Todos os dias de SP Food Film Fest estão recheados de atividades para você aproveitar gratuitamente, apenas sendo preciso chegar cedo para garantir o seu lugar, sujeito a lotação. A programação reúne exibições de 42 filmes — entre documentários e ficções de diferentes países, incluindo quatro produções internacionais inéditas no Brasil —, cujas sessões serão acompanhadas, no final, com pratos ou bebidas inspirados no longa assistido, nas salas da Reserva Cultural, Centro Cultural São Paulo – Sala Paulo Emílio, Spcine Biblioteca Roberto Santos e os CEUs Spcine Meninos e São Miguel. As salas do Circuito Spcine ganham oficinas de audiovisual focadas para crianças, enquanto as aulas-shows e debates ficam nas sessões da Reserva Cultural.

• A Morte Não Tem Dono: Crítica | Jorge Thielen Armand constrói um thriller denso sobre herança colonial e disputas de terra na Mostra de SP
• O Capitão Engarrafado: Crítica | Guilherme Reis une fantasia, emoção e a beleza do Vale do Jequitinhonha em um lindo filme para toda a família
• A Professora de Francês: Crítica | Ricardo Alves Jr. constrói um suspense envolvente sobre liberdade e superação estrelado por Grace Passô
• Minotauro: Crítica | Andrei Zvyagintsev expõe as feridas do governo Putin em um labirinto denso de metáforas políticas
• Willow e a Floresta Encantada: Crítica | Filme une magia, preservação ambiental e a estreia de Emilly Vick na dublagem em uma linda aventura para toda a família

Estreias nacionais de filmes pela SP Food Film Fest

Como novidade, o SP Food Film Festival leva uma programação de documentários inéditos em solo brasileiro para enriquecer sua experiência. “Jota Urondo, Um Cozinheiro Impertinente” é um deles, um filme argentino dirigido por Mariana Erijimovich e Juan Villegas, que conta a história de Jota, filho do poeta assassinado pela ditadura militar argentina Paco Urondo e dono do Urondo Bar, em Bueno Aires, que leva cardápios que dialogam com o passado de sua família, provando que a cozinha pode ser um reservatório cultural. Ao final, será servido um nhoque de mandioquinha.

“A História de Aisha” é outra estreia do SP Food Film Festival, que conta a história de Aisha Azzam e o marido. Eles montaram um moinho de grãos familiar no campo de refugiados de Baqa’a, na Jordânia, há quase 40 anos. Ela mói trigo, grãos e ervas essenciais da culinária palestina, sendo este filme um retrato sobre o deslocamento palestino e a reconstrução de família e comunidade no campo, Será servido um pão árabe com baba ghanoush vegano.

“Alimentando o Amanhã” é um documentário que mostra a realidade atual do sistema alimentar e traz exemplos concretos de saídas, como de uma agricultura capaz de alimentar o futuro, plantio de alimentos que promovem a cura e um novo modelo de educação holística, com espaço para cada especialista propor suas ações práticas para o dia a dia. A chef Fátima Brandão elabora uma salada de grãos depois que o filme encerrar.

Por fim, “Seeds” traz uma abordagem interessante ao filmar em preto e branco e abordar o retrato de agricultores de famílias negras centenárias no sul dos EUA, examinando o declínio desses agricultores e o que significa possuir terra. Ao final, os telespectadores podem comer um delicioso pão de milho com feijão fradinho e couve.

Sessões especiais

O SP Food Film Festival chega com grande destaque na curadoria de filmes clássicos e premiados. Em parceria com a Embaixada da França, o SP Food Film Festival leva os longas exibidos no Festival de Cannes: “Amor e Queijo” (2024) — participante da mostra Un Certain Regard, que acompanha Totone, de 18 anos, que, após um desastre, precisa cuidar sozinho de sua irmã de apenas 7, e que, para melhorar de vida, decide competir em um concurso que premia o melhor queijo artesanal da região — e “À Sombra das Figueiras” (2022) — selecionado para a Quinzena dos Realizadores, que revela os flertes, segredos e anseios de jovens trabalhadores sazonais durante a colheita de figos em um pomar na Tunísia.

Os 50 anos do clássico “Dona Flor e seus Dois Maridos” (1976) serão comemorados nos dias 3 de outubro, na Reserva Cultural, e 7 de outubro, no Centro Cultural São Paulo, pela presença da culinária baiana no filme que consagrou Sônia Braga e levou o cinema brasileiro a outro patamar. No final das exibições, moquecas serão servidas. O SP Food Film Festival também revisita outros filmes que completam aniversários marcantes em 2026 e que tenham gastronomia presente em suas histórias.

O festival também revisita filmes como “A Viagem de Chihiro” (2001), que traz referências à culinária japonesa; “Alice no País das Maravilhas” (1951), pelos 75 anos, com sua festa do chá; “Conta Comigo” (1986), pela icônica torta de mirtilo; “Curtindo a Vida Adoidado” (1986), em uma passagem pelo universo dos cachorros-quentes de Chicago; “Matilda” (1996), que mantém na memória do público a cena do icônico bolo de chocolate; “As Férias da Minha Vida” (2006), que acompanha uma mulher que encontra na culinária uma paixão compartilhada com um chef durante uma viagem pela Europa; o clássico “Tubarão” (1975) de Steven Spielberg, e “O Bolo do Presidente” (2025), ambientado no Iraque dos anos 1990, sobre uma menina de nove anos em busca dos ingredientes para preparar o bolo de aniversário do presidente.

Ainda estão elencados os filmes “Tá Chovendo Hambúrguer 2” (2013) com degustação de mini hambúrguer, “A Fantástica Fábrica de Chocolate” (2005) com sorvete de chocolate, o filme de Woody Allen “Trapaceiros” (2000) servindo cookies vegetarianos e o filme nacional “O Clube dos Anjos” (2020) — baseado no livro homônimo de Luis Fernando Veríssimo e com elenco de estrelas, como Otávio Müller, Matheus Nachtergaele, Paulo Miklos e Marco Ricca —, servindo picadinho com banana no final.

O que chega na Spcine Play

Para os mais atarefados, o SP Food Film Festival disponibiliza uma parte das suas programações na plataforma de streaming gratuita Spcine Play. Ao todo, 10 títulos podem ser conferidos no catálogo do streaming por tempo limitado: com começo a partir do dia 1 de outubro mesmo e com prazo final até o fim do mês, no dia 31 de outubro — ou seja, até mesmo com o fim do SP Food Film Festival, você pode aproveitar o evento no conforto de sua casa!

O único que se encontra exclusivamente na Spcine Play é o filme “O Pouso da Gralha Azul” (2014), documentário brasileiro dirigido por Rica Saito e produzido pela Temporal Filmes. Os nove restantes possuem, pelo menos, uma sessão presencial nos cinemas. A lista completa você confere abaixo:

• A Colheita (U. Roberto Romano, EUA, 2010, 80′) Legendado, 10 anos
• A História de Aisha (Elizabeth Vibert, Canadá, Jordânia, 2025, 62′) Legenda Descritiva, Livre
• Alimentando o Amanhã (Oliver English e Simon English, EUA, 2024, 78’ Legenda Descritiva, Livre
• Do Colo da Terra (David Vêluz e Renata Meirelles, Brasil, 2025, 75′) Legenda Descritiva, Livre
• Histórias das Culinárias Cubanas (Asori Soto, Cuba, EUA, 2018, 82’) Legendado, 12 anos
• Jota Urondo, um cozinheiro impertinente (Mariana Erijimovich, Juan Villegas, Argentina, 2025, 70’), Legendado, Livre
• O Cozinheiro, o Ladrão, Sua Mulher e o Amante (Peter Greenaway, Reino Unido, França, 1989, 124’), Legendado, 18 anos
• Pizza (Ugo Giorgetti, Brasil, 2005, 56′) Livre
• A Quinta Portuguesa (Avelina Prat, Espanha, Portugal, 2025, 114’) Legendado, 12 anos

Programação complementar

Aulas-Show na Reserva Cultural

Estritamente realizadas na Reserva Cultural, com horários a partir das 19h dos dias 2 a 9 de outubro. Após as sessões, as aulas-show do SP Food Film Festival serão quatro debates em diferentes dias, cujo objetivo é unir o cinema à gastronomia, ciência, artes e movimentos sociais em encontros que discutem diferentes dimensões da alimentação. Os ingressos serão distribuídos 1 hora antes.

Abrindo as aulas, no dia 2 de outubro, o debate “Vida de Chef” acontece após a exibição de “Jota Urondo, Um Cozinheiro Impertinente”, com os diretores Juan Villegas e Mariana Erijimovich, e convidados. O debate discute a rotina da profissão para além do glamour televisivo, incluindo gestão, limpeza, correria, resistência física e liderança humanizada.

No dia 3 de outubro, Letícia Massula fala sobre bananas com a aula: “Wantã e Godó – os Verdes, os Maduros e o Caso das Bananas”; Mara Sales aborda os doces brasileiros com a aula: “Marinada de Vegetais Brasileiros”; e Graziela Tavares apresenta a influência portuguesa na culinária brasileira com a aula: “Açordas Portuguesas”.

Já no dia 7 de outubro, “A História da Alimentação no Brasil“, série baseada no livro de Luís da Câmara Cascudo, serve de ponto de partida para a conversa sobre as origens e a mistura de culturas que formaram a culinária brasileira. No dia seguinte, no dia 8 de outubro, o SP Food Film Festival recebe o debate “Povos Indígenas e o Alimento”, mediado por Ariela Doctors, com a exibição do doc “Do Colo da Terra”, que aborda a comida como herança, resistência e território de memória.

Por fim, no dia 9 de outubro, o SP Food Film Festival desencadeia a discussão “Produção Alimentar para o Amanhã”, com norte da exibição de Renascer da Terra (Groundswell), também com mediação de Ariela Doctors, sobre produtividade agrícola, proteção ambiental, bioinsumos, redução da pegada de carbono e agricultura regenerativa.

Oficinas de Audiovisual no Circuito Spcine

Focadas no público infantil, as oficinas do SP Food Film Festival serão realizadas somente nas salas do Circuito Spcine participantes do evento: a Biblioteca Roberto Santos, que é temática em cinema, e os CEUs Meninos e São Miguel.

A oficina de audiovisual será por meio da sessão de “Wall-E” (2008), da Disney/Pixar, que será reexibido nos dias 8 e 14 de outubro, nos CEUs São Miguel e Meninos, respectivamente, todas às 15h. Na dinâmica, os participantes farão um vídeo refletindo sobre a visão futurista do filme sobre o mundo, o trabalho e a alimentação.

Já a oficina de culinária para crianças será a partir da exibição de “Papaya“, animação brasileira destaque no Festival de Berlim, no dia 14 de outubro às 15h na Roberto Santos. Assim como no filme, as crianças utilizarão sementes de mamão para criar receitas e participar de atividades lúdicas.

Feirinha com produtores no Centro Cultural São Paulo

Nos dias 9, 10 e 11 de outubro, o Centro Cultural São Paulo (CCSP) recebe a Feirinha do Festival, reunindo pequenos produtores, artesãos e cozinheiras de diferentes territórios. A iniciativa da SP Food Film Festival é valorizar a produção artesanal, a sustentabilidade e a economia local, criando um espaço de encontro entre sabores, saberes, memória e território. Seu horário de funcionamento vai de encontro com o horário de funcionamento do próprio CCSP, em torno das 10h às 21h.

