É justamente nesse cenário que surge O Mandaloriano e Grogu, produção que chega aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira (21) como uma continuação direta da série The Mandalorian, fenômeno responsável por apresentar ao mundo o grande caçador de recompensas Din Djarin (Mando) e seu pequeno aprendiz Grogu (Baby Yoda). Entre nostalgia, expectativa e o peso de carregar um universo gigantesco nas costas, o longa também marca o retorno de Star Wars às telonas após anos de ausência desde Star Wars: A Ascensão Skywalker.

Por trás da nova aventura está Jon Favreau, nome que ajudou a moldar diferentes eras do entretenimento blockbuster moderno. Foi ele quem iniciou o Universo Cinematográfico Marvel com Homem de Ferro e também comandou o remake em CGI de O Rei Leão, uma das maiores bilheterias da Disney.

Agora, Favreau assume a difícil missão de transformar a estrutura seriada de The Mandalorian em uma experiência cinematográfica capaz de sustentar o legado técnico e emocional de Star Wars. E é justamente nessa transição que mora a grande pergunta por trás do filme: será que a franquia encontrou um novo caminho para recuperar sua força nas telonas ou estamos diante de mais um capítulo perdido na vasta galáxia muito, muito distante?

Nota: Esta crítica não contém spoilers, para não comprometer sua experiência com o filme. O texto reflete exclusivamente a opinião do autor e não deve ser tratado como uma verdade definitiva sobre a obra. Sempre que possível, assista ao filme para formar sua própria opinião e apoiar o trabalho dos realizadores. Todas as informações mencionadas já foram divulgadas em sinopses e trailers.

Existe algo particularmente melancólico em assistir a O Mandaloriano e Grogu. Não porque o filme seja um desastre completo, longe disso, mas porque ele representa com precisão cirúrgica o atual momento da Lucasfilm com a franquia Star Wars: uma engrenagem na máquina “tecnicamente impecável” (segundo os acionistas), mas que parece incapaz de encontrar um verdadeiro senso de urgência criativa.

O longa continua exatamente de onde a terceira temporada da série deixou Din Djarin e Grogu, agora envolvidos em uma missão para resgatar Rotta, filho de Jabba, enquanto ajudam a Nova República a capturar remanescentes imperiais. O problema é que, desde os primeiros minutos, a sensação não é de estar diante de um grande evento cinematográfico, mas sim de assistir a episódios costurados às pressas para justificar uma ida ao cinema.

Ainda assim, seria injusto ignorar o esmero técnico do filme. Jon Favreau claramente entende a iconografia de Star Wars e sabe como transformar ferrugem, areia, fumaça, metal gasto e criaturas estranhas em parte da identidade visual da franquia. Existe textura em cada cenário. Cada planeta parece habitado, sujo, vivo, quase como uma coleção antiga de action figures que voltou a ganhar movimento depois de décadas guardada numa caixa empoeirada.

Os efeitos especiais impressionam não apenas pelo orçamento evidente, mas pela maneira como conseguem equilibrar elementos práticos e CGI sem transformar tudo em uma massa digital artificial. O filme constantemente lembra ao espectador por que o universo de Star Wars ainda possui um apelo visual tão poderoso dentro da cultura pop.

Essa força estética também aparece na forma como Grogu é utilizado. Se na série o personagem já funcionava apenas com olhares, grunhidos e pequenos gestos, aqui o orçamento cinematográfico amplia sua participação na ação e o coloca em momentos mais físicos e expansivos. Há cenas inteiras desenhadas para transformar o pequeno personagem em motor narrativo e peça cômica ao mesmo tempo.

Em muitos momentos funciona. Em outros, o longa força tanto a fofura que Grogu passa a parecer menos um personagem e mais uma ferramenta de marketing ambulante vestida de pelúcia espacial (repetição dos Ewoks?). Ainda assim, seria mentira negar o carisma quase magnético que ele mantém em cena. A trilha sonora de Ludwig Göransson ajuda bastante nesse aspecto, misturando o tema clássico da série com sintetizadores e batidas que aproximam certas sequências de uma aventura sci-fi mais acelerada do que da fantasia operística tradicional da saga.

O verdadeiro problema surge quando o roteiro começa a revelar sua estrutura. Favreau, Dave Filoni e Noah Kloor escrevem o filme como se ainda estivessem produzindo uma temporada completa para o Disney+. A narrativa é fragmentada em arcos que possuem começo, meio e fim próprios, como capítulos independentes colados por grampos enferrujados.

Uma missão na neve, o coliseu, os Hutts, as perseguições em speeders, os confrontos espaciais… tudo parece funcionar como episódios fillers comprimidos dentro de duas horas e meia. A edição reforça essa sensação de artificialidade estrutural, interrompendo constantemente o fluxo narrativo para reiniciar a aventura. O resultado é um longa que jamais encontra unidade dramática. As cenas de ação são bem dirigidas, dinâmicas e visualmente empolgantes, mas quase nunca carregam consequência emocional real.

E talvez seja justamente isso que mais enfraqueça O Mandaloriano e Grogu: a ausência de peso. Nada parece verdadeiramente perigoso. Nenhuma decisão deixa marcas permanentes. Existe uma sucessão de acontecimentos barulhentos acontecendo diante da câmera, mas raramente o espectador sente que algo importante está em jogo.

É curioso porque Star Wars sempre funcionou melhor quando combinava aventura escapista com conflitos emocionais muito claros. Aqui, a produção prefere transformar tudo em entretenimento confortável, embalado num ritmo acelerado que impede qualquer reflexão mais profunda. Quando o longa abraça seu lado de western espacial descontraído, com criaturas caóticas e humor leve, ele encontra certo charme. Mas toda vez que tenta soar grandioso ou emocionalmente relevante, a fragilidade do roteiro aparece imediatamente.

O elenco faz o possível para sustentar esse equilíbrio instável. Pedro Pascal (o inimigo do desemprego) continua excelente como Din Djarin, mesmo aparecendo atrás do capacete durante boa parte do tempo. O ator já compreendeu perfeitamente que o personagem funciona menos através de grandes discursos e mais por pequenas pausas, silêncios e gestos sutis de humanidade. Sigourney Weaver (Alien, Avatar) adiciona presença instantânea sempre que entra em cena, carregando aquela autoridade natural que transforma diálogos simples em momentos maiores do que realmente são.

Já Steve Blum (Star Wars Rebels), como Zeb, e Jeremy Allen White (The Bear), vivendo Rotta, recebem material dramático limitado. Existe uma tentativa clara de trabalhar temas ligados a legado, família e relações parentais, mas o roteiro martela essas ideias tantas vezes que elas perdem impacto rapidamente.

