crítica de filme – Nerds da Galáxia

Crítica | ‘Idiotas’ abraça o caos e resgata a essência da comédia anárquica em uma jornada hilária

Beatriz Costa — Wed, 02 Sep 2026 17:19:46 +0000

O Resgate do Humor Escrachado sem Pudores

É possível fazer uma comédia genuinamente engraçada no cinema atual sem se prender a fórmulas politicamente corretas ou lições de moral moralistas? Em Idiotas, a produção aposta todas as suas fichas na comédia física, no humor absurdo e na anarquia visual para entregar um espetáculo de piadas rápidas e situações completamente fora de controle. O longa resgata o espírito de clássicos do besteirol, priorizando o riso frouxo do espectador do início ao fim.

A trama acompanha um grupo de amigos de inteligência duvidosa que se envolve por acidente em uma teia de confusões absurdas. Em vez de tentar articular uma trama refinada, o roteiro abraça a estupidez consciente dos personagens e a utiliza como motor principal para cada gag visual e diálogo nonsense. A direção demonstra um excelente timing cômico, sabendo exatamente quando acelerar o ritmo das piadas ou esticar o silêncio de uma cena para potencializar a vergonha alheia.

A coragem de abraçar o ridículo sem medo do julgamento torna o filme uma grata surpresa para quem sente falta de uma comédia descompromissada e focada unicamente no entretenimento puro.

Timing Cômico Impecável e a Força do Elenco

O grande motor que faz Idiotas funcionar tão bem é a sintonia do elenco principal. Os atores entregam performances físicas entregues ao ridículo, transmitindo uma sensação de improviso que confere frescor a cada sequência. A dinâmica entre o grupo é tão natural que mesmo as piadas mais previsíveis ganham peso pelo talento dos intérpretes.

A direção de fotografia e a montagem agilizada trabalham a favor do ritmo frenético da narrativa, garantindo que o filme não perca o fôlego ao longo de seus atos. O design de produção e os figurinos também colaboram para acentuar o visual caótico e divertido da história, criando um ambiente perfeito para que o humor politicamente incorreto floresça.

Embora o excesso de piadas em ritmo acelerado possa cansar em determinados momentos ou soar apelativo para o público mais conservador, a obra nunca esconde sua verdadeira proposta: ser um refúgio de gargalhadas genuínas no meio da rotina.

O Veredito de um Entretenimento Leve e Despretensioso

Idiotas se consolida como um respiro necessário no gênero da comédia. Ao recusar pretensões intelectuais e abraçar a tolice como forma de arte, o longa entrega uma experiência extremamente divertida e revigorante.

O filme é uma recomendação certeira para quem busca desligar o cérebro e se divertir com uma boa dose de caos e risadas desinibidas.

Você é fã de comédias no estilo besteirol e humor absurdo? Ficou com vontade de assistir ao filme? Deixe suas impressões nos comentários!

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Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

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Crítica | ‘Minha Filha é um Zumbi’ surpreende ao equilibrar humor pastelão e uma emocionante história de amor paterno

Beatriz Costa — Mon, 24 Aug 2026 15:06:30 +0000

A Leveza Inesperada no Meio do Apocalipse

É possível encontrar sensibilidade, calor humano e risadas genuínas em uma história sobre mortos-vivos? Em Minha Filha é um Zumbi, o cinema sul-coreano reafirma sua capacidade única de reinventar gêneros saturados ao entregar uma obra que mistura comédia pastelão, drama familiar e elementos de apocalipse zumbi. O longa se afasta da violência desenfreada do horror tradicional para focar no amor incondicional de um pai disposto a tudo para proteger sua filha infectada.

A narrativa acompanha a rotina absurda de um pai que descobre que sua jovem filha se transformou na última zumbi do mundo. Em vez de abandoná-la ou entregá-la às autoridades, ele decide escondê-la na casa da avó, no interior, criando situações hilárias para tentar reeducá-la e reumanizá-la. O roteiro abraça o absurdo da premissa com leveza e inteligência, transformando o treinamento da jovem em uma sequência de gags cômicas eficientes.

A direção consegue dosar o ritmo com habilidade, permitindo que as cenas de humor físico convivam em harmonia com momentos de pura ternura familiar. A ambientação bucólica da vila interiorana serve como o cenário perfeito para contrastar com a natureza caótica da epidemia.

Atuações Carismáticas e a Força do Vínculo Familiar

O grande destaque de Minha Filha é um Zumbi reside na química impecável entre o elenco principal. A interpretação do pai transmite com perfeição o esgotamento físico e a dedicação cega de quem recusa desistir da própria família. Por outro lado, a atriz que interpreta a filha entrega uma performance física notável, conseguindo expressar vulnerabilidade e carisma mesmo sob a caracterização de zumbi e sem pronunciar palavras inteligíveis.

A presença da avó traz uma camada extra de humor e aconchego à produção, funcionando como um pilar de apoio emocional no cotidiano surreal da casa. O design de maquiagem e os efeitos visuais optam por um estilo mais leve e acessível, evitando o gore excessivo para manter o filme atraente para públicos diversos.

Apesar de algumas facilidades narrativas e de um terceiro ato que pesa um pouco mais a mão no tom dramático, o filme não perde sua essência acolhedora e consegue emocionar o espectador com naturalidade.

Um Achado Empolgante para o Cinema de Entretenimento

Minha Filha é um Zumbi se consolida como uma grata surpresa ao provar que o subgênero de zumbis ainda tem espaço para histórias originais e tocantes. Ao priorizar o afeto familiar em detrimento do susto fácil, a produção entrega uma experiência divertida e surpreendentemente comovente.

O longa é uma excelente recomendação para quem busca uma comédia leve, criativa e com grande apelo emocional.

O que você faria se precisasse cuidar de um familiar transformado em zumbi? Gostou da premissa do filme? Deixe seu comentário e compartilhe suas impressões!

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Crítica | ‘Ópera – Canção para um Eclipse’ hipnotiza ao fundir música, poesia e isolamento em uma jornada sensorial

Beatriz Costa — Thu, 20 Aug 2026 19:37:57 +0000

A Harmonia Entre a Arte Operística e a Linguagem Cinematográfica

É possível transformar a grandiosidade de uma estrutura teatral e lírica em uma experiência cinematográfica intimista e avassaladora? Em Ópera – Canção para um Eclipse, a distribuição da Imovision apresenta uma obra que desafia os rótulos tradicionais do cinema autoral. O filme utiliza a música dramática e o conceito de um eclipse iminente para guiar o espectador por um labirinto de emoções que envolve solidão, paixão e transformação espiritual.

A trama se constrói como uma verdadeira peça em atos, onde cada cena parece ensaiada para extrair o máximo de poesia dos encontros e desencontros de seus personagens. À medida que o fenômeno celeste se aproxima, as tensões acumuladas vêm à tona em um crescendo dramático marcado por composições marcantes e um uso impecável do silêncio. A direção recusa o caminho do melodrama fácil e aposta na construção de atmosfera, permitindo que a imagem e o som contem a história por si sós.

A proposta de unir a estética da ópera à linguagem do cinema ressoa como um exercício estético ambicioso. O resultado é uma obra instigante, que convida o público a se desligar do ritmo acelerado do cotidiano para se imergir completamente na proposta lírica da produção.

