneiro sendo Donatello por se entregarem aos personagens de uma forma impecável com uma dinâmica e uma sinergia interessante. Enquanto Jorge Lucas sendo o Super-Mosca que certamente está se divertindo muito sendo a voz brasileira de Ice Cube mais uma vez.

Agora, para imaginar uma história circunstancial em torno da repaginação dos quatro irmãos em “Caos Mutante”, Seth Rogen, ao lado de Evan Goldberg (“Superbad – É Hoje”), Dan Hernández e Benji Samit (“Pokémon: Detetive Pikachu”), recebeu a tarefa de escrever um roteiro simples, mas original, que se permita ser divertido e repleto de ação frenética com uma narrativa bem conduzida, especialmente quando combinada com a sua capacidade de dialogar com o público por meio seções sobre família e inclusão, o faz os espectadores se conectarem com história a partir da construção dos personagens e do bom trabalho ao tratar de seus dilemas. Apesar de qualidades majoritárias, a história costuma tomar rumos facilitados com sequências repetitivas e algumas repaginações de personagens questionáveis.

Não tem como negar que “As Tartarugas Ninja: Caos Mutante”, novo filme em animação da Paramount Pictures e Nickelodeon Movies, responde à pergunta no início da crítica de uma forma bem positiva, sendo um excelente filme, tanto para os admiradores do subgênero quanto para aqueles que vão assisti-lo somente por puro entretenimento. E por mais que não seja perfeito, – falha ao tomar rumos facilitados com sequências repetitivas e repaginações questionáveis, ele se beneficia com a direção impressionante de Rowe além de belas atuações dos dubladores brasileiros de Leonardo, Raphael, Michelangelo e Donatello que têm uma excelente dinâmica que permite o roteiro de Rogen fluir em uma história divertida, repleta de ação frenética e cheia de seções sobre família e inclusão.

“Caos Mutante” contém uma cena entre-créditos, que dá pistas para a participação de um clássico vilão nas próximas continuações.

“As Tartarugas Ninja: Caos Mutante” estreia na próxima quinta-feira, 31 de agosto, nos cinemas brasileiros e caso você já tenha assistido, comente a sua opinião sobre o filme.

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