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No fim das contas, O Mandaloriano e Grogu funciona mais como sintoma do que como grande acontecimento cinematográfico. O longa diverte, possui momentos genuinamente simpáticos e entrega espetáculo visual suficiente para agradar fãs que ainda encontram conforto nesse universo. Mas também reforça uma sensação difícil de ignorar: a de que Star Wars se tornou uma engrenagem de conteúdo constante, mais preocupada em alimentar catálogo do que em construir histórias realmente inesquecíveis.

O Mandaloriano e Grogu estreia nesta quinta-feira, 21 de maio de 2026, nos cinemas brasileiros. E aí, o que você achou do filme? Comente a sua opinião.

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Fabrizio Galluzzi

Olá, viajantes! Meu nome é Fabrizio Galluzzi. Assim como vocês, viajei para Runeterra até uma Galáxia Muito, Muito Distante. Conheci os Heróis Mais Poderosos da Terra e os Grandes Deuses Nórdicos e Gregos. Porém, no meu tempo livre sou um simples aventureiro, que ama muito ir ao cinema.

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Para você que não saiba, “Mulher Hulk :Defensora da Lei” é uma série de comédia que vê Bruce Banner ajudando sua prima, Jennifer Walters, que após uma transfusão de sangue, se torna Hulk igualmente como seu primo. A Mulher Hulk tem força e agilidade mais elevada, comparando-a com Bruce, além de um controle muito acima. Ao longo do seriado, veremos Jennifer conciliando sua vida como advogada e super-heroína, ou até os dois unificados, quando Walters recebe o cargo de trabalhar numa divisão jurídica para pessoas super-capacitadas.

“Mulher Hulk: Defensora de Heróis” conta com Tatiana Maslany sendo a personagem-título, enquanto Mark Ruffalo e Tim Roth retornam como Bruce Banner/Hulk e Emil Blonsky/Abominável, respectivamente.‎ Jameela Jamil interpretará a vilã Titânia e Ginger Gonzaga será Nikki Ramos, melhor amiga de Jennifer. Kat Coiro e Anu Valia são as diretoras, enquanto Jessica Gao e Dana Schwartz cuidaram do roteiro.

Nota Importante: esta crítica contém spoilers do primeiro episódio de “Mulher Hulk”. Caso não tenha assistido ainda, salve o link da matéria em um lugar que lembre e volte depois! Caso queira prosseguir a leitura mesmo assim, é por livre e espontânea vontade, por sua diversão e entretenimento em risco.

Análise crítica do primeiro episódio – “Mulher Hulk”

O primeiro episódio de “Mulher Hulk” foi focada na origem da mudança drástica de vida de Jennifer Walters. Com uma duração de 33 minutos, o primeiro episódio se chama “Uma Quantidade Normal de Raiva”, referência a uma fala dita na produção e uma oposição ao que verdadeiramente acontece na trama. A quebra de uma linha cronológica dos eventos foi algo bem usado e muito favorável para o estilo de série que a Marvel colocou como sua identidade característico.

Os primeiros minutos da Jennifer ensaiando suas considerações finais para o caso que representará já mostra sua competência, sabedoria e eloquência como advogada; e a cena de quebra da quarta parede, logo em seguida, mostra a afinidade de Tatiana Maslany nesses tipos de seriados cômicos e como que a atriz, com uma excelente direção da Kat Coiro e roteiro de Jéssica Gao, dominou esse recurso. Já introduzir um clima de leveza aliando-se à apresentação da originalidade de “Mulher Hulk”, faz o público entender o que será daqui para frente e prende a atenção já logo de cara.

Ainda em todo o take inicial de “Mulher Hulk”, as considerações finais falam uma abordagem que foi mais além do que foi discutido em “Capitão América: Guerra Civil”, que focou no massivo poder bélico que os poderes e as tecnologias dos heróis causam na sociedade. Walters questiona sobre se a responsabilidade dos heróis está mais entrelaçada em combater as pessoas que fazem o mal uso dos poderes ou o dever moral de defender aqueles que não possuem nenhum, que é um ponto-chave no quesito de ideologias.

Heróis que mais tendenciam punir outros pelo o ‘uso errôneo’ de suas capacidades, na real, usa o preceito do heroismo para propagar somente o que defende, como a famosa expressão “de boas intenções, o inferno têm um monte” já expressa. O Barão Zemo e o Capitão América John Walker são exemplos claros dessa afirmativa. Quem sabe que essa discussão moral não seja pauta para mais episódios de “Mulher Hulk”, sendo um perfeito alinhamento com o filme “Thunderbolts”?

Dando prosseguimento à história, após uma viagem que fizeram juntos, os primos Jennifer Walter e Bruce Banner estão em uma estrada vazia, conversando sobre uma tese de Walters achar que o emblemático Steve Rogers morreu virgem. Neste momento de descontração – muito bem cronometrado e escrita pelo roteiro, aliás -, surge uma nave de Sakaar – antiga casa de Hulk por dois anos como foi visto no terceiro filme de Thor – fazendo com que o carro perdesse o rumo e capotasse ladeira abaixo.

Nestas cenas, muitas informações podem ser extraídas. Primeiramente, “Mulher Hulk” conta como que Bruce voltou em sua forma humana, visto pela primeira vez na cena pós-crédito de “Shang-Chi e a Lenda dos Dez Anéis”: Banner criou um protótipo que deixava inativo a radiação gama em seu corpo, pois seria em sua forma humana que o braço machucado em “Ultimato” seria cicatrizado. Logo, podemos concluir que “Mulher Hulk” é jogada para frente na linha cronológica da Marvel. Segundo a roteirista Jessica Gao, os acontecimentos de “Mulher Hulk” é ‘relativamente curto’ que de Shang-Chi, colocando-a logo em sequência.

Segundamente, a mudança da origem dos poderes da Mulher Hulk foram completamente alteradas, fato que incomodou os fãs. Nos quadrinhos, Jennifer defendia juridicamente um criminoso, que tinha sido contratado por um gângster para cometer assassinato. Banner e Walters estavam sem se ver por anos e tinham se encontrado no dia do julgamento. Após o término, homens que trabalhavam pro gângster atiraram em Walters, deixando-a em uma situação grave pela perda excessiva de sangue. Bruce, por ter o mesmo tipo sanguíneo da prima e pela urgência que o momento se encontrava, decidiu fazer a transfusão de sangue.