Atuações Expressivas e um Design de Som Arrebatador

O maior trunfo de Ópera – Canção para um Eclipse reside na entrega do seu elenco principal, que consegue transitar entre a teatralidade da ópera e a sutileza da interpretação para as telas. Sem depender de diálogos explicativos, os atores utilizam a expressão corporal, o olhar e o alcance vocal para transmitir o peso psicológico de viver à sombra de um evento transformador.

A direção de fotografia valoriza o contraste entre sombras profundas e fachos de luz natural, simulando a penumbra que antecede o eclipse e criando quadros esteticamente impecáveis. Somado a isso, o trabalho de design de som e trilha sonora surge como o verdadeiro pilar da narrativa, reverberando a melancolia e o desejo dos personagens de forma que ecoa na sala de cinema com potência impressionante.

Embora o ritmo pausado e a narrativa altamente contemplativa possam afastar os espectadores habituados a produções comerciais, a cadência rigorosa é fundamental para que o impacto poético da história amadureça e ganhe a força necessária em seu desfecho.

Um Convite Imperdível ao Cinema de Sensações

Ópera – Canção para um Eclipse se consolida como uma celebração da arte em sua forma mais pura. Ao articular a música lírica com o rigor estético do cinema contemporâneo, o longa entrega uma jornada hipnotizante e memorável.

O filme é uma recomendação indispensável para quem busca uma experiência diferente nas salas de cinema, pautada pela sensibilidade visual e pelo apuro auditivo.

O que você acha da união entre a ópera e o cinema autoral? Ficou curioso para assistir? Deixe suas impressões nos comentários!

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Devoradores de Estrelas prova que o livro ainda supera o cinema

Nerds da Galáxia — Thu, 02 Apr 2026 12:24:46 +0000

Entre a fidelidade visual e a pressa narrativa: Ryan Gosling brilha em uma produção que encanta os olhos, mas simplifica a genialidade científica da obra original.

A frase “o livro é melhor que o filme” foi verdade mais uma vez. Essa é a sensação que fica após assistir Devoradores de Estrelas, mas nem por isso, essa afirmação é uma crítica forte a adaptação.

Com uma ótima atuação de Ryan Gosling, que consegue trazer as telas toda a essencial de Ryland Grace e uma ótima caracterização de seu amigos alienígena Rocky, não dá para negar que o filme fez escolhas maravilhosas.

Ver o Rocky se tornar realidade é algo mágico para quem leu os livros e com certeza algo inesperado, mas incrível, para quem vê a história pela primeira vez. Ele entra para a classe de personagens secundários, não humanos, que ganham o coração do público, com Yoda e Groot.

Talvez não seja uma boa levar as crianças se você não quer acabar tendo que comprar uma pedra com braços para levar para casa (alguns adultos podem não se aguentar também), pois é impossível não se apaixonar e torcer pelo personagem.

Devoradores de Estrelas prova que o livro ainda supera o cinema. Com Ryan Gosling e Rocky, a adaptação encanta visualmente, mas sofre com a pressa do roteiro e a falta de profundidade científica. Confira nossa análise completa da obra!

A Química Impecável entre Ryan Gosling e o Fenômeno Rocky

Enquanto isso, Gosling prova mais uma vez para a gente como é um dos atores que vai ser lembrado para sempre pela nossa geração, nos mostrando que consegue ter química até mesmo com pedras (Stone e Rock são pedra em inglês, piada rs).

Assim como no livro, Grace leva tudo com muito humor, e é impossível não sentir empatia pelo personagem e também dar uma risadinha com seu jeito de ser. O coração dos fãs deve ficar bem aquecido com a escolha do ator, que soube adaptar o personagem de forma maravilhosa, trazendo toda a essência que o faz ser quem é.

Infelizmente, o roteiro não ajuda. Se podemos destacar como ponto principal e central do filme, a linda fotografia e o fato de que não foram usadas telas verdes, junto com a perfeita caracterização, podemos criticar a pressa da história, que pecou em fazer cortes que poderiam ter trazido ao filme mais camadas.

O Desafio de Adaptar a Profundidade Narrativa em Tempo Recorde

As mudanças feitas pelo roteiro em geral foram boas e inteligentes, mas é impossível não perceber essa vontade de que a história corra o mais rápido possível para fechar em um tempo limite. Quem não leu o livro, pode ficar com a sensação de que algo na história falta, e quem leu, vai ter um pouco de expectativa quebrada ao não ver momentos marcantes da forma que imagina nas telonas.

O que mais peca nessa questão é que a adaptação tirou muitos pontos importantes para deixar a história mais humana.

Grace acorda de seu coma e vê seus companheiros mortos, o que torna ele um homem sozinho no espaço. Enquanto ele recobra sua memória, ele vive um luto e essa dor, nos faz sentir pena dele e também de seus companheiros. Nas páginas entendemos mais quem eles eram e também a relação que Grace tinham com eles durante o treinamento da missão. Já no filme, não entendemos quem são ou suas motivações para estar ali e assim, não nos conectamos com eles, deixando a situação menos pesada do que deveria, tirando todo o peso da solidão e frustração para dar impacto ao perigo vivido ali.

Também não temos tanto do passado de Grace em si, sabemos que ele é solitário, sabemos que perdeu seu grande amor, mas isso é pouco explorado. Os flashbacks do passado são muito mais corridos e não há aprofundamento sobre quem ele foi.

O Equilíbrio entre a Ciência de Andy Weir e o Espetáculo Visual

Se o livro passa muito tempo nas explicações científicas de tudo o que acontece e também nas questões pessoais, o filme nos entrega mais em relação a interação humana com um alienígena.

Isso noa é uma crítica. Até porque quem leu o livro com certeza estava na expectativa de ver esses dois interagindo e a adaptação entrega isso de forma linda e que aquece o coração. Mas até nisso, tiveram pressa.

Rocky é mostrado para gente muito mais cedo e toda a relação deles se desenrola com muito mais rapidez. Passando até uma sensação de que Rocky é um personagem extremamente ansioso e que necessita estar colado a Grace para tudo.

Quase não temos a exploração de quanto esses dois personagens são inteligentes. As habilidades de Rocky são mostradas, porém de forma bem rasa. Falta sentirmos a admiração que Grace sente por ele nos livros, falta entendermos como a ciência conecta os dois e como a proximidade deles chega justamente ao ponto da necessidade de salvar seus povos, mesmo que isso signifique acabar com suas próprias vidas.

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A Exploração de Rocky e a Solução dos Conflitos

Nosso amigo “de pedra” é muito mais explorado no sentido de quem ele é e de suas habilidades nos livros. No filme é quase como se ele realmente só estivesse lá para ser um ponto de humor, para ser um enfeite divertido.

Também não entendemos muito bem como os dois resolveram o problema que os levou ali. Enquanto o livro perde páginas e mais páginas para explicar a forma como eles solucionam cada pequena coisa. Aqui tudo fica na ideia de que conseguiram. A tensão e os desafios são menores e muito mais facilmente contornados, tirando o peso da “ameaça invisível” que estão lutando contra.

Dito isso, não tem o porque deixar de ir ao cinema. Na verdade Devorador de Estrelas é o tipo de filme que DEVE ser visto nas telonas, ele é feito para isso e com certeza, se você é um grande fã do cinema e da ficção científica, vai sair extasiado e muito satisfeito. É um deleite poder ver uma produção tão bem feita e que teve um cuidado mais do que perceptível de todos que trabalharam nela.