Serviço

5º São Paulo Food Film Fest
Quando: 1º a 14 de outubro de 2026
Onde: Reserva Cultural – Sala 2 | Av. Paulista, 900 – Bela Vista, São Paulo – SP, 01310-100
Centro Cultural São Paulo (CCSP) – Sala Paulo Emílio | Rua Vergueiro, 1000 – Liberdade, São Paulo – SP, 01504-000
Biblioteca Roberto Santos | R. Cisplatina, 505 – Ipiranga, São Paulo – SP, 04211-040
CEU Meninos | R. Barbinos, 111 – São João Climaco, São Paulo – SP, 04240-110
CEU São Miguel | R. José Ferreira Crespo, 475 – Jardim Sao Vicente, São Paulo – SP, 08021-480
Spcine Play | Acesse o site aqui.
Ingressos: Gratuitos – retirada de ingressos acontece 1h antes das sessões
Informações: no site e página oficial do SP Food Film Festival

Programação

01/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14h45 – Alimentando o Amanhã (Oliver English e Simon English, EUA, 2024, 78′) Legenda Descritiva, Livre
Degustação: Salada de Grãos

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:45 – A Colheita (U. Roberto Romano, EUA, 2010, 80′) Legendado, 10 anos
Sopa de Cebola

[Reserva Cultural – Sala 2] 17h00 – We Feed People: Um Chef Na Primeira Linha (Ron Howard, EUA, 2022, 89′) Legendado, 12 anos
Degustação: Tigela de Brasil

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 17:00 – Histórias das Culinárias Cubanas (Asori Soto, Cuba, EUA, 2018, 82′) Legendado, 12 anos
Arroz, feijão preto, mandioca cozida e especiarias Vegano

[Reserva Cultural – Sala 2] 19h15 – As férias da minha vida (Wayne Wang, EUA, 2006, 112′) Legendado, 12 anos
Degustação: Risoto de Prosciutto com figos frescos finalizado com amêndoas laminadas e zest de limão siciliano

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:15 – Champagne – Uma Viagem De Pai E Filho (Tim Kamps, Holanda, 2026, 90′) Legendado, 14 anos
Espumante Bacupari Vegano

02/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14h30 – Alice no País das Maravilhas (Clyde Geronimi, Wilfred Jackson, Hamilton Luske, EUA, 1951, 75′) Dublado, Legenda Descritiva, Livre
Degustação: Muffin com Chá

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:45 – Amor e Queijo (Louise Courvoisier, França, 2024, 90′) Legendado, 12 anos
Queijo Comté e Vinho do Jura

[Reserva Cultural – Sala 2] 16h30 – Cachaça, O Espírito Brasileiro (Carlos Ribas, Brasil, 2026, 82′) Legenda Descritiva, 14 anos
Cachaça Salinas + Caldinho de Feijão Vegano

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 17:00 – A História de Aisha (Elizabeth Vibert, Canadá, Jordânia, 2025, 62′) Legenda Descritiva, Livre
Pão Árabe com pasta de berinjela defumada Vegano

[Reserva Cultural – Sala 2] 19h00 – Jota Urondo, um cozinheiro impertinente (Mariana Erijimovich, Juan Villegas, Argentina, 2025, 70′) Legendado, Livre
DEBATE: Vida de Chef Presença dos diretores
Nhoque de Mandioquinha recheado com brie e molho branco da Chef Vegano

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:00 – A Quinta Portuguesa (Avelina Prat, Espanha, Portugal, 2025, 114′) Legendado, 12 anos
Arroz de Bacalhau a Dona Glória Dias

03/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14h45 – Dona Flor e Seus Dois Maridos (Bruno Barreto, Brasil, 1976, 106′) 16 anos
Moqueca de Banana

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 15:00 – Histórias da Alimentação no Brasil – Ep. 3 – O Caso das Bananas (Eugenio Puppo, Brasil, 2017, 25′) Libras, Livre
AULA-SHOW Letícia Massula – Wantã e Godó – os verdes, os maduros e o caso das bananas | Libras, Livre

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 17:00 – Histórias da Alimentação no Brasil – Ep. 9 – Ementa Portuguesa (Eugenio Puppo, Brasil, 2017, 25′) | Libras, Livre
AULA-SHOW Graziela Tavares – Açordas portuguesas | Libras, Livre

[Reserva Cultural – Sala 2] 17h30 – Trapaceiros (Woody Allen, EUA, 2000, 94′) Legendado, Livre
Cookie Vegetariano

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:30 – Histórias da Alimentação no Brasil – Ep. 12 – Doces Histórias (Eugenio Puppo, Brasil, 2017, 25′) Libras, Livre
AULA-SHOW Mara Salles – Marinada de Vegetais Brasileiros | Libras, Livre

[Reserva Cultural – Sala 2] 20h00 – Curtindo a Vida Adoidado (John Hughes, EUA, 1986, 103′) Legenda Descritiva, 12 anos
Cachorro Quente

04/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14h45 – Rambutan (Erika Fromm, Brasil, 2026, 12′) + O Bolo do Presidente (Hasan Hadi, Iraque, 2025, 105′) | Legendado, 14 anos
Bolo de Lavanda e Rambutão

[Reserva Cultural – Sala 2] 17h30 – Pizza (Ugo Giorgetti, Brasil, 2025, 56′) Livre
Pizza

[Reserva Cultural – Sala 2] 19h15 – Frankie & Johnny (Garry Marshall, EUA, 1991, 118′) Legendado, 16 ano
Sanduíche de atum

05/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14:30 – A História de Aisha (Elizabeth Vibert, Canadá, Jordânia, 2025, 62′) Legenda Descritiva, Livre
Pão Árabe com Babaganoche Vegano

[Reserva Cultural – Sala 2] 16:30 – Seeds (Brittany Shyne, EUA, 2025, 123′) | Legendado, 10 anos
Pão de milho, feijão fradinho e couve

[Reserva Cultural – Sala 2] 19h30 – O Clube dos Anjos (Angelo Defanti, Brasil, 2022, 101′) Legenda Descritiva, 16 anos
Picadinho com banana

06/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14:45 – Jota Urondo, um cozinheiro impertinente (Mariana Erijimovich, Juan Villegas, Argentina, 2025, 70′) | Legendado, Livre
Nhoque de Mandioquinha recheado com brie e molho branco da Chef Vegano

[Reserva Cultural – Sala 2] 16:30 – Alimentando o Amanhã (Oliver English e Simon English, EUA, 2024, 78′) Legenda Descritiva, Livre
Salada de Grãos

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 16:30 – A História de Souleymane (Boris Lojkine, França, 2024, 93′) Legendado, Livre
Sanduíche Wrap

[Reserva Cultural – Sala 2] 19:00 – Renascer da Terra (Josh Tickell e Rebecca Tickell, EUA, 2026, 93′) Legenda Descritiva, Livre
DEBATE: Produção Alimentar Para Amanhã
Prato da Horta (Vegetariano)

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:00 – A Fantástica Fábrica de Chocolate (Tim Burton, EUA, RU, Austrália, 2005, 115′) Dublado, Legenda Descritiva, 10 anos
Sorvete de Chocolate na Casquinha Vegetariano

07/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14:45 – Tá Chovendo Hambúrguer 2 (Cody Cameron e Kris Pearn, EUA, 2023, 95′) Dublado, Legenda Descritiva, 10 anos
Mini Hambúrguer

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 16:00 – Dona Flor e Seus Dois Maridos (Bruno Barreto, Brasil, 1976, 106′) 16 anos
Moqueca baiana

[Reserva Cultural – Sala 2] 17:00 – A Quinta Portuguesa (Avelina Prat, Espanha, Portugal, 2025, 114′) Legendado, 12 anos
Arroz de Bacalhau a Dona Glória Dias

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 18:45 – O Cozinheiro, o Ladrão, sua Mulher e o Amante (Peter Greenaway, Reino Unido, França, 1989, 124′) | Legendado, 18 anos
Muffin Vegetariano

[Reserva Cultural – Sala 2] 20:00 – Histórias da Alimentação no Brasil – Todo Trabalho do Homem é para sua boca (Eugenio Puppo, Brasil, 2017, 27′) | Libras, Livre
DEBATE: Todo Trabalho do Homem é para sua boca Libras
Bolo Pudim de mandioca com calda de Tapioca e queijo do Marajó

08/10

[CEU São Miguel] 15:00 – Wall-E (Andrew Stanton, EUA, 2008, 98′) Dublado, Legenda Descritiva, Livre
OFICINA Audiovisual Gostinho de Cinema

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 16:00 – Rambutan (Erika Fromm, Brasil, 2026, 12′) + O Bolo do Presidente (Hasan Hadi, Iraque, 2025, 105′) | Legendado, 14 anos
Bolo de Lavanda e Rambutão

[Reserva Cultural – Sala 2] 16:30 – Matilda (Danny DeVito, EUA, 1996, 98′) Dublado, Legenda Descritiva, Livre
Bolo Matilda

[Reserva Cultural – Sala 2] 19:00 – Do Colo da Terra (David Vêluz e Renata Meirelles, Brasil, 2025, 75′) Libras, Livre
DEBATE: Povos Indígenas e o Alimento Presença dos diretores
Mungunzá

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:00 – Frankie & Johnny (Garry Marshall, EUA, 1991, 118′) Legendado, 16 anos
Sanduíche de atum

09/10

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:00 – FEIRINHA DIA 1

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:45 – Histórias das Culinárias Cubanas (Asori Soto, Cuba, EUA, 2018, 82′) Legendado, 12 anos
Arroz, feijão preto, mandioca cozida e especiarias Vegano

[Reserva Cultural – Sala 2] 15:00 – À Sombra das Figueiras (Erige Sehiri, Tunísia, França, Suíça, Alemanha, Qatar, 2022, 92′) Legendado, 12 anos
Toast de figo com queijo Vegetariano

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 17:00 – Cocktail (Roger Donaldson, EUA, 1988, 103′) \ Legendado, 16 anos
Piña Colada (com ou sem álcool)

[Reserva Cultural – Sala 2] 17:30 – 100 litros de ouro (Teemu Nikki, Finlândia, 2024, 87′) Legendado, 14 anos
Cerveja Artesanal

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:15 – Curtindo a Vida Adoidado (John Hughes, EUA, 1986, 103′) Legenda Descritiva, 12 anos
Hot Dog

[Reserva Cultural – Sala 2] 20:00 – Conta Comigo (Rob Reiner, EUA, 1986, 89′) Legenda Descritiva, 16 anos
Tartelete de Frutas Vermelhas Vegetariano

10/10

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:00 – FEIRINHA DIA 2

[Reserva Cultural – Sala 2] 14:30 – A Viagem de Chihiro (Hayao Miyazaki, Toshio Suzuki, Japão, 2001, 125′) Dublado, Legenda Descritiva, Livre
Onigiri (Bolinho de arroz japonês recheado e envolto em alga nori crocante)

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:45 – O Clube dos Anjos (Angelo Defanti, Brasil, 2022, 101′) Legenda Descritiva, 16 anos
Picadinho com banana

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 17:00 – Pizza (Ugo Giorgetti, Brasil, 2025, 56′) Livre
Pizza

[Reserva Cultural – Sala 2] 17:30 – Fermentados (Jonathan Cianfrani, EUA, 2017, 107′) Legendado, Livre
One Bite Kimchi (arroz+ kimchi+pernil)

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:00 – As férias da minha vida (Wayne Wang, EUA, 2006, 112′) Legendado, 12 anos
Risoto de Prosciutto com figos frescos finalizado com amêndoas laminadas e zest de limão siciliano

[Reserva Cultural – Sala 2] 19:30 – Tubarão (Steven Spielberg, EUA, 1975, 124′) Legendado, 10 anos
UAI Tofu

11/10

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:00 – FEIRINHA DIA 3

[Reserva Cultural – Sala 2] 14:45 – Matilda (Danny DeVito, EUA, 1996, 98′) Dublado, Legenda Descritiva
Bolo Matilda

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:45 – Cachaça, O Espírito Brasileiro (Carlos Ribas, Brasil, 2026, 82′) Legenda Descritiva, 14 anos
Cachaça Salinas + Caldinho de Feijão Vegano

[Reserva Cultural – Sala 2] 17:00 – O Cozinheiro, o Ladrão, sua Mulher e o Amante (Peter Greenaway, Reino Unido, França, 1989, 124′) | Legendado, 18 anos
Muffin Vegetariano

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 17:00 – Conta Comigo (Rob Reiner, EUA, 1986, 89′) Legenda Descritiva, 16 anos
Tartelete de Frutas Vermelhas Vegetariano

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:30 – We Feed People: Um Chef Na Primeira Linha (Ron Howard, EUA, 2022, 89′) Legendado, 12 anos
Tigela de Brasil

[Reserva Cultural – Sala 2] 20:00 – Amor e Queijo (Louise Courvoisier, França, 2024, 90′) Legendado, 12 anos
Queijo Comté e Vinho do Jura

12/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14:30 – Tá Chovendo Hambúrguer 2 (Cody Cameron e Kris Pearn, EUA, 2023, 95′) Dublado, Legenda Descritiva, 10 anos
Mini-Hambúrguer

[Reserva Cultural – Sala 2] 17:00 – Alice no País das Maravilhas (Clyde Geronimi, Wilfred Jackson, Hamilton Luske, EUA, 1951, 75′) Dublado, Legenda Descritiva
Muffin com Chá

[Reserva Cultural – Sala 2] 19:15 – A Fantástica Fábrica de Chocolate (Tim Burton, EUA, RU, Austrália, 2005, 115′) Dublado, Legenda Descritiva, 10 anos
Sorvete de Chocolate na Casquinha Vegetariano

13/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14:45 – Cocktail (Roger Donaldson, EUA, 1988, 103′) Legendado, 16 anos
Piña Colada (com ou sem álcool)