Em “Mulher Hulk”, após o carro capotar, Jennifer se corta com metal pontiagudo do veículo na mão e tenta socorrer seu primo que ainda estava imobilizado dentro do carro. Foi nesta prestação de socorro que o sangue de Banner entrou em contato com a ferida aberta de Walters, fazendo com que ela se transforme em Hulk na mesma hora. A Jessica Gao, em entrevista ao Inverse, explicou que a mudança foi feita devido que Banner, no UCM, vê sua condição como uma espécie de maldição, portanto nunca doaria seu sangue para ninguém. Algo que foi muito claro nas conversas entre Bruce e Jennifer depois do ocorrido.

Apesar de se distanciar com as HQ’s, a mudança foi algo muito plausível e coerente sobre a personalidade de Banner nesse Universo Cinematográfico da Marvel. Somente agora, em “Ultimato”, que Bruce conseguiu entender e aceitar seu alter-ego, ainda que em partes – Banner ainda convive fora da cidade e afastado até de sua família, que encontra só em festas, mostrado em “Mulher Hulk”.

E, para finalizar o assunto da cena, a nave Sakaariana terá um papel futuro em “Mulher Hulk” e no UCM, como prometido pelo próprio Bruce Banner em um dos diálogos com Walters. A espaçonave tratava-se de uma nave mensageira, provavelmente querendo saber onde o Hulk está para trazê-lo de volta. Possivelmente, personagens de Sakaar podem vir para a Terra, uma vez que a roteirista Jessica Gao revelou que muitos personagens vão dar às caras, como o nosso querido Matt Murdock, o Demolidor, que promete não simplesmente participar, mas ser um coadjuvantem uma vez que o ator está listado no IMDB para 8 episódios.

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Além do peso racional do papel dos heróis, outro importante assunto em “Mulher Hulk” foi o machismo, retratado brilhantemente em cenas humorísticas. Desde quando Jennifer fala que os gatilhos medo e raiva para a transformação do Hulk são a base da existência de uma mulher; a cenas que aconteceram na balada, com as meninas prestando suporte à Jennifer pensando que foi agredida, e sua sequência mostrando homens assediando verbalmente Jennifer, que se transforma em Hulk e é imobilizada pelo Professor Hulk.

Não somente em cenas específicas, mas também em uma importante explicação geral: Banner sempre teve dificuldade de controlar a raiva, ao contrário de Jennifer, que se não controlasse, seria diminuída e rotulada como uma ‘louca’, ‘emotiva’ e ‘descontrolada’ pela sociedade. Cenas assim sempre são cruciais de serem mostradas, ainda mais para uma personagem com tanto apelo e carinho do público.

Impossível não comentar sobre a interação entre Bruce Banner/Mark Ruffalo e Jennifer Walters/Tatiana Maslany em “Mulher Hulk”, que estão perfeitas – tanto que a Jéssica Gao revelou que mais cenas tiveram que ser acrescentadas no roteiro pela incrível parceria entre os atores. Mark, com seu vasto conhecimento em comédias e na Marvel, conseguiu superar nossas expectativas, trazendo um lado mais emotivo do personagem, nos conselhos de como que é arriscado ser o Hulk e ter conhecimento disso, na preoucpação com a Jennifer em tentar ajudá-la e nos desabafos da expressa saudade que sente do Tony Stark – momentos mais lindos do primeiro epiódio de “Mulher Hulk”.

Tatiana Maslany e Mark Ruffalo pareciam ser colegas de muito tempo com o entrosamento perante cena. Com um roteiro muito bem escrito e planejado – trazendo referências ao UCM e momentos sérios e engraçados se conflitando em harmonia -, claro que facilita, entretanto não é só de audio que se vive o cinema. Todos os momentos em conjunto tiveram uma funcionalidade além da importância cômica, o que admiro nas produções.

Exemplificando em outras partes de “Mulher Hulk”: nas cenas de comparações em transformação, força, agilidade e controle; foi desenvolvido uma comédia encima da inveja que Banner tinha ao ver Jennifer ser tão evoluída em ‘ser Hulk’, somada com a própria Walters tirando sarro dos treinamentos que são ‘irrelevantes’ para ela e a percepção por parte do público em ver que se trata de uma versão mais poderosa de Hulk. Não foi preciso fazer inúmeras cenas mostrando cada parte individualmente, conseguiu brilhantemente trazer todos esses aspectos em um só.

Em suma, a comédia rendeu muito bem para cada ator e para cada situação, brincando com diversos assuntos sem um consumir o outro. E claro que além das referências da Marvel, “Mulher Hulk” brincaria com produções do mesmo grupo da Disney, envolvendo na brincadeira a Pixar – ainda na cena de explicação que a transformação é ligada em aspectos emocionais – e a NatGeo – mostrando que os famosos documentários foram feitos no UCM, como um documentário da vida de Steve Rogers.

Conclusão de “Mulher Hulk”

O primeiro episódio de “Mulher Hulk” foi correspondente com os comentários que a imprensa já estava comentando: muito alto astral e bem feito. Se a série continuar nessa mesma qualidade técnica de atuação, roteiro e direção, tem tudo para ficar entre as três melhores da Marvel Studios. Atuações impecáveis da novata Tatiana Maslany – que realmente deu vida à Jennifer Walters dos quadrinhos – e Mark Ruffalo – ainda tendo alguma coisa a acrescentar em um personagem que interpreta há 10 anos -; e cumprindo o objetivo de apresentar a Mulher Hulk e Jennifer aos fãs com um gostinho de ‘quero mais’, quando Walters salva todos do júri do ataque da Titânia, revelando sua identidade como heroína.

Sua comédia é muito à frente, fazendo com que o público se divirta e também conheça a Jennifer.

A superioridade da Mulher Hulk perante o Hulk também foi algo que funcionou bastante, como uma forma fácil de entendimento e principal alívio cômico desse primeiro episódio de “Mulher Hulk”. No segundo episódio, que será lançado no dia 25, certamente veremos Jennifer sendo reconhecida como Mulher Hulk e gostando dessa sua nova identidade, semelhante às HQ’s, sendo convidada a ser a head jurídica de um departamento que cuida exclusivamente de pessoas com dons aprimorados.

E aí, marvete, gostou do primeiro episódio? Deixe aqui em baixo sua opinião!

Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou um estudante de jornalismo (até dezembro de 2023) completamente enlouquecido por cinema, sempre tentando ver alguma coisa nova por aí. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, gamer de Playstation e jogador de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos e falar sobre games, tecnologia, música (sou mais do rock) e de crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Não tenho nenhum dinheiro no bolso, devido a periféricos gamers, funko pop’s e baldes/copos temáticos de alguma coisa nerdola. Ajude um necessitado e mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

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O review de hoje é um relato pessoal, consumido por um sentimento devastador de mudança. Tocado profundamente pelo indie publicado pela Annapurna, indicado à várias categorias no The Game Awards de 2021, hoje escrevo sobre The Artful Escape, um jogo cuja proposta está na transformação pessoal do jogador.

A Annapurna tem se estabelecido ao longo dos últimos anos como uma publicadora analógica a jogos com vieses filosóficos e sentimentais. As polêmicas e situações constrangedoras instauradas em Twelve Minutes, ou até mesmo a curtíssima experiência arrebatadora da superação em um relacionamento conturbado de Florence são grandes exemplos do que bons jogos podem fazer com a nossa cabeça, e com os nossos sentimentos.

Entretanto, The Artful Escape foi muito além do que qualquer expectativa que eu poderia ter sobre sua proposta inicial. Ao pressionar o botão de “Novo Jogo”, eu era uma pessoa totalmente diferente da que eu sinto que me tornei depois de 4 horas, quando os créditos começaram a rolar na tela.

CALYPSO

Nossa jornada começa em uma pequena cidade chamada Calypso, onde interpretamos o personagem Francis Vendetti. Francis é sobrinho de Johnson Vendetti, um músico folk extremamente famoso e venerado na cidade (e que lembra muito o Bob Dylan. Obrigado, Cardoso e Márcia). Por esse motivo, as pessoas esperavam que Francis seguisse o mesmo caminho de seu tio, preenchendo o espaço deixado por ele quando morreu.

Apesar de no começo Francis se esforçar para interpretar um roteiro que já estava escrito sobre sua vida, o jogo nos mergulha rapidamente no coração de um jovem que não estava contente com a obrigação de ser alguém que todo mundo queria que ele fosse. É aqui que começa o trabalho árduo de identificação entre Francis e o jogador e a viagem psicodélica pelo autoconhecimento.

O CÓSMICO EXTRAORDINÁRIO

“Um pulmão cósmico, um teatro roubado e uma plateia lotada por seres celestiais te esperam do outro lado com a promessa dos seus sonhos. Você titubeia, então a figura incompreensível na sua frente solta o que talvez seja a pergunta mais importante da sua vida… “Francis Vendetti, qual será o seu nome?”

Acometido por boas epifanias e um tremendo desejo de ser alguém totalmente diferente, a reviravolta começa  quando Francis é convidado por uma figura senil e desconhecida para uma viagem psicodélica pelo espaço cósmico, buscando na infinidade do universo responder a perguntas como: “quem é você” ou “qual o seu verdadeiro eu”.

Quando questionado pela primeira vez no jogo sobre sua personalidade, você tem a oportunidade de assumir um novo nome, acompanhado de um bordão. Acredito que a maneira como foi perguntado, bem como o destaque na oportunidade de poder ser quem eu quisesse, fez com que “quem é você”, naquele momento, se tornasse uma das perguntas mais difíceis que eu tive que responder até hoje.

Lembro de ter passado bastante tempo me perguntando quem eu gostaria de ser, se me fosse dada essa oportunidade. Aquele momento foi tão palpável, que eu não gostaria só de ter, mas sim de poder ser uma escolha, e não só isso, uma escolha que fosse agradável. Poder escolher era bom demais. Eu finalmente tinha uma escolha, de ser quem eu quisesse, e interpretei isso da forma mais literal possível.

O que mais tocou meu coração foi o fato de que o momento que estou vivendo, hoje, como muitas outras pessoas, pode ser facilmente contraposto com a temática do jogo. Quanto mais velho ficamos, mais os caminhos parecem cercear as nossas possibilidades de escolha. Francis Vendetti é um músico folk, que na verdade luta com as expectativas impostas contra sua vontade pela maior parte das pessoas à sua volta, e que tem o sonho de ser um guitarrista trajado na ficção científica. Do outro lado da tela há um advogado, sentado na frente de um computador em um escritório, e que depois de anos de estudo e de trabalho, resolve virar a vida de cabeça para baixo e tentar trilhar um caminho no jornalismo. É tudo sobre a jornada até o topo.

O TOPO

Não existem atalhos, e acredito que The Artful Escape seja sobre isso (e não tá tudo bem). Todos nós temos uma Calypso que nos compele a atender expectativas alheias, seja através da música folk, ou daquele concurso público que seu primo passou e sua família faz questão de lembrar todo domingo no almoço.

Porém, toda a jornada que presenciamos de Francis Vendetti vagando pelo universo em busca de sua própria identidade é cristalinamente uma alegoria do que não é real, mas que pode tornar a ser, se conseguirmos reunir forças todos os dias para responder o que talvez seja a pergunta mais importante a ser respondida, não só no jogo, mas por toda a vida: “Quem você gostaria de ser?”

PERSONAGENS

Na presença de seres de aparência etérea, “esmerilhando” sua guitarra e conquistando a sua própria identidade, Francis vaga pelo espaço cósmico tentando resolver o conflito de sua personalidade ao lado de pessoas (e alienígenas) tão bem construídos, que a sinergia entre eles deixa escancarada uma das outras mensagens tão importantes que o jogo nos passa: quem não divide o palco fica perdido no espaço (não é bem assim, mas é quase isso).

Todavia, acredito que o destaque é merecido para duas das personagens mais importantes do jogo. A primeira, com quem dividimos momentos divertidos e emocionantes, é o Lightman, um ultra guitarrista senil responsável por agradar, como poucos conseguiram, a maior entidade cósmica existente com seus solos de guitarra, e que se encarrega de interpretar o papel da mentoria enquanto guia Francis pela vastidão do universo.

O segundo lugar de destaque vai para Violleta, uma garota estilosa e de poucas palavras, que sempre aparece nos momentos certos, geralmente quando precisamos muito de ajuda. Pode ser facilmente comparada com um poço de vivência que está sempre alfinetando Francis com palavras de sabedoria – ou só com sarcasmo, mesmo. Gosta de atuar nas sombras, proporcionando os maiores shows de projeção de luzes que elevam a experiência psicodélica de The Artful Escape a níveis inimagináveis. Falando em experiência psicodélica, vamos falar “um pouco” no próximo tópico sobre os cenários e a trilha sonora do jogo.