Impossível não se divertir e se apaixonar por essa história, que consegue ser genial independente de como você escolha consumi lá. Nos faz sair da nossa realidade e explorar possibilidades inimagináveis, nos lembrando de como o entretenimento pode nos salvar todos os dias.

Como diz o Rocky: “AMAZE, AMAZE, AMAZE”

Por Isabela Zanardi

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Você Precisa Ver: “Meu Pior Vizinho” é a Comédia Romântica Coreana Essencial Sobre Viver em Cidades Grandes

Beatriz Costa — Wed, 12 Nov 2025 20:09:26 +0000

Vizinhos Barulhentos e o Preço da Solidão Urbana

Será que a solidão das grandes cidades nos condena a nos apaixonarmos apenas por quem mora ao nosso lado? Essa é a premissa instigante de “Meu Pior Vizinho” (Binteumeotneun Sai), a nova comédia romântica sul-coreana que chega aos cinemas brasileiros pela Sato Company. O longa, que segue a clássica e viciante fórmula enemies to lovers (inimigos que se apaixonam), promete ser mais do que apenas um conto de fadas previsível. O filme convida o espectador a refletir sobre a vida moderna, a dificuldade de conexões na idade adulta e o isolamento que paradoxalmente cerca a superpopulação das metrópoles.

A trama nos apresenta a Lee Seung-jin (interpretado por Ji-Hoon Lee), um jovem músico que acaba de se mudar para um novo apartamento. Seus dias, dedicados aos ensaios, rapidamente se transformam em um pesadelo acústico. Inicialmente, Seung-jin suspeita de um fantasma, um divertido e inesperado desvio cômico do gênero, mas logo descobre que a fonte dos barulhos infernais e das perturbações é muito mais real e teimosa: sua vizinha de parede, Hong Ra-ni (Seung-Yeon Han).

**O Enemies to Lovers Através da Parede Fina**

Ra-ni, uma designer reclusa que trabalha em casa, é notoriamente conhecida no prédio por sua missão pessoal: infernizar a vida de qualquer vizinho que se atreva a morar ao lado, forçando-os à desistência. Ela não quer ser incomodada e usa táticas absurdas, de barulhos incessantes a histórias inventadas, para garantir sua paz e isolamento. É aqui que o conflito se estabelece de forma clara: o músico que precisa de espaço para treinar contra a designer que anseia por silêncio.

Com paredes finas, que permitem que cada som, cada murmúrio e cada artimanha de Ra-ni sejam ouvidos por Seung-jin, o palco está montado para um ódio que, como manda o clichê, é o prenúncio de um romance. O filme não tenta esconder suas referências, inclusive sendo inspirado em outra comédia romântica, Um Amor Inesperado. No entanto, ele encontra sua voz ao adaptar a dinâmica para a realidade sul-coreana, onde o flerte é sutil, e a aproximação é lenta, muitas vezes mediada apenas pelas conversas atravessadas pelas paredes que os separam.

O grande diferencial de Meu Pior Vizinho reside em seu subtexto social. A produção utiliza a jornada de Seung-jin e Ra-ni para tecer um comentário perspicaz sobre a solidez da solidão nas cidades grandes. Ambos são personagens profundamente sozinhos, vivendo em espaços apertados e dedicados ao trabalho, sem tempo ou oportunidade para conexões sociais significativas. O relacionamento, que floresce a partir da hostilidade e se desenvolve através da comunicação forçada pela vizinhança, é um espelho de como as pessoas, mesmo fisicamente próximas, dependem de circunstâncias incomuns para quebrar o ciclo do isolamento.

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Clichê que Funciona e a Data de Estreia nos Cinemas

O filme é honesto sobre sua natureza. Ele se vale de todos os clichês adoráveis das comédias românticas e é exatamente isso que a audiência busca. A química entre Seung-jin e Ra-ni é palpável, fazendo com que o público ria, suspire e, inevitavelmente, torça pela superação desse ódio inicial. A plateia não vai ao cinema para se surpreender com o final, mas sim para apreciar a jornada engraçada e carismática que leva a ele.

Ao misturar humor genuíno, como a hilária confusão do “fantasma”, com uma base realista sobre a dificuldade de fazer amigos na vida adulta e a complexidade da vida em grandes cidades, Meu Pior Vizinho transcende a superficialidade. Ele funciona perfeitamente como entretenimento de distração, mas também oferece um pano de fundo relacionável para quem vive a rotina urbana.

Não perca a chance de conferir o desenvolvimento desse “ódio fofo” nas telonas. Meu Pior Vizinho estreia nos cinemas brasileiros no dia 13 de novembro.

Divulgação / Sato Company

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Beatriz Costa

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Velozes e Furiosos 10 | A maior ameaça da franquia com voltas espetaculares e novas continuações

Enzo Sapio — Thu, 18 May 2023 00:55:50 +0000

Após enfrentar seu irmão, Jakob (John Cena), em mais uma investida da terrorista Cipher (Charlize Theron), a família de Toretto enfrentará, definitivamente, o maior vilão que já lidaram, com os eventos de “Velozes e Furiosos 5: Operação Rio” fortemente interligados com a origem do antagonista. Velozes e Furiosos 10 chega completando mais de 22 anos de existência da saga nas telonas. Diante de saltos de prédios em Abu-Dhabi, perseguição de submarinos na Antárctica, missões no Espaço e diversos aparatos tecnológicos, o décimo filme da franquia equivale o mesmo sentimento que “Vingadores: Guerra Infinita” significou ao Universo Cinematográfico da Marvel.

Poster de Velozes e Furiosos 10. (Foto: Reprodução/ Universal Pictures)

Com um gasto exorbitante, novas adições para a franquia e voltas de grandes conhecidos da saga, Velozes e Furiosos 10 cumpre sua função como um mirabuloso espetáculo de ação típico da saga, recheado de cenas desse tipo no longa. Com atuações bem medianas e um grande holofote – de maneira super justa, graças ao seu belo trabalho – em Jason Momoa como Dante, Velozes e Furiosos 10 leva a franquia a um estado mais sério, honrando os fãs dos filmes e já anunciando uma despedida muito em breve das telonas – sendo o principal atrativo de “quero mais”.

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência em assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta ou uma resposta definitiva para a sua dúvida de assistir ao filme ou não. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

Atuações

A franquia de Velozes de Furiosos nunca foi de exigir grandiosas atuações de seu elenco, até por ser um filme de ação bem frenético que se vende pela construção das coreografias de perseguições e de lutas. Assim como antes, Velozes e Furiosos 10 leva um trabalho bem “OK” cenicamente, com exceção de Jason Momoa como Dante, o antagonista da produção.

Jason já tinha revelado sua ansiedade e alegria com seu primeiro papel vilanesco nos cinemas, até definindo sua escalação para Velozes e Furiosos 10 como “importante” para sua carreira. Todo o carisma do ator, famoso pelo seu papel como Aquaman, foi refletida para um tom mais sádico. Uma vez que iniciei as comparações com o universo dos super-heróis, seu papel lembra uma forte inspiração ao Coringa em aliar a vertente brincalhona e descontraída com o da peversão e crueldade: ora divertido, ora amedrontador. Sem dúvidas, Jason Momoa é o que mais se destaca em Velozes e Furiosos 10, com uma boa vantagem.