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:45 – Fermentados (Jonathan Cianfrani, EUA, 2017, 107′) Legendado, Livre
One Bite Kimchi (arroz+ kimchi+pernil)

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 16:30 – Trapaceiros (Woody Allen, EUA, 2000, 94′) Legendado, Livre
Cookie Vegetariano

[Reserva Cultural – Sala 2] 17:00 – A Colheita (U. Roberto Romano, EUA, 2010, 80′) Legendado, 10 anos
Sopa de Cebola

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:15 – 100 litros de ouro (Teemu Nikki, Finlândia, 2024, 87′) Legendado, 14 anos
Cerveja Artesanal

[Reserva Cultural – Sala 2] 19:30 – À Sombra das Figueiras (Erige Sehiri, Tunísia, França, Suíça, Alemanha, Qatar, 2022, 92′) Legendado, 12 anos
Toast de figo com queijo Vegetariano

14/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14:30 – Renascer da Terra (Josh Tickell e Rebecca Tickell, EUA, 2026, 93′) Legenda Descritiva, Livre
Prato da Horta Vegetariano

[CEU Meninos] 15:00 – Wall-E (Andrew Stanton, EUA, 2008, 98′) Dublado, Legenda Descritiva, Livre
OFICINA Audiovisual Gostinho de Cinema

[Biblioteca Roberto Santos] 15:00 – Papaya (Priscilla Kellen, Brasil, 2025, 74′) Legenda Descritiva, Livre
OFICINA Gastronômica Papaia, da Planta ao Fruto

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 15:30 – Seeds (Brittany Shyne, EUA, 2025, 123′) Legendado, 10 anos
Pão de milho, feijão fradinho e couve

[Reserva Cultural – Sala 2] 17:00 – A História de Souleymane (Boris Lojkine, França, 2024, 93′) Legendado, Livre
Sanduíche Wrap

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 18:45 – Tubarão (Steven Spielberg, EUA, 1975, 124′) Legendado, 10 anos
UAI Tofu

[Reserva Cultural – Sala 2] 19:30 – Champagne – Uma Viagem De Pai E Filho (Tim Kamps, Holanda, 2026, 90′) Legendado, 14 anos
Espumante Bacupari Vegan

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Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou jornalista pós-graduado em Jornalismo Cultural, completamente enlouquecido por cinema. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, tentando ser gamer e sou um jogador combeiro de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos (principalmente dos brasileiros), amo rock e músicas antigas no geral e coleciono crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Se eu tiver algum dinheiro extra, saiba que não terei por muito tempo: sempre acho algum novo periférico gamer, funko pop e/ou baldes e copos temáticos que com certeza justificam minha aquisição. Então, se quiser ajudar um necessitado, mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

O post Sessão de cinema com comida: SP Food Film Fest chega em outubro com estreias nacionais, oficinas e sessões especiais apareceu primeiro em Nerds da Galáxia.

Com direção de Bruno Safadi (Meu Nome é Dindi) e roteiro de Claudia Jouvin (Onde Nascem os Fortes, Dias Perfeitos), o longa tem um pouco mais de 1h30 de duração e foi o filme de abertura do 54º Festival de Gramado.

A Nerds da Galáxia foi convidada pela Paris e pela Globo Filmes para a cabine de imprensa de “Antártida” e te explica melhor os pontos positivos e negativos da produção.

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Nota: a crítica consiste na opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta ou uma resposta definitiva para a decisão de assistir ou não à obra. Sempre que possível, priorize assistir ao filme para prestigiar o trabalho dos realizadores e formar a sua própria opinião. Alguns spoilers listados já foram apresentados em sinopses, trailers e materiais de divulgação.

Crítica de “Antártida”

História interessante, mas não impactante

“Antártida” se passa na Estação Comandante Diniz, uma base brasileira instalada no continente, onde militares e cientistas residem e trabalham, monitorando a situação da região gélida e desenvolvendo pesquisas científicas. É justamente para uma nova vertente de pesquisa acadêmica que a cientista e fotógrafa Inês (Marina Ruy Barbosa) chega à estação, já composta pelo Comandante Barros (Antonio Calloni), pela subcomandante Elisabeth (Andrea Beltrão), pelo tenente da Marinha Viriato (Adélio Lima), pela médica Marina (Leandra Leal), pelos militares Josué (João Vitor Silva), Santiago (Henrique Barreira), Dimas (Gero Camilo) e Rose (Mariana Sena) e pelos cientistas Gaspar (Renan Monteiro) e Freitas (Marcos de Andrade).

O Capitão Vicente (Lázaro Ramos) também chega a bordo para resolver algumas pendências com sua ex-parceira Marina, mas acaba integrando o time após se demorar demais e perder a carona de volta. Na primeira noite de reunião da equipe — durante uma festa com bebida à vontade e música alta —, um crime brutal acontece justamente com a novata Inês: em estado inconsciente, a cientista é violentada sexualmente fora das instalações da estação e deixada ali, fragilizada. Elisabeth percebe os gritos de Inês, mas já é tarde demais, e o agressor escapa.

Sem saber qual homem cometeu o crime — que pode ser até mesmo o Capitão Vicente ou o próprio Comandante Barros —, a subcomandante se vê em uma enrascada e não enxerga outra escolha: com o apoio de Marina, Inês e Rose, Elisabeth conduz uma investigação amadora para descobrir quem violentou Inês.

Diante de uma pauta infelizmente atemporal e recorrente no Brasil, país em que são registrados quase 200 estupros por dia, de acordo com o Mapa Nacional da Violência de Gênero, “Antártida” dignifica a causa ao trazer o peso que um crime como esse carrega — pela perversidade, pela escrotidão e pelo interesse público que desperta aos olhos de terceiros —, tal qual o peso avassalador que acomete a vítima, em que vemos praticamente todos os primeiros estágios do luto traumático. O filme mostra ainda a sororidade e a importância dessa união para encontrar forças e fazer o que é certo.

Porém, a história levantada fica sem profundidade narrativa ao não explorar os potenciais culpados, tanto nos “motivos” que possam tê-los levado a essa ação — que, embora mostrados, têm pouco tempo de tela — quanto na reação e na versão dos acontecimentos para os personagens culpados. Predominam cenas habituais do trabalho realizado na base, do núcleo familiar entre Vicente e Marina e da amargura de Inês e Elisabeth sobre o episódio.

Por ser um thriller, o suspense deveria ser o chamariz, mas não causou a imersão esperada, mesmo com o filme assumindo de fato as rédeas da investigação mais para o final do longa — o que, curiosamente, o torna mais novelesco, com direito a explosões em referência a um caso real ocorrido na base militar Comandante Ferraz, na Antártida, em 2013. Embora a ideia de construir o suspense por meio do medo e da desconfiança seja bem interessante, ela não foi suficiente aqui, por faltarem elementos que a enriquecessem.

Talvez se possa justificar que essa rotina normalizada, mesmo diante do abuso sexual praticado por um dos membros da equipe, seja um retrato do pouco palanque que o crime gera no país, assim como da voz da mulher na sociedade, o que tornaria a decisão mais louvável. No entanto, ainda assim, a decisão seria fraca diante do potencial que o próprio cinema, enquanto arte, tem de impactar. Faz falta a “Antártida” um meio-termo que puxe a nossa participação: como suspense investigativo, seu chamariz deveria ser convidativo e instigar o espectador a desvendar o caso em conjunto, o que não aconteceu, embora seja um bom filme para assistir do começo ao fim.

Personagens não ganham tempo para conexão

A escolha do elenco precisa ser estratégica, não só porque ocupa grande parte do investimento do filme, mas também porque auxilia no marketing e faz diferença para a história.

Em “Antártida“, o time dispensa apresentações: são profissionais com forte carreira na sétima arte nacional e excelentes no que construíram. Poucas atrizes têm escopo para interpretar uma personagem motriz como a que Marina Ruy Barbosa entrega em Inês; poucos atores são tão magnéticos quanto Leandra Leal e Lázaro Ramos, que, de tão bons, conseguem puxar outros atores a um excelente nível de performance; a atuação realista e “feliz nos simples” de Andrea Beltrão não tem para ninguém, com a presença e o poder de convencimento necessários para dar credibilidade ao filme.

Porém, mesmo que os atores sejam um show à parte, seus personagens não conseguiram atingir um grau de conexão com o espectador, isto é, não nos deixaram conhecer mais sobre o que pensam e o que são. E, nesse ponto, não os culpo. Inicialmente, “Antártida” foi apresentada como uma ideia para uma série de TV em meados de 2017, o que explica muito o sentimento que ficou em mim após o filme: confusão. É um universo visivelmente rico e mais complexo do que o que vimos no corte final, mas que, pela falta de tempo e de decisões que julgo mais condizentes com um thriller, ficou somente no papel. “Antártida” é um amontoado de ideias pensadas, mas não aplicadas.

E é claro que esse efeito reverbera nas atuações. De forma isolada, os trabalhos dos atores foram bons e convincentes, escolhas certas para o tamanho da responsabilidade e da audácia que esse filme carrega; porém, superficiais, quase contidos diante do que queriam expressar naquele momento, o que atribuo não só ao roteiro, que não sabia aonde queria chegar, mas também à falta de briefing ou mesmo de controle dos atores por parte da direção.

Fora que o tempo de tela dos quase dez personagens regulares do filme não são os mesmos. A personagem da Mariana Sena, por exemplo, é bem mal aprofundada e, até mesmo sendo uma das poucas mulheres da estação, podendo servir de apoio à personagem de Marina Ruy Barbosa, vemos poucas cenas de suporte entre ambas. Atores mais coadjuvantes, como Renan Monteiro, Giro Camilo e Marcos de Andrade, tiveram somente adições relevantes no meio para o final, em um ponto de maior maturidade do filme, justamente quando o próprio dependia de alguma movimentação mais relevante para o plot.

Resumindo, o ponto de maior atratividade de um thriller foi rebaixado em “Antártida”: o desenvolvimento dos personagens. Sem este ponto, torna-se bem difícil prender e surpreender o público com o mistério. O que fica é claramente um esquecimento coletivo da produção de que o filme é um thriller e não um drama, focando mais no núcleo feminino — e ainda com ressalvas.

Antártida é praticamente um meio, não um ambiente

Confesso que, quando procurei saber a respeito, o filme despertou minha atenção por ser brasileiro e se passar no continente mais gelado e inóspito do planeta, curiosamente autônomo e que detém bastante influência geopolítica por meio dos países que possuem alguma base por lá.

Com base nesse potencial rico em assuntos e temas, e analisando o filme após tê-lo visto, sinto decepcionar os cinéfilos que esperam mais da própria Antártida em ação: ela é praticamente escanteada durante todo o filme, atuando como um meio que fomenta o “pior lado” do humano, diante do abismo de diferenças entre a região e o Brasil, principalmente quanto ao frio e à escassez de recursos.

Em materiais de divulgação recentes, Marina Ruy Barbosa, Andrea Beltrão e Leandra Leal comentaram justamente o fato de os eventos do filme se passarem na Antártida serem um atrativo interessante do longa-metragem, além de o crime de abuso sexual acontecer nessa base militar brasileira passar uma mensagem de eterna vigilância na proteção da mulher, já que “criminoso não tem rosto” e “pode rolar em qualquer lugar” — e assino embaixo, por esse lado.

Por outro lado, o filme poderia aproveitar melhor o ambiente para aqueles que, assim como eu, se interessaram pela proposta do lugar. Cheguei a me perguntar se esse seria um ponto passível de menção nesta crítica, porque, naturalmente, dar mais destaque à própria Antártida poderia levar o filme a um lado mais de ação e aventura, fazendo-o perder a sua “essência”. Contudo, tendo em vista que, no corte final, “Antártida” investe nessas cenas de adrenalina, justifico aqui meu ponto de que poderiam também ser mais distribuídos os eventos de escassez de alimentos, as dificuldades de se manter na estação e na região e as demais situações.

Produção de “Antártida” é um marco ao cinema brasileiro

O maior ponto de destaque do filme é o seu desempenho técnico. “Antártida” é um filme lindo, com ótima fotografia e cenários que colocaram o cinema brasileiro em outro patamar. O filme, produzido pela Globo Filmes, é o primeiro brasileiro a usar a tecnologia de produção virtual com painéis de LED, chamada ICVFX, com o Unreal Engine, até então usada apenas em Hollywood — e criada em 2019, com o surgimento do modelo na série da Disney “O Mandaloriano”. Com uma área de 1.500 m² e painéis de mais de 300 m², a estrutura de cenário é digna de sua alcunha: o maior estúdio virtual da América Latina.