CENÁRIOS E TRILHA SONORA

Me faltam palavras para descrever o quão extraordinária é a experiência visual de The Artful Escape. Não passa nem perto de ser eufemismo dizer que eu faria qualquer coisa para tentar entender o que se passava na cabeça de Johnny Galvatron (desenvolvedor e produtor) quando imaginou todas aquelas coisas que eu estava vendo na televisão.

Contemplei biomas complexos e cheio de cores, lotados de seres zoo e antropomórficos exuberantes interagindo com tudo a sua volta. Se eu tivesse que arriscar comparar o ecossistema de The Artful Escape com alguma coisa, talvez fosse com uma mistura de biomas e seres vivos vindos diretamente das profundezas do universo de Star Wars, Guardiões da Galáxia, John Carter e qualquer outra bizarrice (no bom sentido) capaz de sair da mente humana.

Quanto a expressão “esmerilhar” a guitarra, como eu gostaria, nesse exato momento, de dar um caloroso abraço nos responsáveis pela localização em PT-BR desse jogo. Falemos agora sobre a trilha sonora de The Artful Escape:

Uma das primeiras coisas a se perceber durante o jogo é que pouquíssimos momentos são silenciosos. Os solos de guitarra de Francis e Lightman, quando entrelaçados com a companhia da potência orquestral, funcionam a cada acorde como interruptores ativando todos os componentes à sua volta. É como se Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band e Ziggy Stardust tivessem um filho e os padrinhos fossem Jimmy Hendrix e David Bowie. Aliás, acredito fortemente que David Bowie teria gostado muito de jogar The Artful Escape, e como músico, Johnny Galvatron deve ter ficado extremamente contente quando viu o resultado final de seu jogo. É uma obra de arte.

MECÂNICA DE JOGO

Deixei essa parte para o final, pois basicamente tudo o que você faz no jogo é andar, pular e “esmerilhar” a sua guitarra (eu gostei muito dessa expressão). A questão é que, como tudo dentro do jogo, até mesmo a simples mecânica consegue te envolver, a ponto de ficar segurando um botão te fazer sentir o melhor guitarrista do universo.

Em uma espécie de ápice em momentos específicos da odisseia, você deve seguir uma sequência de notas pré-estabelecidas, como se fosse uma espécie de Genius (aquele jogo em que você deve memorizar uma sequência de cores e as repetir, até errar). Nada de complicado nisso. Quanto à gameplay, tudo é feito para que você curta o máximo possível a experiência.

CONCLUSÃO

The Artful Escape é uma das melhores surpresas que tive. Sou suspeito por amar um bom indie, principalmente aqueles que não somente estão ali para divertir, mas para também provocar reflexões no jogador. O indie da Annapurna é indispensável para quem gosta de boa música, um visual extraordinário e uma mecânica simples para encostar no sofá e curtir uma viagem psicodélica. Ah, não se esqueça: não faça contato direto com Caravaggio.

DICA DA NERDS

Se você gostou de The Artful Escape, também pode gostar de jogos como:

A Musical Story | Florence | Psychonauts 2

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Nerds da Galáxia

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Continuando a linha de jogos RPG com uma história muito boa e jogabilidade não tão boa assim, as próximas reações ao título talvez sirvam de aviso para os desenvolvedores da Piranha Bytes colocarem o pé no freio e priorizarem os problemas que vêm sendo reproduzidos nos seus últimos lançamentos.

Você confere agora com a gente todos os pontos positivos e negativos encontrados nessa nova aventura em Magalan, mais uma vez na pele de Jax, o líder renegado dos Albs.

ENREDO:

Após a queda de um cometa em Magalan que trouxe destruição e uma espécie de energia chamada de Elex, que viria a ser precursora do estabelecimento e desenvolvimento de facções e do papel fundamental desenvolvido por Jax no primeiro título, nós retomamos em Elex II na pele do mesmo personagem, dessa vez com a missão de enfrentar inimigos alienígenas premeditados no enredo do título anterior, que destruíram a sua casa e o deixaram quase morto, enquanto as facções ainda continuam em extremo conflito e ignorando essa nova ameaça catastrófica.

O ponto melhor do jogo, realmente é a história, sendo que a variedade de caminhos a se tomar nesse RPG é o maior atrativo, desde poder seguir por caminhos diferentes ou interpretar personalidades distintas, até as alianças com as facções, cada uma moldando o enredo e o desfecho da sequência de forma única.

Basicamente, a história está formada em um contexto de guerra civil, entre as facções espalhadas por toda Magalan. Um grupo de alienígenas sanguinários invade o cenário, mas nenhum dos povos parece se importar com a situação, visto que as guerras estão tomando toda a atenção. Jax, então, se vê encurralado entre procurar uma cura desconhecida para os ferimentos causados pelos alienígenas em um confronto no início do jogo e combater essa nova ameaça enquanto tenta trazer a atenção dos habitantes de Magalan.

Dependendo de qual facção escolher ajudar, você conseguirá acesso à uma grande variedade de missões secundárias únicas, além de moldar o destino de Magalan com base em suas escolhas, que tem um impacto grandioso no roteiro da história principal.

Para quem se interessar, deixaremos no final dessa análise um guia com todas as facções disponíveis em Elex II, com as principais características e influências na jogabilidade, que é o próximo ponto a ser analisado no nosso Review.

JOGABILIDADE:

A movimentação é básica de todo RPG, permitindo ao personagem andar, correr e rolar para desviar de ataques. O diferencial do universo de Elex, o Jetpack, agora permite que Jax voe por pequenas distâncias no início. Existem diversas bancadas pelo mapa para fazer upgrades no dispositivo, a fim de aumentar a potência, distância percorrida e tempo no ar. Os últimos upgrades permitem Jax a ficar integralmente no ar, sem se preocupar com o combustível. Porém, o tempo gasto para se conseguir uma experiência de exploração eficaz e divertida é extremamente alto.

Inicialmente, armas básicas como pedaços de cano, espadas gastas e arco e flecha logo podem ser utilizados, com uma grande variação de magias, poderes, armas, escudos e armaduras únicas desbloqueáveis de acordo com o progresso nas interações com as facções disponíveis no jogo.

Porém, se você está esperando um RPG fluido, com comandos responsivos ou inovação no sistema de combate, talvez Elex II não seja para você. Os inimigos, além de muito fortes no começo do jogo (o que pode ser contornado momentaneamente pela seleção de dificuldade), quando se unem aos bugs presentes no combate em áreas abertas, tornam a mecânica nem um pouco chamativa. É tudo muito rígido, difícil de masterizar, pouco recompensador e muitas vezes frustrante.