Brie Larson, Alan Ritchman e Daniela Melchior, como novos participantes, não tiveram tanto tempo de tela para brilharem, pesando muito mais para Melchior e muito menos para o personagem de Ritchman, que até conseguiu provar seu valor no final do filme, em um desenvolvimento de roteiro inesperado.

Jason Momoa é o brasileiro Dante. (Foto: Reprodução/ Universal Pictures)

A mesma situação vale para Nathalie Emmanuel, que não conseguiu demonstrar uma evolução na sua personagem, assim como a Jordana Brewster. Os papéis de Ludacris e Tyrese Gibson se sobrecarregam, não funcionando suas interações cômicas e fazem um copia e cola dos trabalhos anteriores, movimentação contrária comparada ao papel de Michelle Rodriguez, que cada vez mais mostra ser badass.

Dentre as figuras já conhecidas da saga, a figura imponente de Charlize Theron como Cipher e o alívio cômico trazido por Jakob, de John Cena, são os que mais abrilhantam Velozes e Furiosos 10, muito pelo fato do ineditismo desses personagens trabalhando em conjunto com a Família.

O final de Velozes e Furiosos 9 já revelou Jakob se reconciliando com seu irmão, Toretto. Porém realmente uma cena em conjunto de Jakob como membro da Famíla de Toretto estava em falta – até Velozes e Furiosos 10. Já Cipher mostrou uma sensação de que a qualquer momento sua parceria poderia ser um plano de fachada e ser mais um vento no vendaval, que fez com que sua personalidade e sua história já construída na franquia continuasse retilínea e condizente, além de trazer ao telespectador a mesma vibe de incerteza levantada pelos personagens mais antigos da Família.

Roteiro e Cenas de ação

Velozes e Furiosos 10 é o grande ponto da saga em questão de construção narrativa, embasada totalmente nos demais títulos anteriores. Claro que, a partir do segundo filme, sempre teve as referências ali ou acolá, seja com uma participação de tal personagem ou menções, só que o décimo filme da franquia vai mais além e reforça ainda mais seu universo cinematográfico, sem grandes novidades e estas mesmas dentro de algo já estabelecido, como o caso da Tess, personagem de Brie Larson, que se revela como a filha de Mr. Nobody (Kurt Russel).

A decisão foi certeira para garantir uma maior firmeza da história. O que faz sentido pela proposta de background do vilão Dante, fortemente relacionado ao roubo de cofre realizado por Dom Toretto e Brian (Paul Walker) em “Operação Rio”, e pelo clima de despedida que a Universal Pictures já começou a aderir. Não é à toa a comparação com “Guerra Infinita” da Marvel Studios: a chegada de um grande vilão que colocará a equipe de heróis em grandes conflitos, com tragédias, união de personagens movido para um bem maior, separação de times, recorrentes referências a outras produções do universo da saga e muitas situações mal-resolvidas para o que vem a seguir.

Cena de Velozes e Furiosos 10. (Foto: Reprodução/ Universal Pictures)

Outro ponto positivo no roteiro de Velozes e Furiosos 10 foi a construção das cenas de ação. Embora que bem similares aos que já foram apresentados nos outros filmes de Velozes e Furiosos, ainda perpetua grandes tiradas de ação que te deixam sem ar. Velozes e Furiosos 10 abusa de coreografias de lutas corporais e utilização de cenas com carros e aviões.

Como nem tudo são flores, obviamente que Velozes e Furiosos 10 mostrou algumas falhas que atrapalharam minha experiência, com a maior de todas sendo os diálogos marjoritariamente amostrando lições de moral. Sei que é lindo e acabou virando uma caricatura – não tão positiva, mais pendendo ao lado sarcástico – a valorização da “família”, porém foi massivo e desgastante a maioria das falas entre os personagens do núcleo de Dom Toretto usadas para elucidar lições de vida e frases motivacionais, que tornaram as relações muito robóticas – somando ao fato das ações não serem marcantes – e nada naturais.

Para concluir, outro ponto que é justificável mas é algo negativo dentro do trabalho da equipe de escritores de Velozes e Furiosos 10 é a falta de tempo para desenvolver melhor os arcos das personagens de Brie Larson e Daniela Melchior, que me deixaram com uma impressão incompleta. Suas importâncias foram claras, porém faltou mostrar ainda mais a capacidade dessas duas grandes atrizes. Alan Ricther conseguiu, pelo final, provar a que veio, mas, mesmo assim, convém acrescentá-lo à crítica. Pelo fato do Brasil ser ponto chave para entendimento da história, os personagens mal ficaram no país e o papel de Luis da Silva Jr. foi bem abaixo.

Cena de Velozes e Furiosos 10. (Foto: Reprodução/ Universal Pictures)

O que você deve saber sobre Velozes e Furiosos 10

Em resumo, os fãs da saga Velozes e Furiosos podem ir tranquilo quanto à qualidade de Velozes e Furiosos 10. Para os telespectadores que ficaram enferrujados e não acompanharam os demais filmes que antecedem o décimo, ficarão perdidos sobre as dinâmicas de relação dos personagens pela forte relação que a narrativa traz com os acontecimentos passados da saga, mas vão conseguir acompanhar a história central, pelo menos.

As cenas de ação continuam apresentando cenas fortes e não tão realísticas com carros, como uma figura carimbada da franquia, só que desta vez em um nível menor que o Velozes e Furiosos 9 – afinal, o que consegue superar uma missão no espaço? A superação, no entanto, será definida nos plots que vão se desenrolar em Velozes e Furiosos 10, até o grand finale que marcará por si só a saga, com grandes voltas de personagens e a sensação de que mais está por vir.

Ah, e lembrem de ficar depois dos créditos para ver a grandiosa cena pós-crédito de Velozes e Furiosos 10!

Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou jornalista pós-graduado em Jornalismo Cultural, completamente enlouquecido por cinema. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, tentando ser gamer e sou um jogador combeiro de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos (principalmente dos brasileiros), amo rock e músicas antigas no geral e coleciono crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Se eu tiver algum dinheiro extra, saiba que não terei por muito tempo: sempre acho algum novo periférico gamer, funko pop e/ou baldes e copos temáticos que com certeza justificam minha aquisição. Então, se quiser ajudar um necessitado, mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

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Air: A História por Trás do Logo: Ben Affleck retorna triunfo após DCEU em filme forte ao Oscar 2024.

Enzo Sapio — Sat, 25 Mar 2023 22:02:31 +0000

Um Filme que fala do Air Jordan? Saiba o porquê.

A cultura pop teve sua grande ascensão nos anos 80 e 90. Com uma maior idealização do entretenimento e do modo de viver a vida com mais intensidade, o período da década de 1980 impulsionou grandes marcos da música, tecnologia, cinema e vestuário, que refletiram diretamente na cultura popular que nós conhecemos, atualmente. Sem o Game Boy, o que seria da Nintendo? Sem o hip-hop e os festivais de música, como Rock in Rio, o que seria da indústria musical? E o que seria dos tênis e de toda sua cultura consumista sem a criação da linha Air Jordan da Nike?

As respostas para as perguntas acima não sabaremos, mas nós idealizamos que sejam resultados que tendenciam mais para o lado negativo do que positivo, certo? Bem, é sobre esse ‘boom’ lifestyle dos anos 80 que “Air: A História por Trás do Logo” se passa, centrando na história verídica dos executivos da Nike em uma batalha complicada para estar entre as maiores empresas de vestuário dos Estados Unidos.