O ICVFX é uma técnica de produção virtual que gera efeitos visuais em tempo real durante gravações ao vivo, usando painéis de LED, motores de renderização e rastreamento de câmeras, uma alternativa mais tecnológica aos tradicionais fundos verdes ou azuis do chroma key. O avanço possibilita vários benefícios e soluções que ajudam principalmente a pós-produção do filme, como iluminação fidedigna, efeitos visuais já captados e reproduzidos na própria câmera e, com o Unreal Engine e sistemas nDisplay, uma imagem no painel que reage à posição exata da câmera, garantindo profundidade e realismo óptico convincentes, além de maior imersão para os atores.

Mesmo que a tecnologia tenha chegado com alguns anos de “atraso” — algo que também é particularmente comum, afinal o cinema brasileiro ainda é emergente e fortemente dependente do Estado —, trata-se de uma evolução que esperamos que não tenha volta e que tanto seja usada pela Globo, em mais produções, quanto instigue a competitividade em outras produtoras brasileiras.

A atenção dada pela equipe de produção foi tamanha que, auxiliando a tecnologia ICVFX, a neve usada no filme foi criada artificialmente, com base em pesquisas que envolveram cerca de um ano de planejamento e testes, tudo para que a neve de mentira ficasse com textura semelhante à que encontramos em abundância no continente. Para simular o frio extremo dentro do estúdio, foi importado maquinário de nevasca. Ou seja, todo o planejamento de pré-produção, que demandou tanto esforço, se refletiu na tela, com cenários lindos e realistas e boas interações entre os personagens e o ambiente.

Conclusão: “Antártida” é bom?

“Antártida” é uma boa alternativa de filme descontraído, mas que ainda mantém uma proposta mais complexa e instigante do que um simples filme para “passar o tempo” ou de “entretenimento fácil”. Apesar de a produção ser feita para assistir em tela grande, graças ao trabalho impecável — e, espero, revolucionário e pioneiro — de pré-produção que aliou o talento cenográfico brasileiro às tecnologias mais recentes da indústria, seu enredo é virtuoso mais pelas problemáticas que critica e pelo elenco fenomenal do que pela trama, cuja montagem e cujo roteiro ficaram confusos e perdidos, mesmo que você enxergue um potencial enorme na história e nos núcleos complementares.

Onde ver “Antártida”?

O filme “Antártida” já está disponível nos cinemas de todo o Brasil e deve ficar em cartaz até, mais ou menos, o começo de novembro. Por ser uma produção da Globo Filmes, o filme deve chegar logo em seguida ao catálogo da Globoplay, ainda sem data confirmada pela Globo.

• Veja as sessões mais perto de você clicando aqui.

Assista ao trailer

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Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou jornalista pós-graduado em Jornalismo Cultural, completamente enlouquecido por cinema. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, tentando ser gamer e sou um jogador combeiro de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos (principalmente dos brasileiros), amo rock e músicas antigas no geral e coleciono crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Se eu tiver algum dinheiro extra, saiba que não terei por muito tempo: sempre acho algum novo periférico gamer, funko pop e/ou baldes e copos temáticos que com certeza justificam minha aquisição. Então, se quiser ajudar um necessitado, mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

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Na mostra, além de curtas brasileiros, há espaço para produções internacionais de 6 países. Apesar do foco em longevidade, a seleção do festival não se limita a filmes sobre o tema, abrangendo questões diversas como memória, afeto, política, sexualidade e arte. O Cine Inclusão 60+ é reconhecidamente o único evento de fomento à economia criativa voltado exclusivamente ao público 60+ no âmbito da difusão, capacitação e produção para o mercado audiovisual.

A Nerds da Galáxia foi convidada a prestigiar a sessão de abertura do festival e conta para você tudo o que rolou neste primeiro dia e o que lhe espera durante os dias de Cine Inclusão em São Paulo.

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Sessão de Abertura

O início do Cine Inclusão aconteceu no Espaço Petrobrás de Cinema, na Rua Augusta, no Centro de São Paulo. A cerimônia contou com a presença dos curadores Jacqueline Durans, da mostra 60+ em Ação; Helena Ignez, Jorge Bodansk e Luiz Carlos Merten, da mostra Competitiva; e Luciana Rossi, da mostra Internacional; além do idealizador e diretor do festival, Daniel Gaggini, e demais convidados e jornalistas.

O primeiro dia do evento foi agitado: a estreia oficial iniciou com a oficialização dos vencedores do 3º Concurso de Roteiro FCI 60+ Em Foco, iniciado na edição passada, em 2025, consagrando-se o cineasta Marco Madeira pelo seu curta “Atravessando-se”. O curta foi reverenciado pela “forma como mostra a mudança na vida de um idoso, superando as diferenças culturais e de costumes, e vivenciando a sua sexualidade de maneira leve, sem culpa, sem drama e sem medo”, em momento de fala comandada por Daniel.

Logo após, foram exibidos três curtas-metragens brasileiros: “Mulher Papaya” (2026), “Uma Menina, Um Rio” (2025) e “Sigo Enquanto Espero” (2026).

“Mulher Papaya” era um dos títulos mais aguardados do Cine Inclusão. Dirigida e roteirizada por Camila Tarifa e estrelada por Magali Biff, a produção ganhou o último Festival de Cinema de Gramado nas categorias de Melhor Roteiro e Melhor Filme do júri da crítica e percorreu o festival de cinema de Huesca, na Espanha, em junho deste ano. O curta é uma ficção fortemente inspirada na vida da avó da diretora, mostrando a senhora Hilda, com seus 70 anos, vivendo em sua solidão, embora acompanhada de seu marido frágil e doente e de sua cuidadora. Quando ela sente um toque de uma cuidadora, sua vida se transforma, despertando nela sensações há muito tempo adormecidas.

Já “Uma Menina, Um Rio” é uma animação criada por Renata Martins, que já passou pelos festivais de cinema KinoForum e EcoFalante, chegando de forma única ao Cine Inclusão de domingo (21). Com duração de 8 minutos, a produção conta sobre uma menina que, seguindo o fluxo incessante de um rio, inicia sua jornada de descoberta ao acompanhar suas águas. A cada passo, o curso do rio reflete sua própria transformação: da infância à velhice. Assim como o curso da água, sempre em movimento, o tempo perpassa, moldando a maturidade de ambos.

Por fim, o curta “Sigo Enquanto Espero” é um documentário leve e familiar da cineasta Isadora Libório, sobre seus avós Marlene e Péricles, casados há 66 anos. Em meio a uma casa repleta de memórias e objetos antigos, Marlene reflete sobre aquilo que guarda e aquilo que se destrói, acompanhando a rotina dos casados no dia a dia e qual foi o segredo para uma união tão resistente. A produção marca sua estreia oficial nos cinemas, dentro da programação do Festival Cine Inclusão 60+ em Foco.

Após as sessões de estreia, Imara Reis conduziu uma roda de conversa na sala de cinema do Espaço Petrobrás de Cinema com os curadores Luis Carlos Merten e Jacqueline Durans e com a atriz Magali Biff. Como pauta, a roda permeou a visão escolhida para a seleção dos 21 filmes que compõem a programação do festival gratuito e o que tornou as produções exibidas na estreia especiais à mensagem que o evento quer passar aos telespectadores e participantes. Às 14h, o Museu Lasar Segall exibiu sessões da mostra Competitiva.

Programação completa do Cine Inclusão 60+

O Festival Cine Inclusão 60+ em Foco reúne 18 filmes que podem ser conferidos de segunda (21) a domingo (26). Todos os filmes que participam estão divididos entre os três eixos — Mostras 60+, Competitiva e Internacional — e serão exibidos de uma vez só. Os curtas têm duração entre 5 e 24 minutos.

Confira abaixo a relação de horários e endereços das sessões:

• Segunda-feira (21)
  Sessão Mostra 60+ em Ação, às 14h, no Cine Segall
• Quarta-feira (23)
  Sessão Mostra Internacional, às 19h30, no Cine Favela
• Quinta-feira (24)
  Sessão Mostra 60+ em Ação, às 19h30, no Cine Favela
• Sexta-feira (25)
  Sessão Mostra Competitiva, às 19h30, no Cine Favela
• Sábado (26)
  Sessão Mostra Internacional, com apresentação de Luciana Rossi, às 14h, no Cine Segall
• Domingo (27)
  Cerimônia de encerramento da 6º Cine Inclusão, com recepção às 10h, no Espaço Petrobrás de Cinema
  Entrega de Certificados da Oficina de Cinema 60+, às 10h30, no Espaço Petrobrás de Cinema
  Premiação do Melhor Filme da Mostra Competitiva da 6ª Cine Inclusão, às 11h, no Espaço Petrobrás de Cinema
  Exibição de “Nossos Sonhos de Cinema”, realizado por alunos(as) da Oficina de Cinema 60+, às 11h, no Espaço Petrobras de Cinema.
  

Filmes da Mostra 60+ em Ação

A Mostra 60+ em Ação do Cine Inclusão foca em curtas que transmitem um olhar político e estético sobre os modos de fazer filmes, com produções desenvolvidas em diversas regiões do Brasil, como em Belo Horizonte, Bahia, Rondônia, São Paulo e mais. É sobre histórias que contam sobre lugares, costumes e desejos e como são interagidos com os cenários onde vivem.

Os filmes que fazem parte desta mostra são:

• Destino da Pele (2026): dirigido por Marcela Bonfim e estrelado por Agrael Jesus e Haroldo José Saraiva, a produção, baseada em fatos reais, mostra Tereza, benzedeira de Guajará-Mirim (RO), que realiza atendimentos espirituais em sua casa. Ao reconhecer um antigo colega e amor de infância, Joaquim, entre os presentes, após 50 anos, Tereza é atravessada por memórias dolorosas da rejeição e da violência sofridas na escola por conta de sua pele retinta — e pela possibilidade de ressignificar o passado e curar suas feridas.
• Os Encantados (2026): estreando nacionalmente no Festival Cine Inclusão, Adroaldo Almeida realiza esse curta-documentário que mostra o trabalho, a fé e o lazer de moradores do bairro Loteamento, em Itororó (BA), diante da visão acadêmica de uma professora de filosofia.
• Melodia Ancestral (2025): documentário dirigido por Beatriz Costa reconstrói a vida de seu avô Antônio Vaz do Nascimento (Toninho), um maestro negro da periferia de São Paulo entre as décadas de 1950 e 1980, que liderou a Orquestra Marabá, animando bailes na periferia de São Paulo. O curta-metragem reflete sobre a memória, o legado musical e as lutas dos artistas negros do passado e do presente.
• Sol a Pino (2026): outro documentário, Eunice Cunha dá contorno e significações às memórias de uma criança, hoje uma mulher madura, sobre a história de sua mãe, sob a luz de uma relação de amor e afeto, trazendo reminiscências dos tempos e modos anteriores aos meados do século passado (séc. XX).
• Cadeira Vazia (2026): mais uma estreia no Cine Inclusão, a produção conta sobre um investigador gay não assumido, afastado de sua função, que investiga a tentativa de assassinato de sua sobrinha, uma travesti negra, interrogando três pessoas LGBTQIAPN+, que mudam sua forma de ver o mundo. Comandado por Marco Madeira, vencedor do último concurso de roteiros do Festival Cine Inclusão 60+ em Foco.
• Suá, a Praia que Sumiu (2025): do Espírito Santo, o doc gira em torno de uma praia que foi aterrada em nome do progresso nos anos 1970, em um bairro em Vitória (ES) predominantemente de pescadores, com indícios de várias manifestações culturais ancestrais. E a propaganda oficial convenceu a população local de que foi um grande feito. É assinado pela professora Thais Helena Leite, que também escreveu o livro “História do Espírito Santo”.

Filmes da Mostra Competitiva

Já a Mostra Competitiva do Cine Inclusão é composta por seis títulos com teor subversivo ao papel e ao espaço do idoso na sociedade, com o objetivo de estimular a reflexão em quem vê. Segundo os curadores, essa seção reúne filmes ecléticos em posicionamento e debates, com alguns temas escancarados como economia, política, afetos, arte popular, sexualidade e tradição de pessoas de terceira idade.