A experiência “mapa-aberto” é vultuosa, mas sem inovação, lembrando algo como os primeiros Fallout, e o reaproveitamento da ambientação do título anterior é visível, a não ser pelo fato de possuir mais áreas verdes. Porém, apesar da atmosfera bem estabelecida, acessar os destroços de estruturas e áreas remotas em busca de “loot” é uma experiência acompanhada de muitos travamentos. Diversas vezes o personagem ficou preso em algum prédio, dificultando a movimentação, forçando até mesmo a reiniciar o salvamento mais recente para conseguir contornar o erro.

Aliás, esse é outro ponto extremamente importante de ser discutido: a quantidade de salvamentos manuais que eu tive que aprender a fazer. Um dos problemas que Elex II carrega de seu antecessor, é a falta de divisão do mapa-aberto em níveis de dificuldade. Isso significa que, em um momento, você pode estar enfrentando um pequeno lagarto mutante, que com muito esforço pode ser derrotado. De repente, surge uma espécie de cachorro zumbi que em uma investida te faz querer trocar de jogo, então sim, a cada 40 segundos você é tomado por uma vontade incessante de salvar o progresso. Subir de nível em Elex II é um verdadeiro teste de paciência, encontrar e criar itens para Jax, mais ainda.

A variedade de itens é imensa, mas tanto a coleta dos itens para confecção de armas e armaduras quanto o escalamento de níveis e atributos para utilizá-los são extenuantes, o que torna a proporção entre o valor para fabricação e o tempo gasto para a coleta de insumos desanimadora. São horas para se começar a pensar em explorar as áreas iniciais do jogo com certa segurança.

Para quem se identificar com o jogo, apesar de todos os problemas gráficos e mecânica que serão explanados a seguir, pode ser que o sistema de loot e crafting se transforme em algo positivo. É a famosa fórmula viciante da busca por caixas e baús com itens valiosos e nada mais.

GRÁFICOS:

Infelizmente, não foi possível obter uma boa experiência de jogo no Xbox Series S, plataforma em que foi realizada o teste, indicando uma má otimização da experiência para o console. O primeiro título, à época, já apresentava erros semelhantes com os que presenciamos durante o teste, mas algumas capturas disponíveis em outros dispositivos, como o PS5, demonstram os mesmos problemas listados abaixo, mesmo que de forma mais amena.

Os cenários muito bem desenhados são destaque, reproduzindo a temática sci-fi com inclusão de elementos naturais e enormes estruturas tecnológicas coexistindo em meio aos destroços de casas e prédios totalmente exploráveis.

Porém, um incômodo que não pode ser deixado de lado é a frequência com que presenciamos o “efeito stuttering”, travamentos no carregamento de elementos gráficos, indicado por pequenas pausas no jogo com o símbolo de salvamento automático, e a queda frequente de quadros por segundo durante a exploração em ambientes abertos, problemas que são visualmente desconfortáveis e influenciam negativamente na experiência de jogo. Em alguns momentos ocorre até mesmo ausência de texturas, além do efeito “pop-up” (em que os objetos aparecem aleatoriamente durante o seu carregamento).

Confira nossa captura de gameplay:

TRILHA SONORA:

A trilha sonora é simples, com notas orquestrais misturadas com sintetizadores. Não evoca muitas emoções, mas está presente nos momentos certos, seja para identificar a presença de um inimigo, incrementar o combate ou em tempos espaçados durante a exploração do mundo aberto. Cumpre seu papel de preenchimento da lacuna da trilha sonora, mas não comove a ponto de ganhar um lugar de destaque nos pontos positivos.

AS FACÇÕES:

Como prometido no começo do review, deixaremos abaixo as informações sobre as as 5 grandes facções disponíveis para você se juntar: os Berserkers, os Albs, os Otlaws, os Morkons e os Clerics.

Pela primeira vez em um jogo da Piranha Bytes, você pode escolher não se juntar a nenhuma dessas facções e terminar o jogo sem cumprir esse requisito. Entretanto, você deve se juntar à uma facção para conseguir acessar habilidades avançadas e equipamentos específicos de cada classe.

Os Berserkers contam com magia adaptada para o contexto sci-fi de Elex II e não usam nenhuma tecnologia. Essa facção representa a parte da “fantasia medieval”, então se você pretende interpretar um personagem do tipo mago atirador de bolas de fogo, essa facção é a ideal.

Os Albs consomem a energia Elex para melhorar o seu poder de ataque, além de utilizarem equipamentos com tecnologia de ponta como armas de laser ou escudos de energia. Ao invés da magia, eles usam poderem psíquicos (Psi-power) como relâmpagos em cadeia ou auto cura.

Os Morkos vivem em um sistema antigo de túneis, perto de onde Magalan foi atingida pelo meteoro no primeiro jogo. Apenas agora que eles começaram a ter contato com o mundo exterior novamente. Eles são fanáticos, rezam para um deus cruel e usam rituais para se tornarem mais fortes em combate. São ótimos lutadores corpo-a-corpo.

Os Outlaws foram expulsos de sua antiga base, o Fort, que agora está sob controle dos Berserkers. Os remanescentes dos Outlaws agora vivem em Ateris. Eles continuam usando Elex para criar compostos e drogas químicas, que são consumidas para torná-los mais rápidos, fortes e resistentes. Nota: Você só pode se juntar aos Outlaws se você for um membro dos Morkons e tiver alcançado pelo menos o nível 20.

Os Clerics sofreram muito durante os eventos de Elex, perdendo a maioria de seus irmãos e irmãs. Sendo uma facção excessivamente justa e altamente técnica, os Clerics continuam sendo temidos por muitos. Eles usam Elex para tornar as suas devastadoras máquinas de guerra ainda mais poderosas e usam armas com tecnologia de ponta. Nota: Você só poderá se juntar aos Clerics se você for um membro dos Albs e tiver alcançado pelo menos o nível 20.

CONCLUSÃO:

Para aqueles que há muito tempo não se relacionam com um título RPG excepcional (como Dragon Age: Inquisition, The Witcher 3, etc.) e que estejam dispostos a ignorarem falhas técnicas e bugs em prol de uma boa história, Elex II talvez seja uma boa pedida, gerando algumas horas de entretenimento na caçada por itens e desenvolvimento do personagem. Estamos mais uma vez diante de título ambicioso da Piranha Bytes, mas que precisa de muito polimento e atenção dos desenvolvedores para tornar a experiência de todo agradável.