O filme ganhou grande destaque na mídia após registrar 100% de aprovação no maior site de críticas de Hollywood, a Rotten Tomatoes, com 18 críticas publicadas. No IMDB, a mesma filosofia de sucesso segue também, com uma pontuação de 8,5.

Cartaz de “Air”. (Foto: Reprodução/ Warner Bros)

Só é “complicado”, pois mesmo que a empresa norte-americana seja líder no ramo de tênis de caminhada e roupas esportivas, sua área de relevância nos esportes era baixa, sobretudo no basquete, o esporte mais praticado e consumidos pelos americanos. A Converse, empresa dos famosos “All Star”, e a Adidas reinavam nos esportes – exatamente nessa ordem de dominância -, então a Nike se vê em uma crise, desesperada para achar algum atleta bom e barato, aos moldes da empresa, para colocá-la no topo.

Seguindo uma linha de pensamento de contratar atletas mais ofuscados com um futuro promissor na NBA, um executivo decide tomar um rumo oposto e apostar todo o dinheiro do departamento esportivo da Nike em um jovem atleta: Michael Jordan.

Equipe Técnica

“Air: A História por Trás do Logo” é dirigido, produzido e estrelado por Ben Affleck (Liga da Justiça, Batman Vs Superman: A Origem da Justiça), interpretando o fundador da Nike Phil Knight no seu quinto longa-metragem que o multifacetado ator dirige. Para quem não se recorda, Afleck dirigiu os filmes “Medo da Verdade (2007)”, “Atração Perigosa (2010)”, “A Lei da Noite (2016)” e “Argo (2012)” – pelo qual ganhou o Oscar de ‘Melhor Filme’ em 2013.

Matt Damon (Perdido em Marte) é o protagonista Sonny Vaccaro, chefe da marca esportiva e de calçados Nike, que planta essa locura de ir atrás de Michael Jordan diante de uma disputa financeira com empresas rivais de mais alto calibre. Matt está de volta em mais um filme de época após o sucesso “Ford vs Ferrari (2019)”, também como produtor de “Air”.

Cena de “Air: A História por Trás do Logo”. (Foto: Reprodução/ Warner Bros)

Viola Davis (A Mulher Rei), Julius Tennon (A Mulher Rei – marido de Viola na vida real), Matthew Maher (Funny Pages), Chris Tucker (A Hora do Rush), Jason Bateman (Ozark), Chris Messina (Projeto Mindy) e Marlon Wayans (Todo Mundo em Pânico) compõe o elenco do drama esportivo “Air: A História por Trás do Logo”.

Escrito pela roteirista Alex Convery – que marca sua estreia em uma grande produção – e produzido pelas produtoras Skydance Productions e Amazon Studios – primeiro filme da Amazon a estrear nos cinemas sem simultaneadade com a Prime Video, depois de “Talk-show – Reiventando a Comédia (2019)” -; “Air: A História por Trás do Logo” estreia nos cinemas brasileiros no dia 6 de abril.

A Nerds da Galáxia foi convidado em uma cabine de imprensa pela distribuidora do filme, a Warner Bros, na última sexta-feira (26). Fica registrado o nosso agradecimento. Confira a crítica sem spoilers abaixo.

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência em assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta ou uma resposta definitiva para a sua dúvida de assistir ao filme ou não. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

Cena de “Air: A História por Trás do Logo”. (Foto: Reprodução/ Warner Bros)

Crítica de “Air: A História por Trás do Logo”

Sabemos que não é nada fácil prender o leitor em um filme baseado em fatos reais, especiamente se tratando de grandes eventos mundiais. Afinal, o espectador já sabe o que acontece, o que deixa o processo mais desmotivado.

Porém, não é o que acontece em “Air: A História por Trás do Logo“. O senso de humor da roteirista, Alex Convery deixa o longa mais divertido, enquanto seu senso realístico possibilitou contar uma trama cheio de burocracias e expressões, que costumam atrair somente pessoas ligadas à negócios e gestões empresariais e os fãs de basquete, de forma muito destrinchada e leve para espectadores que até mesmo são completamente leigos sobre esportes e negócios.

Aderindo um estilo meio documentário para o filme, “Air: A História por Trás do Logo” é imersivo quanto à ambientalização dos anos 80 e ao contexto de disputa empresarial. Sobre o primeiro tópico, o longa se compromete a mostrar, de forma não-verbalizada, como que o americanos estão consumido mais e se importando mais com a cultura e o lifestyle, já de início preparando o terreno para entendermos não somente o estilo de vida e a tendência dos anos 80, mas sim principalmente para compreender a crucialidade das empresas em surfar nessa ‘moda’, a fim de captar mais clientes, visando mais lucros.

Cena de “Air: A História por Trás do Logo”. (Foto: Reprodução/ Warner Bros)

É exatamente esse o ponto que torna a disputa empresarial entre Nike, Adidas e Converse muito fácil de compreensão para o leitor, com direitos a até números pingando na tela para elucidar melhor o público. “Air: A História por Trás do Logo” vai certamente te lembrar de “The Office (2005-2013)”, com as piadas bobas em meio a um cenário de escritório que vão te fazer dar umas gargalhadas.

Por falar em piadas, todos concordamos que a atuação está diretamente envolvida no poder de humor, não basta a própria ideia em si. As escalações de Marlon Wayans, Chris Messina e Chris Tucker foram grandes fontes da graça do filme. Alías, a direção de Ben Affleck foi sob medida, atendendo todos os pontos fortes de cada atriz e ator de “Air“.

Matt Damon e o próprio Ben Affleck são um misto de versatilidade, intercalando em Damon como um personagem inspirador e visionário, com um toque satírico; e Affleck como o grande CEO preso em sua bolha, algumas vezes não compreendido pelos funcionários.

Sem dúvidas, Viola Davis e Jason Bateman também merecem um reconhecimento. Viola é a Viola, não tem como presenciar uma atuação mediana para baixo vindo dessa grande atriz EGOT, apostando na mesma caricatura séria e postura ‘casca grossa’ como a mãe de Michal Jordan e a principal conselheira do atleta diante do mercado. Bateman explorou seu lado aflituoso e dramático no personagem Rob Strasser, com medo de toda a situação arriscada da Nike, assim como ficou conhecido na série da Netflix “Ozark”.

No geral, os atores fizeram seus “arroz com feijão”, sem nenhum destaque cênico ou um trabalho fora da curva pelo qual será lembrado. A intenção de “Air” não foi essa, com o conjunto e a química muito contagiante entre os atores passando por osmose das telas para os nossos sentimentos como telespectadores.

Cena de “Air: A História por Trás do Logo”. (Foto: Reprodução/ Warner Bros)

Então, vale a pena ver o filme?

Sim, vale muito a pena! As quase 2 horas de duração de “Air: A História por Trás do Logo” te fazem encantar com a história tratada, cheia de esperanças, inspirações, afetos e confianças – que deveriam vir na bagagem nos trabalhos de qualquer setor, na relação de empregado e chefe. De forma muito leve e fácil de entender, os espectadores fazem parte da história com o belo trabalho de edição e da direção de arte – que com certeza marcarão uma indicação ao Oscar de 2024 -, e de brinde ganham um filme divertido escrito de forma especial pela roteirista e bem dirigido por Ben Affleck, consequentemente se espandindo para o time renomado de atores e atrizes.