Veja abaixo os filmes da seção:

• Recife Tem um Coração (2025): documentário conduzido por Rodrigo Sena, cineasta independente premiado em festivais de cinema brasileiros, que acompanha Silvio Silva, conhecido como um fenômeno da música brega em Recife, que está fazendo uma transmissão ao vivo com seus seguidores para comprar uma nova caixa de som. O curta já apareceu na setlist da SMAFF, da Alemanha.
• Quem Ficou Fui Eu (2025): Ficcional, a história conta sobre Sandra, que abandona o mercado de trabalho para dedicar-se integralmente aos cuidados essenciais com sua mãe, diagnosticada com Alzheimer, e enfrenta os desafios emocionais, físicos e financeiros dessa exaustiva rotina de atenção e adoecimento. Dirigida por Maria Garé e Luiza Pace, a produção apareceu na 14º EcoFalante e foi produzido como Projeto de Graduação Experimental (TCC) em Cinema e Audiovisual na ESPM.
• Moti (2025): do gênero da ficção, André Okuma aborda sobre Nami. Após uma visita inesperada, Nami, de 84 anos, se abre com a neta Midori, revelando segredos familiares e traumas de infância vividos no Brasil dos anos 1940. Ao mesmo tempo, ela observa seu outro neto, Jun, ser consumido pelo ódio da polarização política. É dia de eleição. Passado e presente, vida e morte, Oriente e Ocidente, esquerda e direita se entrelaçam dentro dessa família, como um moti, doce japonês tradicional.
• O Prazer é Todo Meu (2023): Amélia é aposentada e vive uma vida tranquila dentro de um casamento tradicional que já dura mais de cinco décadas. Mas tudo muda quando ela descobre que nunca teve um orgasmo. Amélia, então, inicia uma jornada de autoconhecimento, rebeldia e busca do próprio prazer. O curta é produzido pela catarinense Vanessa Sondré e estrelado por Margarida Baird, e percorreu vários festivais nacionais e internacionais, como o Inside Out Festival do Canadá.
• Marina Colasanti: Entre a Sístole e a Diástole (2025): o curta-documentário é um mergulho poético na vida e obra de Marina Colasanti, guiado pelo olhar de sua filha, Alessandra Colasanti. O curta mostra as várias facetas da autora — como avó, dona de casa, cozinheira e artista que ilustra e cria — costurando imagens caseiras a arquivos íntimos e falas da autora, um retrato delicado entre memória, arte e herança afetiva. O projeto começou a ser filmado enquanto Marina ainda estava viva e estreou em festivais como o Festival do Rio, conquistando premiações como Melhor Documentário no Festival de Muriaé e Melhor Fotografia na Mostra de Quirinópolis.
• O Último Varredor (2025): último curta do Cine Inclusão do eixo, feito por Perseu Azul e Paulo Alípio, retrata a realidade e o cotidiano dos chamados “varredores de soja”, trabalhadores do interior de Mato Grosso que atuam recolhendo os grãos caídos às margens das rodovias e armazéns, representando um elo vulnerável na imensa corrente de riqueza do agronegócio.

Filmes da Mostra Internacional

A Mostra Internacional do Cine Inclusão 60+ reúne curtas-metragens de seis países — Índia, Peru, Argentina, Japão, Estados Unidos e Inglaterra — para propor olhares diversos sobre o envelhecimento e a velhice, aproximando diferentes culturas e cinematografias para instigar mais o público a pensar na velhice de forma mais plural e complexa. Assim como na mostra competitiva, aqui há também espaço para discussões acerca do avançar da idade, desejos, conflitos, afetos, autonomia, resiliência e outros temas do cotidiano em personagens protagonizados pela terceira idade.

• Amor à Primeira Vista (2012) | INGLATERRA: O curta clássico conta sobre um morador de um lar para idosos que descobre ter um vínculo profundo com outra moradora, revelando que o amor e a afeição transcendem o tempo e a idade. O filme estreou no Palm Springs International ShortFest na Califórnia, e foi selecionado por mais de 200 festivais internacionais de cinema, abrangendo 5 continentes, e ganhando 76 prêmios.
• Homem Dinossauro (2025) | JAPÃO: estilo curta-documentário japonês, fala sobre uma ferrovia no meio das montanhas, que atualmente é usada apenas por alguns estudantes do ensino médio. Ela está prestes a ser desativada. No dia em que um trem especial de três vagões é operado para atrair turistas, um velho chega à ponte ferroviária.
• Testemunho de Ana (2021) | ÍNDIA: Outro doc, é o curta mais longo da seleção do Cine Inclusão. Uma mulher idosa de etnia Advasi é acusada de bruxaria por seus vizinhos. Morando na zona rural, em um local de intensa exploração madeireira, sua recusa em deixar a terra desencadeia um conflito que tem raízes profundas no patriarcado e no capitalismo e que se revela no corpo feminino: a caça às bruxas.
• A Mudança (2025) | PERU: Dirigido por Ariana Andrade Castro e estrelado por Vítor Prada e Maria Del Carmen Lozano, em uma vida marcada pela rotina, um casal de idosos tem sua tranquilidade interrompida pelos barulhos apaixonados de seus novos vizinhos. O que começa como incômodo provoca uma sacudida em seu mundo íntimo.
• Posso Ficar com Ele? (2023) | ARGENTINA: O curta é uma animação aclamada, que apresenta um relato sensível e bem-humorado sobre animais e seres humanos que se resgatam mutuamente. A narrativa se destaca por misturar documentário, fantasia e comédia, sendo construída a partir de duas perspectivas diferentes: a ótica do animal e a do ser humano.
• Não Peça Desculpas (2024) | EUA: David Au dirige a história de June, uma idosa coreano-americana tímida e resiliente que vive nos EUA. Depois que seu marido é agredido em um violento ataque de ódio motivado por ataque de ódio contra asiáticos, ela se recusa a aceitar o papel de vítima. Buscando formas de se proteger e lidar com o trauma e a revolta gerados pelo incidente, ela descobre vídeos virais de competições de tapas na cara e decide que é hora de aprender a revidar.

Sessão comentada homenageia Clementina de Jesus, Paulinho da Viola e Adélia Prado

Sem sessões marcadas para essa data, a terça-feira (22) é dia de uma atividade especial na programação do Cine Inclusão 60+. Nomeada de “Música, Cinema, Poesia e Arte“, a dinâmica acontece na Casa de Francisca e homenageia as contribuições de Clementina de Jesus, Adélia Prado e Paulinho da Viola, na esfera de abordar temas relacionados a tempo e longevidade a partir da união entre cinema e outras linguagens artísticas.

O bate-papo norteia-se sobre o tempo, a longevidade e as escolhas que tomamos para uma vida longa, saudável e plena. A discussão vai utilizar leituras e trechos de três filmes: “Clementina” (2025), de Ana Rieper; o episódio “Todo Dia, O Sol” da série documental “Elas no Singular” (2020), de Fabrizia Pinto; e “Paulinho da Viola – Meu Tempo É Hoje” (2003), de Izabel Jaguaribe.

A entrada é gratuita e está marcada para começar às 19h30. A mediação fica por conta de Patrícia Palumbo, jornalista e podcaster, criadora e apresentadora do programa de entrevistas “Vozes do Brasil”. A programação está sujeita a alteração e lotação.

Fórum discute espaço para mulheres 60+ no audiovisual

Seguindo a mesma linha, o Museu Lasar Segall sedia o “Fórum Brasil 60+ Sob a Ótica das Mulheres do Audiovisual“. Com mediação da cantora Debora Ivanov e com participação confirmada de Adélia Sampaio, primeira cineasta negra e mulher a dirigir um filme no Brasil; a diretora Tata Amaral, uma das mais influentes realizadoras da década de 90, responsável por filmes como “Sequestro relâmpago” (2018), “Trago comigo (2016) e “Hoje” (2011)”; e Tizuka Yamasaki, produtora e diretora de cinema influente nas décadas de 80 e 90, responsável por “Gaijin – Os Caminhos da Liberdade”, vencedor de Gramado e em Cannes.

Diante do cenário do envelhecimento mais gradual da população brasileira, os participantes do Fórum especial do Cine Inclusão vão debater sobre como o crescimento da população 60+ pode criar novos públicos, demandas e oportunidades, ao mesmo tempo que também expõe desigualdades e desafios dos modos de produzir, trabalhar e representar o envelhecimento.

A participação é gratuita e acontece neste sábado (26), das 16h às 18h. A programação está sujeita a alteração e lotação.

Onde encontrar mais informações?

Mais informações podem ser encontradas no site oficial do evento ou pelas redes sociais do Cine Inclusão.

Endereços:

• Espaço Petrobras de Cinema — R. Augusta, 1475 – Consolação, São Paulo – SP
• Casa de Francisca — R. Quintino Bocaiúva, 22 – Sé, São Paulo – SP
• Cine Favela — R. do Pacificador, 288 – Vila Heliópolis, São Paulo – SP
• Cine Segall — Rua Berta, 111 – Vila Mariana, São Paulo – SP, 04120-040

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Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou jornalista pós-graduado em Jornalismo Cultural, completamente enlouquecido por cinema. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, tentando ser gamer e sou um jogador combeiro de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos (principalmente dos brasileiros), amo rock e músicas antigas no geral e coleciono crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Se eu tiver algum dinheiro extra, saiba que não terei por muito tempo: sempre acho algum novo periférico gamer, funko pop e/ou baldes e copos temáticos que com certeza justificam minha aquisição. Então, se quiser ajudar um necessitado, mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

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Produzido pela Warner Bros. Pictures, além de Anne Hathaway, estão no elenco os vencedores do Emmy Awards Ewan McGregor (Obi-Wan Kenobi) e Christian Convery (Sweet Tooth), a vencedora do Critic’s Choice Awards Maisy Stella (Meu Eu do Futuro) e Jordan Alexa Davis (Em Defesa de Jacob), com direção e roteiro de David Robert Mitchell (Corrente do Mal; O Mistério de Silver Lake), um cineasta com poucas produções cinematográficas até então, mas com produções relevantes que carimbaram sua figurinha em, pelo menos, quatro edições no Festival de Cannes.

A Nerds da Galáxia foi convidada pela Warner Bros. Discovery à cabine de imprensa e traz agora uma crítica sem spoilers de O Fim da Rua, explorando público-alvo desejado e pontos fortes e baixos.

Nota: A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas foram apresentadas em sinopses e trailers.

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História

O Fim da Rua conta a história da família Platt, moradores do bairro Oak Street, na década de 80. O bairro parece ser suburbano, afastado da agitação de grandes centros urbanos, com seus moradores vivendo uma vida modesta — em que tudo virará de cabeça para baixo. No filme, é explicado que ondulações anormais presentes no espaço, decorrentes de uma explosão solar, estão provocando buracos de minhoca que trocam a matéria da realidade atual com a do passado, vitimizando o bairro todo, que acaba sendo “teletransportado” ao período Jurássico.

Como se não bastasse a loucura toda, há ainda os dramas pessoais da família Platt. Denise (Anne Hathaway) e Greg (Ewan McGregor) enfrentam uma crise no casamento, uma distância que os afasta da confidencialidade que esperamos de um matrimônio saudável e ideal, cheio de rancores, lástimas e segredos guardados. O que resvala em seus dois filhos: a recém-jovem-adulta Audrey (Maisy Stella), uma menina mais solitária, prestes a escolher qual curso quer estudar no ensino superior e entusiasta da astronomia; e o adolescente Byan (Christian Convery), aparentemente mais perdido e desolado com a desunião dos pais, com forte dependência emocional com o seu cachorro Starbuck, e mais interessado com a chegada de uma nova vizinha — a Jeannette Christiansen (Jordan Alexa Davis).

Agora, sem possibilidade de fuga, cada problema precisa ser deixado de lado para favorecer a união da família, para que a estranheza não seja mais um peso diante de uma luta entre presas fáceis e predadores colossais.

Filme oferece aventura leve e nostálgica à la Spielberg

É interessante quando um filme de ficção científica cria algum tipo de semelhança poética ou situacional entre o “problema maior”, o motivo que faz o filme ser um sci-fi e mobiliza todo mundo independentemente das diferenças, e o problema mais “interno”, deixado em segundo plano, o que vai criar as camadas que enriquecem os personagens para além das falas e passam por seus pensamentos e ideais. O filme faz acontecer essa associação, que se desencadeia tanto na inacessibilidade entre Denise e Greg, que daria justamente para equiparar essa crise no matrimônio a fugir de um dinossauro, porém deixam em segundo plano a participação dos filhos e os reduzem como vítimas duplas de dois infernos diferentes.

Mesmo discutindo um tema infelizmente atual, sensível e complexo entre relacionamentos, o filme foca-se em uma aventura leve e descompromissada de críticas, pelo menos de forma direta. Tanto que a explicação científica usada é citada por cima, sem aprofundamentos, mas, de certa forma, não é tão descartada, contribuindo para algumas cenas importantes de apuração sobre como sair daquela realidade.