Key cedida para análise do jogo*

#ELEX #THQNordic #PiranhaBytes

Plataformas de lançamento: PC, PS4, PS5, Xbox One, Xbox Series S/X

Data de Lançamento: 01 de março de 2022

Idiomas Disponíveis: Inglês, Alemão, Russo, Polonês, Francês, Espanhol’, Italiano, Chinês e Japonês simplificado.

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Nerds da Galáxia

O post REVIEW | Elex II apareceu primeiro em Nerds da Galáxia.

É inevitável deixar de comentar sobre os momentos de tensão que a mudança drástica no visual da série com a transição do estilo 2D para o 3D em KOF XIV causou à época.

Além de abalar o saudosismo pelos sprites pixelados que beiravam a perfeição, mas que não eram suficientes para competir com outros títulos famosos como Street Fighter V e Mortal Kombat X, a mudança não foi de todo bem feita e muito menos bem recepcionada.

Sendo assim, para espantar os maus espíritos do passado (KOF: Maximum Impact e KOF XIV) e dar esperança a você, fã de KOF ou que sempre quis conhecer a franquia, irei abrir esse review comentando justamente o novo visual da série, além dos pontos positivos e negativos encontrados durante a gameplay.

Novo visual, gráficos e texturas:

Logo de cara, a boa notícia é que The King of Fighters XV dá um passo para frente mirabolante nesse quesito, mostrando que era só questão de tempo (e investimento, obrigado EGDC) para que a turma da SNK pudesse botar a mão na massa e se reinventar de uma forma positiva.

Resultado: uma reprodução com maestria dos icônicos personagens de KOF em um novo modelo gráfico que é de encher os olhos!

Mantendo a ideia de trazer os personagens em 3D com cenários em duas dimensões, as novas texturas aplicadas em KOF XV retiram totalmente aquele toque “seco” da ausência de contornos (o que me fazia lembrar de uma forma muito negativa os jogos da franquia Tekken ou Dead or Alive).

Substituindo por uma proposta infinitamente melhor, o novo estilo mais “cartunizado” dá um ar de sobrevida à KOF, permitindo que o carisma dos lutadores e a identidade da série coexistam junto a outros grandes títulos da categoria, sem a necessidade de estarem presos à modelagem em 2D.

Campanha, personagens e colecionáveis:

Um dos pontos não tão fortes do jogo, o que infelizmente acaba sendo um padrão quando se trata de jogos de luta, é a campanha de The King of Fighters XV.

Introduzida em KOF XIII, o modo campanha tinha um toque de visual novel (estilo bem famoso no Japão, que utiliza imagens estáticas e caixas de diálogo) acompanhada de cutscenes muito bem desenhadas.

Infelizmente, o estilo acabou não agradando muito aos ocidentais, que em sua grande maioria se identificam muito mais com histórias contadas em CGI.

Sendo assim, tentando agradar o máximo de jogadores possíveis, além introduzir KOF XIV para uma modelagem em três dimensões, a SNK introduziu o formato CGI nas cutscenes da campanha e nos diálogos pré-luta (de um jeito um pouco traumatizante).

Mas, para nossa felicidade, a direção artística de KOF XV colocou a mão na massa e transformou o CGI em uma experiência muito mais agradável!

Quanto ao enredo, a história de KOF XV continua diretamente após os eventos da campanha predecessora, mantendo a fórmula torneio + confronto com forças malignas, alterando somente alguns personagens da trama. O produtor Yasuyuki Oda e o diretor criativo Eisuke Ogura já haviam revelado anteriormente que o protagonista da história é Shun’ei, herdeiro dos poderes da entidade Verse e discípulo de Tung Fu Rue.

As semelhanças são tão grandes com o título predecessor, que a impressão que fica é a de que tudo em KOF XV se trata de uma tentativa bem-sucedida da SNK de reparar os erros que foram cometidos seis anos atrás em KOF XIV.

A duração da campanha talvez seja a mais curta de todas, variando de 25 a 30 minutos, contando com 8 lutas e a possibilidade de aplicar um sistema de handicap negativo para o adversário, caso o jogador esteja com dificuldades em vencer o oponente (Ex.: diminuir a barra de vida do adversário em 50% e começar com a barra de energia completa).

Com isso, a maneira que o jogo propõe o fator-replay da campanha se encontra nos colecionáveis:

Algumas conquistas, cutscenes, cenas pós-créditos, músicas e acesso às falas dos lutadores só serão liberados caso você termine a história com times específicos que são indicados na descrição dos extras, sendo que, em alguns casos, constarão apenas dois dos três lutadores necessários, ficando à cargo do jogador descobrir o terceiro lutador misterioso dentro das 37 opções restantes.

A cena pós crédito de time genérico e mais algumas outras de times específicos (Team Sacred Treasures, fica a dica!) deixam pontas soltas que abrem espaço para uma próxima campanha no futuro, então não deixe de conferir todas!

Quanto aos lutadores, a própria página oficial do jogo disponibiliza um guia com o background dos times e dos personagens que se encontram disponíveis até o momento, sendo esses:

• Time Hero: Shun’ei, Meitenkun e Benimaru Nikaido
• Time Ash: Ash Crimson, Elizabeth Blanctorche e Kukri
• Time Sacred Treasures: Kyo Kusanagi, Chizuru Kagura e Iori Yagami
• Time K’: K’, Maxima e Whip
• Time Rival: Heidern, Isla e Dolores
• Time Fatal Fury: Terry Bogard, Andy Bogard e Joe Higashi
• Team Art of Fighting: Ryo Sakasaki, Robert Garcia e King
• Team Orochi: Yashiro Nanakase, Shermie e Chris
• Time Super Heroine: Athena Asamiya, Mai Shiranui e Yuri Sakazaki
• Time Ikari: Leona Heidern, Clark Still e Ralf Jones
• Time GAW: Ramon, Antonov e King of Dinosaurs
• Time Krohnen: Krohnen, Angel e Kula Diamond
• Time Secret Agent: Blue Mary, Vanessa e Luong

Apesar de não contar com nenhuma aparição inédita até o momento, a SNK fez questão de agradar aos “kofeiros” de longa data: o Time Sacred Treasures formado por Iori Yagami, Chizuru Kagura e Kyo Kusanagi, e o Time Orochi, formado por Yashiro Nanakase, Shermie e Chris (vulgo capeta em forma de guri) possuem a mesma formação da clássica saga Orochi do KOF ’97:

Para os mais aficionados com a franquia, não vai ser difícil identificar qual versão de KOF está sendo representada por cada personagem, com base na paleta de customização de cores disponíveis na tela de seleção de lutadores, fora a tonelada de nostalgia presente na sequência de combos (sim, a Chizuru continua extremamente roubada).