Ao mesmo tempo que “Air: A História por Trás do Logo” traz uma novidade de dar as maõs com um estilo documentário e de ter muito orgulho disso, o filme ainda segue à risca a fórmula dos longas verídicos e usufrui de velhas artimanhas cênicas dos atores, que podem desapontar caso esperem um ‘filmão’ com desempenhos espetaculares.

Se apoiando em grandes produções, como “Fome de Poder (2016)”, o filme une o entretenimento com informação, no momento mais do que certo em contar todo o triunfo da Nike e de sua linha fenômeno Air Jordan.

“Air: A História por Trás do Logo” estreia no dia 6 de abril nos cinemas

Enzo Sapio

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Creed III | A franquia se mostra poderosa e autossuficiente sem a necessidade de Rocky Balboa.

Enzo Sapio — Thu, 02 Mar 2023 04:27:22 +0000

Creed III já está entre nós! Depois de mais de 4 anos dos eventos do segundo filme, que contou com Sylvester Stallone no papel do lendário Rocky Balboa, o terceiro filme estrelado por Michael B. Jordan inova em dissociar cada vez mais do mundo direto de Rocky e se arrisca em apostar em sua singularidade e autonomia. Por falar em inovação, o longa da Metro Goldwyn Mayer Pictures e distribuído pela Warner Bros conta com a estreia de Michael B. Jordan na direção, além da atuação e produção que o cineasta se arriscou nas outras obras da franquia derivada.

Chegando nos cinemas brasileiros no dia 2 de março, assim como o filme Close e outros longas independentes do Oscar 2023, Creed III traz de novo B. Jordan como Adonis Creed, Tessa Thompson como a musicista e esposa de Adonis Bianca, Woody Harris como Tony Evers, Phylicia Rashad como a mãe de Adonis e Florian Munteanu como Viktor Drago – agora, não como um dos antagonistas, mas sim como parceiro de Creed nessa nova jornada. Vale lembrar que o filme seria lançado em novembro de 2022, mas sofreu adiamentos, conforme relatou a Variety.

Cartaz de Creed III. (Foto: Reprodução/ Warner Bros)

Bem, se Viktor Drago não é mais o vilão, quem é? Simples: seguindo a mesma ideia de Creed II, Creed III explora o passado sofrido de Adonis Creed através de Damian, amigo de adolescência de Adonis que possui um forte vínculo com o protagonista e pendências mal resolvidas. Para a super produção, o super ator – e atualmente em alta – Jonathan Majors foi chamado para Creed III, sendo mais uma vez vilão de um blockbuster e estando em dose dupla com sua peversidade nas salas de cinema por Creed III e Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania.

Depois de dominar o mundo do boxe, Adonis Creed (Michael B. Jordan) tem prosperado tanto em sua carreira quanto em sua vida familiar. Quando um amigo de infância e ex-prodígio do boxe, Damian (Jonathan Majors), ressurge após cumprir uma longa sentença na prisão, ele está ansioso para provar que merece sua chance no ringue.

O confronto entre ex-amigos é mais do que apenas uma briga. Para acertar as contas, Adonis deve colocar seu futuro em risco para lutar contra Damian – um lutador que não tem nada a perder
Sinopse de Creed III

A Nerds da Galáxia assistiu antecipadamente o filme em uma cabine de imprensa nesta quarta-feira (28), a convite da Warner Bros. Fica registrado nosso agradecimento. Confira abaixo a crítica sem spoilers de Creed III.

Cena de Creed III. (Foto: Reprodução/ Warner Bros)

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência em assistir o filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta ou uma resposta definitiva para a sua dúvida de assistir o filme ou não, tampouco um achismo absoluto do portal Nerds da Galáxia. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

Creed III é o melhor filme da franquia?

Desde que foi anunciado a ausência de Stallone, juntamente com seu personagem Rocky, algumas incertezas pairaram os cinéfilos. Pela franquia Creed reviver a saga de múltiplos filmes de Rocky Balboa, é inegável afirmar que muitos telespectadores se sentiram atraídos somente pela presença do lutador icônico dos anos 80, ao contrário do então novo legado de Michael B. Jordan.

Não há motivo de estranhamento: Creed III faz bonito e se prova uma verdadeira franquia que pode andar sozinha sem vincular obrigatoriamente a brilhante história contada por Sylvester Stallone, que está sumido somente na frente das câmeras – cumprindo o papel de produtor executivo ao lado de Jordan.

Claro que Creed (2015) é mágico e nostálgico pela re-introdução de Stallone no ramo do boxe, porém a estrela principal sempre foi Rocky, algo que não cabia pelo filme ter o nome do outro co-protagonista, Adonis Creed. Por ser o primeiro derivado, podemos “passar esse pano” – até como foi dito acima, para chamar tanto uma nova leva de amantes do cinema quanto os que cresceram e/ou acompanharam toda a saga de Rocky Balboa nas telonas.

O segundo já corrobora esse ofuscamento do universo de Rocky, com o personagem de Sylvester Stallone roubando o protagonismo e deixando Creed muito dependente de Rocky, além de que traz uma gama enorme de referências da saga de Balboa novamente mexendo com o passado do personagem, e um copia e cola sem autenticidade de Rocky IV (1985) repetindo o mesmo vilão.

Cena de Creed III. (Foto: Reprodução/ Warner Bros)

Creed III veio para refazer as mesmas bateções de tecla muito amostras de seu anterior. Trazendo uma história totalmente original e intimista, muito correlacionado com a história de vida de Adonis, o roteiro de Keenan Coogler e Zach Baylin é bem escrito, com os arcos de Michael B. Jordan e Jonathan Majors contundentes com o background de seus personagens.

O maior destaque é a sequência dos eventos de Creed III, honrando as típicas tramas de filmes do gênero de boxe e ao personagem Adonis Creed e sua esposa Bianca, com adições novas muito legais e interessantes sobre suas vidas, como exemplo a filha fruto da relação enre os dois, a Amara (Mila Dais-Kent).

A ordem em que os eventos são traçados beneficia muito a atuação e a presença de Majors, que passa dessa figura do bem a um grande antagonista egoísta de forma muito orgânica e natural. Principalmente visto na explicação do envolvimento de Creed e Damian no fatídico dia que Damian é preso por 18 anos, que chega a ter reviravoltas no que achávamos que seria. Damian é um dos antagonistas mais fascinantes e perturbadores da história das séries Rocky e Creed, nos apresentando as vulnerabilidades do personagem e depois chocando a todos com seu poder, fruto de muita determinação e força de vontade.

Já que citei indiratemente sobre as atuações, as performances de Michael B. Jordan, Jonathan Majors e Tessa Thompson são na medida, com maiores aplausos a Majors, que consegue ter o dom de falar tanto com seu personagem usando linguagem corporal, tornando-o extremamente satisfatório assistí-lo.

Cartaz de Creed III. (Foto: Reprodução/ Warner Bros)

Foi muito inesperado que Creed III deu um maior foco no drama familiar, fazendo ser um longa mais dramático que de ação/ boxe em si. Com a aposentadoria de Adonis como um atleta, o personagem se mostrou um verdairo homem de família, cuidando de sua filha deficiente auditiva, Amara; apoiando sua mulher, Bianca, na seu precoce afastamento dos palcos com sua perda auditiva progressiva; e sua mãe, Mary Anne, que está sofrendo com a idade no risco de sofrer mais um derrame. O polo família é unificado a outro polo família, com essa última fazendo alusão a família de alma, aonde Damian entra nesse espaço.