No geral, O Fim da Rua é um filme que lembra bastante, propositalmente, os filmes de fantasia e ação dos anos 90 — inteligentemente pensada devido à onda nostálgica permeante na cultura atual e inspirada nos trabalhos marcantes de Spielberg. O longa é bastante emotivo, familiar e não decepciona a grandiosidade dos dinossauros, com cenas tensas e ótimos efeitos CGI, mas não o abraça como um pilar que sustenta o roteiro todo, tal qual os filmes de Jurassic Park. Em meio a tantos filmes que somente funcionam com efeitos gráficos impecáveis, neste é apenas um detalhe da experiência em família.

Cenas de ação são mais pé no chão com elementos de terror

David Robert Mitchell encarou um enorme desafio, fugindo do que particularmente produziu ao longo da carreira, focado em um terror atmosférico mais lento. Estando em outra seara, David conseguiu manter suas assinaturas e manter uma pegada até então inabitual em filmes que se propuseram a envolver dinossauros: enquanto sempre havia algum personagem que detinha coragem para atacá-los ou sobrevivia a vários episódios de combate, em O Fim da Rua, vimos mais fugas, medo, desespero, inexperiência e ações do “calor do momento”, essências estritamente humanas e reais, que passam por um entendimento nosso e tornam-se algo mais pessoal e convincente.

Os dinossauros também estão mais assustadores, mas darei os créditos não apenas à computação gráfica minuciosa, como também à direção de fotografia bem planejada, desempenhando um papel fundamental na imersão, com planos mais amplos que notam a diferença de escala entre os monstros e os personagens, intercalados com cenas mais próximas nos rostos dos atores para captar emoções mais intensas, e cenas de perseguição longas gravadas em plano sequência que conseguem ser angustiantes e viscerais.

Planejadas com a direção de arte, as cenas de imersão conseguem outros pontos extras, transportando um cenário apocalíptico pré-histórico sem exageros, repleto de vegetação contrastante com elementos mundanos — como uma caixa de correio, cercas e placas — que dão às cartas do jogo sobre a expansão e a briga por território entre as criaturas e os moradores de Oak Street. Ver as cenas de detalhes de cercar casas, usar armas improvisadas como uma mangueira de jardim e outros pontos mais sofisticados estabelecem uma linearidade mais real e prazerosa ao acompanhar a trama.

Anne Hathaway mostra por que está no melhor momento da sua carreira

Em questão de atuação, Anne Hathaway não precisa provar nada a ninguém há tempos, mas, acompanhando seu trabalho em O Fim da Rua, é um atestado à versatilidade e ao profissionalismo enorme da atriz, que faz elevar qualquer filme em que está a uma experiência cinematográfica — deve ser por isso que os estúdios assediam tanto a Hathaway, que está promovendo seu quarto filme nos cinemas somente em 2026, sem contar com o já planejado “Verity” estreando em outubro, passando para cinco aparições, feito inédito na indústria.

O filme, cuja proposta é uma aventura em meio a dinossauros famintos, não é lá uma produção que esperamos atuações comoventes e uma história complexa com sensibilidade e nuances. Nesse quesito, o trio jovem Maisy Stella, Christian Convery e Jordan Alexa Davis desempenha seu papel de forma convincente e satisfatória, uma vez que há muita oscilação entre altos e baixos momentos de tensão no filme, bem correspondidos pela garotada.

Ewan McGregor leva uma outra abordagem ao filme, oposta ao papel de Anne Hathaway. Ewan é o coração do filme com Greg, um homem que ama a sua família, os poupa de suas tormentas e sempre segue com um sorriso no rosto, inspirando positividade mesmo que sob ruínas; sua atuação é mais sofrida internamente e mais “estranha”, como se fosse um desconhecido entre sua família. Já Anne é uma mulher desgastada emocionalmente, mais racional que emocional, mas que lidera mais e é mais pragmática, resultando em caras e bocas mais precisas e frustrantes.

Portanto, a dupla McGregor e Hathaway se encaixa como uma luva e elabora uma dinâmica interessante que não desbanca ao sentimentalismo, com entregas completas dos dois atores que carregam o filme nas costas. Uma escolha de elenco inteligente que utiliza as principais forças dos dois atores para construir um cenário até então desconhecido em filmes com essa temática: um silêncio que é compreensível diante de um cenário que raramente permite um momento de paz.

Vale a pena assistir?

O Fim da Rua é uma excelente opção, mais divertida e descompromissada, para ver com a família e amigos. Interessados na temática de dinossauros vão perceber uma abordagem diferente desta vez, mais pairada ao realismo e ao terror, característicos do diretor, e, no caso, ótimamente bem-vindos ao subgênero, graças a um trabalho bem pensado em sua concepção: a trilha sonora, fotografia, cenário, efeitos especiais e, principalmente, aos atores principais Anne Hathaway e Ewan McGregor. O longa não abraça aprofundamentos que não fujam do núcleo familiar e não se compromete a grandes explicações que façam sentido científico, mas colabora com o suspense e com a leveza, para uma produção de maior entretenimento fácil.

Quando estreia O Fim da Rua?

O Fim da Rua já está disponível em todos os cinemas do Brasil, desde o dia 13 de agosto, podendo ficar em cartaz até meados de outubro. O filme foi filmado em IMAX, com salas especiais oferecidas por algumas salas de cinema para a exibição do filme.

• Veja as sessões disponíveis na rede Cinesystem.

Assista ao trailer

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A Nerds da Galáxia foi convidada pela Mercado Filmes e Pandora Filmes a uma sessão antecipada de “Honestino” e traz agora uma crítica sem spoilers do filme.

Nota: A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas foram apresentadas em sinopses e trailers.

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História

Honestino Monteiro Guimarães foi um importante militante político contra a repressão da Ditadura Militar (1964-1985), principalmente no primeiro período do regime. Assim que ingressou na Universidade de Brasília, em 1965, logo se destacou por sua postura, carisma e determinação, filiando-se à Ação Popular (AP) e tendo maior contato com a política estudantil. Não demorou muito até ele conseguir respeito e autoridade dentro da AP, visto como um líder para o movimento, assumindo estratégias de posicionamento, ações de protesto e colocando a cara à tapa com discursos autorais em manifestações oficiais.

É importante destacar que a classe estudantil sofreu fortes represálias dos militares, com as universidades formando o principal polo de resistência pública e sendo tratados abertamente como ameaçadores da “Segurança Nacional”. Entre os mecanismos de perseguição e desestabilização usados contra os universitários, foram a criação do Decreto nº 477, que revigorava a proibição de reuniões de cunho político dentro das sedes, e a criação das Assessorias de Segurança e Informação (ASI) dentro de cada instituição educativa, cujas assessorias concediam poder ao Exército de decisões como expulsão arbitrária de estudantes, concessões de bolsa, contratações de professores etc.

Portanto, Honestino foi constantemente visado e preso — mais precisamente, o líder enfrentou cinco prisões, sendo a última, em 1973, a responsável pelo seu desaparecimento, deixando sua mulher e uma filha pequena, do dia para a noite, aos 26 anos, enquanto era presidente da União Nacional dos Estudantes (UNE) e vivia em clandestinidade desde 1969.

Por meio de entrevistas com dezenas de colegas de Honestino de Ação Popular e parentes, o filme explora sua origem sociofinanceira em Goiás, a decisão de mudar os rumos na recém-capital federal Brasília e sua expertise e gosto por política e economia, que o moldaram para determinar o grande articulador como foi. Além de trechos dos entrevistados, estiveram presentes no material final as fotos e os documentos pessoais do líder, cenas ficcionais estreladas por Bruno Gagliasso que reimaginam seu sofrimento, fuga e trabalho como militante, e vídeos históricos da Ditadura, como da invasão dos militares à UnB, materiais dos quais o filme mostrou uma apuração rica e bem encaixada.

Neste quesito, Aurélio Michiles não perde tempo em criar um documentário histórico que se preocupa em recapitular detalhes de normas, decretos ou especificidades gerais da Ditadura, focando apenas na vida e legado de Honestino. A ideia levada adiante ganha tanto na qualidade da retratação do protagonista-título — e, por consequência, a sua pertinência, uma vez que sua figura é ainda desconhecida da grande bolha (por um lado, convenientemente de caso pensado) — quanto em suavidade durante a exibição, com sua duração não passando dos 80 minutos, direto e reto, sem inconclusões.

“Mais um filme sobre a Ditadura”

Podem ter certeza de que será comum encontrar esse tipo de queixa, mesmo que involuntária, por uma parcela da comunidade cinéfila sobre o filme, afinal os maiores símbolos atuais do cinema brasileiro — “Ainda Estou Aqui” (2024) e “O Agente Secreto” (2025), duas produções que quebraram um jejum de mais de duas décadas fora dos holofotes mundiais — se passam neste mesmo período e conseguiram grandes façanhas cinema afora. Fora outras marcantes obras, como “O Que É Isso, Companheiro?” (1997) e “Pra Frente, Brasil” (1982).

É justificável novamente a reaparição da Ditadura como cenário operandi. Assim como a Guerra do Vietnã e a II Guerra Mundial estiveram sempre envolvidas nas tramas estadunidenses e a Primeira Guerra Mundial para filmes europeus, por exemplo. 40 anos separam nossa atualidade do fim do Regime Militar, o que é pouco em termos históricos e enfatizado no dia a dia ao se tocar que todos da geração Baby Boomer, por exemplo, são testemunhas e sobreviventes. Se somos afetados imediatamente por decisões regidas pelas mentes e assinadas com papel e caneta pelas mãos de poderosos, além de diretamente dependentes, imagina sob uma governança pautada pelo medo por duas longas décadas.

O impacto é severo e profundamente complexo, em todas as esferas. Portanto, há muita história não contada, bastidores escondidos, heróis e vilões desconhecidos, ideias proclamadas… e que bom que temos “Honestino” para mostrar uma outra faceta.

Em conversas exclusivas em que a Nerds da Galáxia esteve presente com Bruno Gagliasso e Aurélio Michiles, os cineastas relembram as consequências que o filme “Honestino” grita: entre 1969 e 1977, centenas de professores demitidos, atrasos de anos de universitários que não queriam se calar diante da ameaça e mais de mil estudantes foram excluídos das universidades, outros desaparecidos totais, que jamais retornaram a suas famílias.

A arte está aí para discutir. Eu faço arte porque eu faço política. Fazer arte no Brasil e no mundo é a mesma coisa que fazer política, com qualquer filme. Acredito que devemos fazer com que esse filme vire ‘pop’. É difícil, porque justamente a ideia deles é essa: apagar. Há quanto tempo eles tentam nos apagar? Mas não vão conseguir; cabe a gente divulgar, estudar, cobrar que as pessoas conheçam. Por exemplo, eu não conhecia o Honestino. Me sinto péssimo.

Por isso que temos que sempre estudar, né? Eu fiz esse filme também pelos meus filhos. Para as novas gerações. É preciso estar atento para não corrermos risco de apagamento. É muito emocionante, principalmente em uma época em que a verdade está deixando de existir. Ver o filme como “Honestino” é muito forte e muito potente. Vamos ver o ser humano, que era filho, que era pai, que tinha mãe e filha, e, acima de tudo, é um ser humano que lutou por liberdade, democracia e justiça, princípios pelos quais lutamos até hoje.

Bruno Gagliasso, em um cine-debate exclusivo de “Honestino” com a imprensa e convidados, em São Paulo

O diretor Aurélio reforçou a ideia do filme de aprofundar sobre a família de Honestino e sua família de luta, criada durante os movimentos estudantis. A presença das duas famílias em momentos de partilhas, apoios, união de ideias e como munição de coragem e altruísmo, segundo Michilis, trata-se da “forma verdadeira desses conceitos, e não a hipócrita“, enraigado devido ao precoce desmantelamento dessas famílias após o assassinato de Honestino.

Era uma história que habitava meu corpo e minha mente, era um dos fantasmas que me assombrava. Evitei mexê-la. Depois dessa onda que começou a ocupar os espaços, em 2014, de tolerância e ódio da extrema-direita, me senti contra a parede. Como eu sou amigo desde sempre da família, companheiro de vários momentos dessa dor, luta e busca, conheci outras pessoas que sofreram. Minha vontade era retribuir isso, essa afetividade. A ideia sempre foi essa: reconstruir a família e devolver a ela a grandiosidade que foi Honestino Guimarães.

A Isaura [viúva de Honestino], quando assistiu pela primeira vez, ela falou: ‘Aurélio, finalmente fui anistiada‘. A Juliana [filha de Honestino] disse para mim: ‘Eu finalmente entendi quem foi o meu pai‘. Todas as pessoas que o conheceram têm a mesma opinião sobre ele, sobre o carisma, sobre o afeto e sua facilidade imensa por sorrir, por exemplo. É uma perda, mas a gente precisava reconstruir.