E não para por aí! Aumentando ainda mais o hype com o conteúdo extra, a SNK já publicou um trailer com os dois primeiros times a serem adicionados no jogo em formato de DLC. O Time Garou, que dessa vez conta com Rock Howard, Gato e B. Jenet chega ao jogo em março, enquanto o Time South Town, que conta com um dos maiores vilões de todos os tempos, Gesse Howard, e os demais integrantes Ryuji Yamazaki e Billy Kane, chegam em maio. Confira o trailer com a gente:

Para encerrar o tópico dos personagens, um dos pontos mais divertidos são as interações entre alguns personagens específicos antes da luta. Certamente momentos como Andy vs Mai Shiranui vão te render boas risadas!

Mecânica:

A mecânica, para alegria de todos, é talvez o ponto mais forte do jogo. Para aqueles jogadores (como eu) que são péssimos em jogos de luta, ou que estão iniciando na franquia, KOF XV herdou o sistema de Rush Combo do seu antecessor.

A mecânica permite que o jogador pressione repetidas vezes o botão de ataque leve próximo ao oponente para encaixar uma sequência de golpes e ativar no final uma das três variações de golpes especiais, que depende da quantidade de energia acumulada. 

Confira a mecânica sendo utilizada aos 56 segundos da gameplay abaixo:

Para os que já estão acostumados com o ritmo frenético da franquia ou os novos jogadores que quiserem se aventurar em um estilo de jogo mais complexo, o bom e velho MAX MODE e a sua nova versão MAX MODE RÁPIDO ainda é o caminho necessário para que o jogador seja capaz de produzir combos de impressionar os amiguinhos e ser taxado de apelão.

E claro, não poderia faltar os malucos profissionais que já desvendaram combos na casa dos 80 na versão beta do jogo.

Para finalizar o tópico das mecânicas, não poderia faltar a defesa, que agora conta com variações repaginadas do Reverse, Cancel, Super Cancel , Advanced Cancel e Punish, além do novo sistema de parry Shatter Strike, que permite que o lutador gaste uma barra de energia para cancelar alguns combos do oponente e se posicionar em uma área segura.

Modo online e demais modos de jogo:

Se você é um daqueles que teve a experiência horrível de jogar o modo online de KOF XIII e XIV e quase tacou o joystick na parede, deve ter pulado a análise direto para essa seção.

Quanto a isso, lutador, se acalme! KOF XV FINALMENTE trouxe o maravilhoso sistema sólido de rollback netcode, em que o jogador deve escolher previamente o nível de qualidade da internet dos adversários com quem deseja competir, sendo “1” para “péssima” e “5” para “ótima”, tirando da busca aquele(a) sem vergonha que entra no modo online e está sempre com o ping nas alturas (eu ouvi um amém?).

Assim, após jogar algumas partidas, posso dizer que os níveis 4 e 5 são os mais seguros para garantir uma experiência saudável, com alguns poucos travamentos durante as cutscenes de interação dos personagens. Do nível 3 para baixo a experiência é menos atrativa, com diversos lags e perda de frames.

Além do modo online, KOF XV fornece uma variedade imensa de modos de jogos, sendo esses:

• Tutorial: faça, é curto e importantíssimo!
• Versus: modo clássico de luta Time vs Time (3×3) ou Duelo (1×1);
• História: Modo campanha;
• Treino: Modo de treino totalmente customizável;
  • Modos online:
  • Partida Ranqueada: partidas com pontuação que elevam ou diminuem o seu ranking
  • Partida Casual: semelhante ao modo Versus, porém online
  • Room Match: o modo “partida em sala” permite que até 8 jogadores joguem intercalando times, lutadores ou permaneçam apenas como espectadores, interagindo entre si;
  • Online Training: modo de treinamento online totalmente customizável;
• Missões: modo em que o jogador escolhe um lutador para cumprir diversos desafios pré-estabelecidos no jogo.

Trilha sonora:

Por último, mas não menos importante, a Trilha Sonora vem para os amantes do bate-cabeça que só KOF sabe proporcionar.

Além das músicas de KOF XV trazerem os mais diversos temas de times e personagens rearranjados especialmente para o novo título, o menu de colecionáveis ainda traz mais de 300 músicas que podem ser desbloqueadas conforme a jogatina.

Sim, “kofeiro(a)”! Você poderá reviver grandes momentos da franquia desde o primeiro título de ’96, então não deixe de parar para ouvir o tema inesquecível do Kyo Kusanagi de KOF ’97, “Esaka Forever” ou de outros jogos da SNK como Fatal Fury e Metal Slug.

Conclusão:

Resumidamente, The King of Fighters XV, apesar de não oferecer uma das melhores campanhas em jogos de luta, tem tudo aquilo que um jogador do estilo procura: um visual extraordinário, suporte à um online decente, mecânica para iniciantes e uma infinidade de variações para os profissionais, estilo rápido de jogo, trilha sonora espetacular e cenários lindos (ufa!).

“Mas Nerds, mesmo com tudo isso, como saber se o jogo será um sucesso?”

– A resposta, gafanhoto, é simples: comunidade, suporte e conteúdo extra.

O sucesso dos jogos de luta, como outros jogos com foco no multiplayer dependem (além da qualidade do jogo, claro) de uma comunidade forte e que seja envolvida na busca por melhorias e sustentabilidade do game.

Infelizmente, os tropeços com os títulos anteriores abalaram os alicerces da comunidade “kofeira”, mas as melhorias que encontramos em KOF XV demonstram que a SNK ainda possui um carinho pela franquia e que ela também sabe identificar problemas e que está disposta à resolvê-los.

Para encerrar com chave de ouro, a frase “LIVE TO FIGHT ANOTHER DAY!” , estampada no último frame dos créditos, emociona, e acaba se tornando um memorando para aqueles com esperança de ver as suas franquias favoritas retornando com triunfo.

The King of Fighters XV tem tudo para retomar o seu lugar de destaque junto aos outros grandes títulos do gênero, nos proporcionando nostalgia, lutas épicas de se assistir e partidas épicas de se jogar.

• Desenvolvedora: SNK
• Plataformas: Playstation 4, Playstation 5, Xbox Series S/X, PC
• Plataforma de Teste: Xbox Series S
• Data de Lançamento Inicial: 14 de fevereiro de 2022

*Key recebida gratuitamente para review

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