Muitos desses elementos dramáticos se manifestam nas lutas, inclusive na luta final, que pode dividir opiniões com a galera que é mais amante do realismo do ambiente do boxe. A cena, em questão, de Creed III, trouxe um novo ar e determinou o terceiro filme como um dos mais diferentes do universo Rocky e Creed, sem contar que, com a qualidade boa desse filme, outros filmes com essa proposta ou atémais ambiciosas podem brincar perfeitamente com o cenário esportivo.

Afinal, tudo que traçamos em nossa vida têm impacto direto com as vivências passadas e com o lugar que crescemos e com a educação que tivemos. Em Creed III, esses elementos fizeram questão de ser mais aparentes, graças ao belo trabalho intimista e detalhoso de Michael B. Jordan na direção, rendendo uma série de elogios e parabenizações com o trabalho árduo de atuar e dirigir ao mesmo tempo.

Como Jordan é um verdadeiro fã de Animes, os otakus e os amantes de ação podem se deleitar com coreografias de lutas de tirar o fôlego e recursos que só somaram com a tensão e com a vibração de cada round de luta, como os close-ups extremos e as câmeras lentas na maior definição que se possa imaginar, usando todo o poder do IMAX. Os ângulos de câmera em Creed III são criativos e impactam positivamente na experiência visual e narrativa.

Cena de Creed III. (Foto: Reprodução/ Warner Bros)

Mostrando uma velocidade rápida de maneira muito amistosa e natural – a ponto de ficar tão confortável que você fica incrédulo que quase 2 horas se passaram – Creed III traz uma história que funciona e é convincente e cheio de detalhes que te prendem, além de ser uma narrativa que favorece seus atores, dando liberdade para explorar mais a fundo seus backgrounds e suas personalidades. A ausência de Rocky, de Sylvester Stallone, foi estranha, mas de jeito nenhum sentida, com a decisão de afastar o personagem da franquia como uma das melhores já feitas.

Apesar da ideia não inovar muito – tirando a veia mais dramática -, seus diálogos um pouco melodramáticos e sua conclusão ser muito previsível – da forma apresentada em Creed III, até diria que preguiçosa, para honrar os tradicionais ‘finais felizes’ de redenção -, Creed III te prende do começo ao fim e te surpreende da mesma forma, principalmente na precisão imaginativa de Michael B. Jordan nas cenas das lutas nos ringues.

Não sabemos se teremos um quarto filme da franquia Creed – somente o desejo de Michael B. Jordan em voltar a dirigir mais obras, em uma entrevista ao Good Morning America, e o derivado focado no boxeador Ivo Drago (Dolph Lundgren) e seu filho, Viktor. Se Creed III for a despedida , será um final satisfatório, provando que a série nunca precisa terminar, desde que continue avançando independentemente.

Enzo Sapio

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Quantumania não inova e coloca as cartas na mesa com a presença forte de Kang

Enzo Sapio — Wed, 15 Feb 2023 11:00:00 +0000

Adeus, Fase 4. Seja bem-vinda, Fase 5. Homem Formiga e a Vespa: Quantumania inaugura a nova fase da Marvel Studios, a penúltima antes da grande conclusão dividida em duas partes: Vingadores: Dinastia Kang e Vingadores: Guerras Secretas. Seguindo a mesma linha de trilogia para seus heróis mais famosos, o novo título de Scott Lang e companhia se assemelha com a de Capitão América, com seus terceiros filmes fugindo da ameaça local e do comodismo de seus “próprios mundos” e tomando grandes proporções que serão muito importantes daqui para frente.

Mesmo com a responsabilidade de apresentar os primeiros indícios do plano malévico de Kang, interpretado por Jonathan Majors, Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania não se diferencia dos demais títulos da Marvel Studios, ao mesmo tempo que traz grandes planos e feitos.

Cartaz de Homem Formiga e a Vespa: Quantumania. (Foto: Reprodução/ Marvel)

Com previsão de Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania de estrear nos cinemas no dia 16 de fevereiro, faltam poucos dias para o público poder acompanhar as novas aventuras de Homem-Formiga e a Vespa, desta vez totalmente ambientada no Reino Quântico, micro-universo embaixo do nosso universo, em que o espaço e o tempo não alcançam, tão vasto quanto o nosso. O filme marca a volta da Marvel na China e se trata do segundo filme da Marvel com selo tomate podre do Rotten Tomatoes, com 55%.

A Nerds da Galáxia foi convidada pela Walt Disney Brasil para uma cabine de imprensa realizada na segunda-feira (13). Fica registrado nosso agradecimento à Marvel Brasil e a Walt Disney Brasil pelo convite.

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência em assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta ou uma resposta definitiva para a dúvida de assistir ao filme ou não, tampouco um achismo do portal Nerds da Galáxia. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores.

Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania – Crítica sem Spoilers

Elenco

Mantendo o mesmo quarteto de sucesso – Paul Rudd, Evangeline Lilly, Michael Douglas e Michelle Pfeiffer – Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania continua com o maior foco no carismático Homem-Formiga, enquanto sua parceria de título Vespa acaba tendo um rumo totalmente oposto, sendo quase que uma participação especial.

Sua falta de presença e sua falta de importância para o filme – claro que com a exceção das partes de ação em equipe – podem ter um lado positivo, uma vez que Michael Douglas e Michelle Pfeiffer, grandes ícones do cinema hollywoodiano, ganharam muito mais tempo de tela e destaque que em relação aos outros filmes do Homem-Formiga. Tempo de tela que serviu para conhecermos melhor a personalidade menos ranzinza de Hank Pym e a figura Janet Van Dyne por completo, aliado com um mistério sobre sua vida radical e não tão motivadora de orgulho.

Sem dúvidas, os destaques cênicos, em questão, são atribuídos à Kathryn Newton e ao Jonathan Majors. Ambos exalam uma química muito bem trabalhada com o restante do elenco e cativam seu brilho nos espaços que aparecem. Principalmente Majors, que passa perfeitamente a visão e o perigo de Kang até mesmo nas pequenas coisas, até com o roteiro não ajudando nessa construção (explico nos tópicos a seguir).

Cena de Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania. (Foto: Reprodução/ Marvel Studios)

Participações Especiais

Vamos falar das participações especiais de Quantumania, que, no geral, foram abaixo do esperado sobre seus rendimentos no filme. Bill Murray como Krylar serviu apenas para enriquecer o elenco no papel, com uma relevância muito mínima para a história, apesar de estar muito bem no papel do Lorde e provocar um suspense muito rápido e pouco atrativo sobre sua relação com Janet no passado.

Corey Stoll como M.O.D.O.K. está incrível visualmente, porém também decepciona em não levar o lado mais sociopata do vilão. Sua conclusão foi muito previsível, brochante (com o potencial que tinha), e, claramente, deixa os espectadores com a certeza que foi uma interferência da Disney para um “conto perfeito”. Se isso vale como algo positivo, suas cenas cômicas (por conta de seu formato) funcionam perfeitamente e não é jogado ao filme Homem-Formiga 3: Quantumania.