Aurélio Michilis, em um cine-debate exclusivo de “Honestino” com a imprensa e convidados, em São Paulo

Roteiro e Montagem são personagens de destaque

Com as principais missões de contar a história desse mártir esquecido pelo tempo e explorar seu engajamento contra a censura aplicada pelos militares, “Honestino” consegue trazer um bom equilíbrio entre a contação de fatos e a visão de Honestino e de seu núcleo com a Ação Popular (AP) e as confidências com sua família. Mesmo havendo o balanço, aqui há um maior favorecimento à origem e às relações de Honestino, uma decisão que, embora pareça óbvia escolha, é um acerto de destaque por dinamizá-lo, tornando-o mais atrativo, historicamente mais interessante — ao acrescentar camadas inéditas de uma figura não só desconhecida e nichada como também praticamente inacessível, e mais pessoal e sincera.

E é exatamente o desconhecimento da luta de Honestino por liberdade e educação, em um atual cenário político brasileiro bastante polarizado, segregatório e instável, que eleva o filme a uma pertinência exemplar e honrosa para produções em documentário, direitos esses que cada um possui por direito e que sempre permanecerão no centro das discussões, uma força que nem mesmo as barreiras do tempo podem silenciar.

Em quesito documentários, Aurelio Michilis mostra por que tanto domina o gênero e como ainda tem madeira para queimar, mostrando-se atualizado e comprometido com pautas quentes em voga e por um faro de procura e pesquisa alá de jornalistas experientes, apesar de sua parcialidade mais escrachada que afasta interessados mais interessados em imparcialidade.

Sua montagem lembra bastante “O Cineasta da Selva” (1997), uma docuficção produzida por Michilis e que traz José de Abreu na pele de Silvino Santos, fotógrafo luso-brasileiro pioneiro dos documentários no Brasil; para “Honestino”, a fórmula se repete, tendo praticamente a mesma problemática: a falta de materiais e documentos dos nossos personagens centrais figurando. A boa notícia é que temos a subvertente dos documentários com ficção à tona novamente, com Bruno Gagliasso ilustrando o comprometimento, esperteza e afinco de Honestino na causa.

Atuação de Bruno Gagliasso proporciona imersão, mas não acrescenta no storytelling

A atuação de Bruno aqui é perfeita, mediante o que o filme dedica de espaço para suas cenas. Fato é que Bruno não mentiu quando disse que entregou toda sua verdade como ator neste papel: seu respeito pelo personagem é devidamente sentido e cumpre uma bela homenagem póstuma.

Todas as cenas, de livre imaginação e mais artísticas, que mostram os percalços que Honestino passou, carregam um tom emotivo, com bons recursos e boa liderança de direção de fotografia e iluminação — principalmente nos takes que retratavam Honestino preso —, mas não se sustentam pela curta duração. São esquecíveis, muitas até sem falas; e que, pensando por um lado mais lógico, se tirar ou pôr, daria na mesma a recepção do público. Muitas cenas, inclusive, são praticamente econômicas, sendo usadas mais de uma vez. Ou são praticamente monólogos de discursos escritos por Honestino, lidos virados às câmeras por Bruno.

Entendo a razão do foco maior concentrar-se nos depoimentos das dezenas de entrevistados chamados da Ação Popular e da família do líder estudantil, não só por ser um documentário, mas também pelo orçamento que o longa dispunha e pela imprecisão que as cenas de Gagliasso representavam de fato, mas “Honestino” já prometia isso mesmo desde os seus trailers — e, se tivéssemos mais aparições distribuídas no filme, como mais retratações de seus posicionamentos em manifestações, formas de contato com seus familiares e colegas ou outros backgrounds, com falas mais decisivas, seriam uma perfeita quebra para fisgar mais a atenção e o interesse do público não tão adepto aos documentários.

Conclusão: Honestino é bom?

Aurelio Michilis entrega um filme certo na hora certa, em um contexto político ainda perturbado e inflamado, especialmente neste ano de eleições, e relevantemente inédito ao mostrar a missão e a vida de Honestino Guimarães, um grande símbolo personificado da reivindicação de estudantes universitários, demasiadamente de instituições públicas, por liberdade: de manifesto, de estudo, de pluralidade e de respeito. “Honestino” é um filme sobre legados que a Ditadura Militar deixou: enfraquecimento e deturpação de polos de ensino públicos, famílias desmanteladas de alvos do governo e o contraste entre medo e apagamento, que permitiu normalizar a impunidade mesmo depois de tudo.

E é aí que “Honestino” justifica sua pertinência: ao mostrar uma visão parecida com o que o filme “Ainda Estou Aqui” retratou sobre o grito alto do silêncio, o longa aborda uma camada diferente, engrandecendo a mobilização e a coragem de Honestino e “Honestinos” que não se calaram e deram seu corpo à tapa à frente de pessoas tão poderosas. Há quem diga que há uma fadiga de filmes sobre a Ditadura Militar, mas, enquanto a arte ainda continuar sendo arte, ela sempre deve continuar provocando, registrando, expressando e conectando.

Com toda a potência da atuação de Bruno Gagliasso, mesmo que com presença tímida justificável, “Honestino” promete impactar positivamente todos que assistirem, sobretudo os mais curiosos. Aurélio volta às origens com uma docuficção inteligentemente organizada e bem dirigida, que foca no que é apenas essencial historicamente, ação bem pensada levando em conta o público a que se destina — os jovens —, com duração acessível, linguagem simples e com seu conteúdo bem dividido.

Assista ao trailer

Quando estreia Honestino

“Honestino” chega exclusivamente aos cinemas do Brasil inteiro no dia 13 de agosto, com sessões já disponíveis à venda em salas, como a Reserva Cultura, REAG Belas Artes, Espaço Petrobrás de Cinema, Cine Bijou e Cine LT3. Fique por dentro das redes sociais do filme para não perder próximos eventos e novidades.

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Duna: Parte 2 elevou grande hype da comunidade após aparecer com altas notas nos maiores sites de crítica de cinema da Indústria e ser chamado por muitos críticos como o “maior sci-fi já visto”. No IMDB, a sequência conseguiu uma avaliação de 9,4, a mais alta da plataforma, desbancando os clássicos “Um Sonho de Liberdade” – que tem 9,3 -, “O Poderoso Chefão” – 9,2 – e “Batman: o cavaleiro das trevas” – 9,0 -; enquanto no Rotten Tomatoes, Duna: Parte 2 atingiu 97% de aprovação, acima de “Star Wars: o Império Contra-Ataca” (95%), “Alien” (93%), “2001: Uma Odisseia no Espaço” (92%), “Blade Runner” (89%) e “Matrix” (83%).

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Diante do favorável restrospecto, será que Duna: Parte 2 chega atingindo esse alto nível de maior filme de ficção científica de todos os tempos? A Nerds da Galáxia foi convidada pela Warner Bros. Discovery a assistir ao filme na cabine de imprensa, realizada na última terça-feira (27), e conta sua crítica sem spoilers da aguardada continuação comandada por Denis Villeneuve.

Nota: A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas foram apresentadas em sinopses e trailers.

Crítica sem spoilers – Duna: Parte 2

Duna de 2021 chegou dividindo opiniões entre os fãs por apresentar muita densidade e informações cada vez mais específicas, sobretudo sobre a lenda por trás do Messias que regiria todo a galáxia para um futuro melhor, as divisões de poder entre as Casas Maiores, o papel do Imperium e a importância da especiaria de Arrakis. Como se não bastasse o peso de 2h30 de duração, mesmo com grandes cenas de fotografia, efeitos, maquiagem e direção de arte – o que permitiu Duna ganhar 6 estatuetas nas categorias técnicas e menções nas prinicipais categorias do Oscar de 2022.

Vendo a partir deste recorte, Duna 1 serviu como uma ótima preparação para o que Duna: Parte 2 se propôs a fazer. Com uma duração um pouco maior, a sequência, de fato, supera irretocavelmente seu antecessor, com um dos motivos deste grande sucesso graças ao “sacrifício” que o primeiro filme teve que carregar para o segundo se abrilhantar pelo seu maior ritmo e desenvolvimento, sem a necessidade de explicações e contextualizações sobre o universo de Duna.

Partindo em sequência dos acontecimentos finais mostrados em Duna 1, Duna: Parte 2 apresentou um ótimo ritmo e mostrou mais a cara a tapa e a ousadia inédita de Denis Villeneuve com mais cenas de ação. É impressionante como o filme conseguiu render, dando uma sensação de background completa da história e muitos avanços nos personagens principais e no universo em si, sem pontas soltas – claro, sem contar o gancho para o terceiro filme provocado no ato final.

A sensação de infodemia ainda esteve presente como no primeiro, o que pode até ser entendido se lembrarmos a quantidade de páginas que o livro possui, porém em Duna: Parte 2 é muito mais suavizado pela composição das cenas. Mensagens importantes para a trama quando são somente jogados numa cena sem sal como diálogos entre as personagens passam um senso de entendimento, mas também um peso devido ao caráter da cena. Agora quando são bem pensandos usando ações e o ambiente fictício, além da fala, são mais aliviadores e mais conectivos com o público, portanto mais fáceis de compreender e mais atrativos – o que Duna: Parte 2 esbanjou, despertando 100% da nossa atenção em todos os atos.

Outro grande ponto envolvendo o roteiro de Duna: Parte 2 é – de novo – a evolução de Paul Atreides e Jessica Atreides (Rebecca Fergunson), com a mãe de Paul ganhando um protagonismo muito relevante. As duas personagens iniciam e terminam o filme totalmente diferentes, com os telespectadores presenciando a todo instante esses clímax individuais.

No geral, o roteiro de Duna: Parte 2 inicia e se desenvolve praticamente nos mesmos moldes que o primeiro, porém se eleva em dimensão e ritmo e finaliza de forma mais estreita, ao contrário do filme de 2021 que simplesmente jogou toda a ansiedade para o segundo e nem chega a apresentar um final de fato. Há um plot no final do filme que foi muito bem apresentado e movimenta o longa. Toda a série de eventos mostrados no segundo filme apresentaram uma coerência e uma evolução, e geraram um interesse no que está por vir.

Por falar nos personagens, o elenco de Duna: Parte 2 continua excepcional. Timothée Chalamet apresenta uma atuação rica e detalhista a medida que Paul desempenha mais protagonismo no filme, com certeza sendo o melhor cênicamente. Seus takes com um Paul numa posição mais de liderança sobre os Fremen são os pontos altos do filme, juntamente com as cenas de combates brilhantemente bem coreografadas e editadas graficamente. Austin Butler também se equipara a Chalamet como uma figura que rouba as cenas em que está envolvido, sendo um bom antagonista estilo sociopata, com técnicas muito parecidas como a de Heath Ledger em “Cavaleiro das Trevas”.

Outro artista que desempenhou muito bem seu papel foi Javier Bardem como Stillgar, o líder dos Fremen. O ator mexicano foi uma grata surpresa protagonizando todas as cenas cômicas, além de apresentar uma ótima sintonia com Timothée decorrente da adoração de Stillgar pela crença sobre o Predestinado, resultando em muitas cenas fraternas que deixa o coração quentinho. Os demais, incluindo a Zendaya, fazem um bom trabalho, sem muita alternativa, espaço ou oportunidade para um detalhe cênico mais fora da curva. Assim como Javier teve uma grande sintonia com Chalamet, Zendaya exala química com o ator franco-americano, com suas cenas como parceiros e casal bem fortes emocionalmente.

Todavia, como já explicitei no começo da crítica, o ponto forte de Duna: Parte 2 é sua imersão em suas cenas épicas, que chegam a sufocar positivamente o telespectador. Tanto o CGI quanto a fotografia e a direção de arte melhoraram, com mais jogadas de câmeras/ângulos e apostas em novos figurinos, paleta de cores e cenários deslumbrantes. Denis com certeza sabe apresentar mundos e torná-os imersivos. A direção das cenas de ação com seus elementos, coreografia, ordem e importância da cena perante a trama foram bem executadas, com cada uma despertando uma sensação diferente no telespectador e arrancando sorrisos e olhares esbugalhados.

Grande parte disso igualmente veio pelo excelente trabalho – como de costume – de Hans Zimer, compositor alemão mestre em ficção científica. Seus trabalhos em “Interestelar”, “Blade Runner 2049”, “A Origem” e a trilogia Batman de Nolan não deixando mentir.

Se fosse para definir algumas críticas negativas de Duna: Parte 2, seriam mais o descarte da especiaria e justamente voltada mais pro seu lado entorpecente – uma vez que esta matéria-prima também é um alucinógeno e sempre desconversam sobre este “poder” -, a extrema necessidade de ver Duna 1 antes de Duna: Parte 2 – pois narrativamente é uma sequência direta dos eventos do primeiro filme -, o esquecimento de alguns plots – como o de Paul usando A Voz – e a falta de maior atenção e tempo de tela sobre a rivalidade entre Paul Atreides e Feyd-Rautha (Austin Butler), priorizando muito mais, sem necessidade de muita extensão, o comando de Rabban (Dave Bautista) frente aos Harnokken.

Além também da falta de mais presença de outros elementos do universo, como a representação das outras Casas Maiores fora Atreides e Harnokken – algo que deixaram mais para o terceiro filme, mas que pelo menos serviria de introdução – e o desempenho do Imperium em si na diplomacia – o papel da Florence Pugh, no final, acaba não acrescentando, sendo irrelevante -, faltando mais um senso de como é a governança por trás. Por incrível que pareça, foi mostrado mais as articulações das Bene Gesserit do que do próprio Imperador.

Conclusão

Duna: Parte 2 é um grande filme épico que faz jus aos elogios espalhados pela crítica. Dificil que tenha outro filme que supere este, o que afirmo que Duna: Parte 2 tem tudo para gabaritar o Oscar 2025 e igualar o feito de “Senhor dos Anéis: O Retorno do Rei” e levar 11 estatuetas para casa – o que não seria nada impossível, uma vez que o primeiro filme levou 6. Trazendo mais grandeza e dinamicidade, Duna: Parte 2 é imprenscindível e com certeza supera o filme de 2021, mas muito graças ao fardo que seu antecessor teve que protagonizar. Para isso, assista Duna 1 antes de ver este.

Se gostou de Duna 1, você vai amar Duna: Parte 2; se amou o primeiro, vai louvar e se emocionar com o segundo. Podemos dizer que a era dos filmes épicos novamente ganhou sua força em Hollywood, com Duna sendo o catalisador máximo da vertente.

Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou jornalista pós-graduado em Jornalismo Cultural, completamente enlouquecido por cinema. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, tentando ser gamer e sou um jogador combeiro de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos (principalmente dos brasileiros), amo rock e músicas antigas no geral e coleciono crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Se eu tiver algum dinheiro extra, saiba que não terei por muito tempo: sempre acho algum novo periférico gamer, funko pop e/ou baldes e copos temáticos que com certeza justificam minha aquisição. Então, se quiser ajudar um necessitado, mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

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O drama da diretora e roteirista vencedora do Oscar Sofia Coppola, fez sua estreia mundial no 80º Festival Internacional de Veneza, seguido pela exibição no Reino Unido, durante o BFI London Film Festival. Recentemente, Sofia Coppola e “Priscilla” foram selecionados para o EE BAFTA Film Awards 2024 nas categorias Diretor e Maquiagem e Caracterização.

Jacob Elordi (Euphoria, A Barraca do Beijo) foi indicado como Ator em Ascenção, também no BAFTA, enquanto Cailee Spaeny (Mare of Easttown, Maus Momentos no Hotel Royale) foi indicada como Artista Revelação do Ano no London Film Critics Circle Awards 2024 e recebeu a indicação de Melhor Atriz em Filme de Drama no Golden Globe Awards 2024.

Mais sobre Priscilla e a MUBI

A sinopse de “Priscilla” aborda “Quando a adolescente Priscilla Beaulieu conhece Elvis Presley em uma festa, o homem, que já era um superstar do rock, torna-se alguém completamente inesperado em momentos de privacidade: um amante eletrizante, um aliado na solidão, um melhor amigo vulnerável. Através dos olhos de Priscilla, Sofia Coppola conta o lado oculto de um grande mito norte-americano durante o seu longo namoro e casamento turbulento, desde uma base militar alemã até sua propriedade dos sonhos em Graceland. Um retrato profundo e arrebatadoramente detalhado sobre amor, fantasia e fama“.

A MUBI é um serviço global de streaming, produtora e distribuidora de filmes dedicada a celebrar o melhor do cinema. A MUBI produz, adquire, exibe e promove filmes visionários, levando-os a diferentes públicos em todo o mundo. Sendo a maior comunidade de amantes do cinema do mundo, o streaming está disponível em 190 países, com mais de 15 milhões de membros em todo o mundo. Recentemente, a plataforma adquiriu a renomada representante comercial e produtora The Match Factory e Match Factory Productions, em janeiro de 2022. Os planos de assinatura custam R$ 34,90 por mês ou R$ 298,80 a anuidade.

MUBI é um lugar para descobrir filmes ambiciosos de cineastas visionários. De icônicos diretores a novos autores. Todos cuidadosamente escolhidos pelos curadores da MUBI. Com MUBI GO, membros em países selecionados ganham um ingresso grátis toda semana para ver os melhores filmes em exibição nos cinemas. E a Notebook explora todos os lados da cultura cinematográfica — nas versões impressa e online.

Alguns lançamentos recentes e futuros da MUBI incluem “Priscilla“, de Sofia Coppola; “Passages, de Ira Sachs”, “Strange Way of Life”, de Pedro Almodóvar; “How to Have Sex”, de Molly Manning Walker; “Fallen Leaves”, de Aki Kaurismäki; “High & Low – John Galliano”, documentário de Kevin Macdonald; “The Delinquents”, de Rodrigo Moreno; “The Settlers”, de Felipe Gálvez; “Aftersun”, indicado ao Oscar de 2023, de Charlotte Wells, e “Close”, outro longa lembrado pela Academia no ano passado, de Lukas Dhont.

Enzo Sapio

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O elenco de Magnatas do Crime conta com Theo James como Eddie Hornimam “O Duque” (Franquia Divergente, The White Lotus), a atriz brutânica e brasileira Kaya Scodelario (franquia Maze Runner) como Susie Glass “A Chefe”, Daniel Ings (Lovesick) como Freddy Hornimam “O Problemático”, Vinnie Jones (Jogos, Trapaças e Dois Canos Fumegantes) como Geoff Seacombe “O Guarda-caça”, Joely Richardson (Os 101 Dálmatas) como Lady Sabrina “A Matriarca” e Giancarlo Esposito (Better Call Saul) como Tio Stan “O Americano”.

Em Magnatas do Crime, Eddie Horniman (Theo James) recebe uma herança inesperada do pai: uma propriedade rural considerável que, para sua surpresa, faz parte de um império da maconha. Para piorar, grandes nomes do submundo do crime britânico querem uma parte dessa operação. Determinado a proteger a família das garras dos criminosos, Eddie tenta despistá-los entrando no jogo deles, mas acaba seduzido pela criminalidade.

Guy Ritchie e Matthew Read, com Haleema Mirza, Billy e Theo Mason Wood, Stuart Carolan e John Jackson foram os roteiristas da série, que terá 8 episódios, ao todo. Nima Nourizadeh, Eran Creevy e David Caffrey também ajudam Guy na direção. Hugh Warren é o produtor de Magnatas do Crime, uma co-produção da Netflix com a Moonage Pictures e Miramax TV. Confira o trailer de Magnatas do Crime, nova série que chegará na Netflix no dia 7 de março:

Mais sobre os personagens de Magnatas do Crime

A Netflix divulgou uma breve introdução de cada personagem presente na série Magnatas do Crime.

Eddie é o segundo filho do Duque de Halstead, e como tal, nunca esperou herdar nada. É por isso que ele criou uma vida para si mesmo, destacando-se em Sandhurst e alcançando o posto de Capitão do Exército Britânico. Mas, quando seu pai faleceu de repente, estipulando no testamento que seu título e os 15.000 acres de terra que o acompanham irão para seu segundo filho, e não para o primogênito, a vida de Eddie dá um pivô fundamental. É um papel que ele nunca quis, mas gradualmente Eddie se sentirá cada vez mais confortável no lugar de seu pai. Enquanto Eddie enfrenta as inesperadas responsabilidades criminais decorrentes da posse desta propriedade rural inglesa, seu caráter será testado como nunca antes.

Já Susie, elegante sem esforço, sarcástica e herdando seu quinhão da firmeza de Bobby Glass, supervisiona a organização criminosa de seu pai em nome dele. Susie é uma espécie de camaleão, desde academias de boxe no centro da cidade até festas de gala da alta sociedade, há poucos lugares onde ela não consegue se encaixar perfeitamente. Susie usa uma combinação de sofisticação e sofisma para resolver os problemas usuais que ocorrem na administração dos negócios de Bobby, mas quando Eddie começa a criar problemas para ela desde o início, ela descobre que sua paciência está se esgotando rapidamente. Susie lentamente começa a ver a razão do interesse de seu pai neste jovem empreendedor, à medida que o relacionamento dela e de Eddie se desenvolve ao longo da série. No entanto, quando o império Glass fica sob pressão crescente, Susie sabe claramente onde estão suas prioridades finais.

Freddy sempre soube que era o herdeiro da propriedade Halstead, e é por isso que nunca teve sucesso em nada. Sua vida até agora tem sido uma torrente inconsequente de festas, uso de drogas e desventuras comerciais embaraçosas. Ele é o Anti-Midas, tudo que ele toca vira pó e dívida. Quando ele descobre que sua herança foi passada para seu irmão mais novo, surge uma fissura dentro de Freddy que nenhuma quantidade de cocaína pode preencher. Freddy está desprovido de propósito e se inclina ainda mais para sua impulsividade e reatividade. Mas quando os elementos criminosos de Halstead começam a infiltrar-se nas vidas dos Hornimans, uma centelha criativa começa a brilhar dentro de Freddy: isto pode ser apenas a criação dele.

Geoff é o guarda-caça de Halstead Manor. Ele conhece cada centímetro da propriedade e se preocupa profundamente com a terra, bem como com a variedade de criaturas que vagam por ela. Estoico, impassível e inabalavelmente leal aos Hornimans, Geoff tem certo orgulho em saber o seu lugar exato na estrutura da sociedade e é sempre respeitoso com a linha entre família e funcionários. Há uma tristeza silenciosa para Geoff, devido a um segredo que ele manteve por muitos anos, no entanto, à medida que Eddie aprende a lidar com a atividade ilícita nas terras de Halstead, Geoff se disponibilizará como uma rocha sempre presente para o novo duque. Um repositório de sabedoria sábia e gim de abrunho sempre pode ser encontrado na cabana do guarda-caça.

Um americano extravagantemente rico, Stanley Johnston, também conhecido como tio Stan, não é o seu arquétipo de negociante e distribuidor de metanfetaminas. Tio Stan é obcecado pela história, iconografia e arquitetura da aristocracia britânica. Ele mantém um criado, socializa com um membro da realeza europeia de menor importância e praticamente mora no clube de cavalheiros mais exclusivo de Londres. O fascínio de Stan por todas as coisas elegantes pode explicar de alguma forma o seu interesse personalizado no novo duque de Halstead, mas há quem suspeite que o ataque de Stan pode ser duplo: com o seu verdadeiro objetivo definido em garantir a participação substancial de mercado de Bobby Glass.

Enzo Sapio

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Nos novos episódios de The Boys, o mundo está à beira de um colapso. Victoria Neuman está mais perto do que nunca do Salão Oval e sob o domínio de Capitão Pátria, que está consolidando seu poder. Billy Bruto, com apenas alguns meses restantes de vida, perdeu o filho de Becca e seu emprego como líder dos The Boys. O resto da equipe está farto de suas mentiras. Com os riscos mais altos do que nunca, eles precisam encontrar uma maneira de trabalhar juntos e salvar o mundo antes que seja tarde demais.

Um teaser inédito havia já sido revelado no dia 2 de dezembro do ano passado, durante a CCXP 23.

Mais sobre The Boys

The Boys é estrelado por Karl Urban, Jack Quaid, Antony Starr, Erin Moriarty, Jessie T. Usher, Laz Alonso, Chace Crawford, Tomer Capone, Karen Fukuhara, Colby Minifie, Claudia Doumit, e Cameron Crovetti. A quarta temporada contará também com Susan Heyward, Valorie Curry, e Jeffrey Dean Morgan.

The Boys é baseada na história em quadrinhos best-seller do The New York Times, de Garth Ennis e Darick Robertson, que também atuam como produtores executivos, e desenvolvida pelo produtor executivo e showrunner Eric Kripke. Seth Rogen, Evan Goldberg, James Weaver, Neal H. Moritz, Pavun Shetty, Phil Sgriccia, Craig Rosenberg, Ken F. Levin, Jason Netter, Paul Grellong, David Reed, Meredith Glynn e Michaela Starr também atuam como produtores executivos. The Boys é produzida pelo Amazon MGM Studios e Sony Pictures Television, com Kripke Enterprises, Original Film e Point Gray Pictures

Enzo Sapio

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