Cena de Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania. (Foto: Reprodução/ Marvel Studios)

William Jackson Harper tinha sido confirmado no elenco de Quantumania através de furos da imprensa norte-americana, especializada em Hollywood, cujo seu papel é do telepata Quaz. Seu desempenho é igualmente pequeno, mas ao contrário de M.O.D.O.K, era previsto esse tempo de tela ao personagem. Também, Quaz poderia ser mais explorado e colocar o destemido poder da telepatia como algo funcional para a trama de Quantumania, e não apenas como um recurso de tirar algumas gargalhadas do público. Entendo que o filme é do Homem-Formiga (e de seu bloco) e de Kang, acima de tudo, mas um roteiro melhor pensado nas dinâmicas entre os eventos e personagens poderia ajudar nessa melhor distribuição, nem que sejam poucos minutos de tela.

Por último, o povo marginalizado do Reino Quântico conseguiram cumprir o que foram designados: mostrar uma faceta da tirania de Kang e a diversidade de povos no microverso, incluindo tecnologias, ciência e seres poderosos.

Cena de Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania. (Foto: Reprodução/ Marvel Studios)

Tem cenas pós-créditos?

Sim! Tem duas cenas pós-créditos em Quantumania, que são duas cerejas em um bolo ‘bonitinho’. Ambas envolvem Kang e realmente comprovam como que Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania será o passo incial para Dinastia Kang, com um ótimo fã-service e reprodução de cenas clássicas dos quadrinhos, além de algumas respostas para uma outra produção da Marvel na Disney Plus. Vocês vão entender na hora!

História de Quantumania

Agora, entramos em um assunto delicado. Para este caro redator, é o maior ponto negativo de Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania. A Marvel Studios atirou em seu próprio pé com a sequência numerosa de títulos em sua Fase 4 cinematográfica, que refletiu diretamente na qualidade de suas produções, vamos combinar. Um dos grandes elogios dessa confusão toda era a tentativa da Marvel de explorar novos gêneros, novos tipos de cortes e histórias. Decisão louvável para diferenciar uma obra e outra.

Ainda quando o assunto é apresentar o maior vilão da Saga do Multiverso, Quantumania deveria ter trazido uma grande calamidade para o Universo Cinematográfico da Marvel, inovar em seu storytelling. Contudo, o terceiro filme do Homem-Formiga não trouxe ineditismo ao velho modo “Marvel de fazer filmes”, sendo um prato cheio aos cineastas e ao público que reclama da monoticidade e da história genérica de suas obras.

Cena de Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania. (Foto: Reprodução/ Marvel Studios)

Um dos grandes pontos negativos do roteiro foi a desnecessária tensão a respeito de Kang, o Conquistador. A escrita de Jeff Loveness, que também será roteirista dos próximos filmes dos Vingadores e ficou conhecido pela série animada Rick & Morty, tentou, durante praticamente toda a primeira metade do filme, deixar um mistério sobre quem que seria a tal figura autoritária e imperial do Reino Quântico, como se não fosse óbvio que o personagem de Jonathan Majors estaria em Quantumania e seria o tal antagonista.

Por falar no vilão, mesmo com o trailer da Super Bowl mostrando o traje altamente tecnológico, uma prévia de seus poderes e uma grande visualização de seu arsenal; muito da ameaça e da figura assustadora do antagonista ficou nas linhas de diálogo. Poucas cenas da sua capacidade destrutiva e disponibilidade de uma gama de tecnologias avançadas foram mostradas em Homem-Formiga 3: Quantumania. Ainda mais crítico o problema quando lembramos da fala de Majors citando essa versão de Kang como a “mais guerreira” – de fato, o Aquele que Permanece apareceu pouco e não teve nenhuma cena de ação em Loki… Não mentiu.

Cena de Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania. (Foto: Reprodução/ Marvel Studios)

Ainda bem que Jonatham Majors é um ator de primeira linha e que vem ganhando grande destaque em Hollywood. Ele soube captar a essência de Kang e toda sua personalidade autoritária e tirana. Caso contrário, o vilão não se sustentaria, pois nem mesmo o porquê de representar uma grande ameaça ao multiverso não seria clara o suficiente. O problema geral entrelaçado a isso é a dificuldade de Loveness de lidar com tanto personagem em tela, sacrificando alguns – como a Vespa e M.O.D.O.K. – e enaltecendo outros – Janet Van Dyne e Cassie, principalmente -, conforme foi dito acima.

Muito por essa tensão sobre um vilão óbvio e declarado em pôster, cartazes e em entrevistas fazem de Quantumania um filme com ritmo desfavorável, lento e desinteressante, às vezes, com uma sensação de enrolação sem fim para o grande ponto da trama, também sendo notado uma medida totalmente desesperada de Jeff Loveness de tornar uma obra engraçada como foi Homem-Formiga, de 2015, e superar os gostos humorísticos de Homem-Formiga e a Vespa, de 2018 – na época, muito criticada.

Cena de Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania. (Foto: Reprodução/ Marvel Studios)

É realmente bem triste saber que uma figura tão exótica e interessante como representa M.O.D.O.K. e um excelente ator como Bil Murray tiveram participações relevantes reduzidas à zero, somente para funcionarem como momentos engraçados. Repito: até para M.O.D.O.K. funcionou em partes, agora, para Murray, não posso escrever o mesmo.

Um ponto positivo que tenho que colocar aqui é a interação envolvendo Kang no Reino Quântico, mostrando sua história interessante ao lado de Janet e destacando uma grande importância sobre o polo de Kang que não foi mostrado em Loki, por exemplo. Sem contar o visual deslumbrante e totalmente fiel dos lugares mais inexplorados do Reino Quântico.

Outro elogio foi de uma bela apresentação de drama familiar da família Lang e de mostrar a personalidade altruísta de Cassie, a filha do Homem-Formiga. Sua participação foi muito bem escrita, tal como a atuação da atriz, que pode muito bem ser uma líder dos Jovens Vingadores – e como deve ser, dada a sua inteligência e senso de justiça.

Para finalizar essa extensa matéria, as conclusões de Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania foram muito previsíveis e uma forma muito fácil de finalizar uma trama, reinando o classudo “final feliz” estereotipado e algumas manias chatas que a Marvel têm em seus filmes. Realmente, foi bem difícil entender a pouca inspiração e ambição com tanto material disponível.

Cena de Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania. (Foto: Reprodução/ Marvel Studios)

Ok, Enzo, falou demais. Qual é a sua conclusão?

No geral, Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania é bom. Tem seus momentos de humor, drama e chega a apresentar um vilão e seu interesse e o que isso põe de frente contra o Homem-Formiga e sua equipe. O filme cumpre o que pede, porém o filme poderia se arriscar muito mais e com muito mais facilidade sobre o elenco que tem e sobre o rico material que possui dos quadrinhos, sem levar em conta que se trata da primeira produção que apresenta o Kang vilanesco, ou seja, muito importante para ditar as regras do jogo daqui para frente.

As atuações do elenco e o cenário/ ambiente do filme são muito bons. O que peca mesmo é a falta de originalidade e inspiração do roteiro de Quantumania, que parece ter sido muito limitado desde a sua pré-produção. Graças a isso, o ritmo dos eventos parece desgastante com a lentidão e não apresenta camadas mais desenvolvidas. É o puro trabalho mediano de um filme de super-herói, que não poupou coreografias, CGI e efeitos especiais; e não fez nenhuma questão de se preocupar com o lado narrativo.

Homem-Formiga e a Vespa: Quantumania vai agradar os fãs que estão satisfeitos com as produções da Marvel, enquanto o terceiro filme do herói vai desapontar outros que esperavam algo mais diferente.

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Enzo Sapio

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