Embora a Housemarque já tivesse uma relação bastante consolidada com a PlayStation desde títulos como Super Stardust Delta, Resogun e Super Stardust Ultra VR, durante muitos anos essa parceria parecia apenas uma colaboração pontual entre estúdio e marca.

Tudo mudou após o enorme impacto causado por Returnal. O sucesso crítico e comercial do jogo levou a PlayStation a adquirir oficialmente a Housemarque ainda em 2021, transformando o estúdio em parte integral da família PlayStation Studios.

Foi então que, durante um State of Play em fevereiro de 2025, a Housemarque revelou Saros, um projeto claramente inspirado pela base construída em Returnal, mas que ao mesmo tempo busca criar sua própria identidade.

Com apoio da PlayStation, que disponibilizou uma cópia para análise, mergulhei profundamente no universo de Saros durante cerca de 20 horas, conquistando inclusive o troféu de platina e explorando praticamente tudo o que o jogo oferece. E após esse período, ficou evidente para mim que Saros é um dos candidatos mais fortes ao prêmio de Jogo do Ano de 2026.

A história de Saros

O maior destaque de Saros, ao menos na minha experiência, está em sua narrativa extremamente intrigante e carregada de horror existencial.

O jogo bebe diretamente da mitologia criada por Robert W. Chambers em O Rei de Amarelo, além de diversas obras derivadas ambientadas em Carcosa. A influência também conversa fortemente com autores como H. P. Lovecraft, Stephen King e até produções televisivas como True Detective.

Em Saros, acompanhamos Arjun Devraj, interpretado por Rahul Kohli. Arjun é um homem emocionalmente destruído, consumido pela culpa, pelo alcoolismo e pela incapacidade de lidar com os próprios erros.

Após o desaparecimento de diversas expedições enviadas ao planeta Carcosa pela corporação Soltari, Arjun integra a missão Echelon IV. Enquanto a empresa busca extrair Lucenita — um recurso extremamente raro e valioso —, Arjun possui outro objetivo: encontrar sua companheira desaparecida durante as missões anteriores.

Ao chegar em Carcosa, tudo rapidamente demonstra estar errado.

O planeta parece desafiar qualquer lógica conhecida. O tempo não funciona normalmente, criaturas monstruosas vagam pelas regiões exploráveis e uma civilização avançada desapareceu sem deixar explicações claras.

Mas o elemento mais impactante surge quando Arjun percebe estar preso em um ciclo temporal. Após morrer, ele simplesmente retorna. E o mais perturbador é que, enquanto para ele apenas minutos parecem ter passado, para os demais integrantes da Echelon IV podem ter se passado dias ou até anos inteiros.

Além disso, Carcosa muda constantemente.

A narrativa funciona de maneira brilhante justamente porque Saros nunca tenta entregar respostas simples. Existe uma sensação permanente de desconforto acompanhando cada descoberta. Tudo parece fragmentado, como se memória, espaço e tempo tivessem entrado em colapso.

A Housemarque constrói aqui um horror existencial extremamente eficiente. Carcosa deixa de ser apenas um planeta misterioso e passa a funcionar quase como uma entidade consciente, capaz de manipular e consumir qualquer indivíduo que entre em contato com ela.

O Sol Amarelo, figura central da narrativa, ganha uma presença quase divina — mas ao mesmo tempo aterrorizante.

Cada documento encontrado, gravação recuperada ou fragmento visual exibido após as mortes aprofunda ainda mais o mistério. A sensação constante é a de mergulhar lentamente em um pesadelo cósmico sem fim.

Como Saros constrói sua narrativa

Diferente de Returnal, Saros aposta com mais frequência em cutscenes cinematográficas. Ainda assim, a Housemarque preserva boa parte da narrativa fragmentada que tornou Returnal tão marcante.

Ao longo da exploração por Carcosa, o jogador encontra registros de áudio, documentos e relatórios deixados por integrantes das antigas expedições. Esses materiais revelam detalhes sobre os horrores enfrentados no planeta e ajudam a construir lentamente os mistérios centrais da trama.

As mortes também possuem papel fundamental na narrativa.

Após cada ciclo encerrado, Saros exibe fragmentos desconexos: mãos cobertas de sangue, quartos iluminados em amarelo intenso, raízes crescendo lentamente, símbolos misteriosos e imagens sem contexto aparente. Tudo isso cria um forte sentimento de inquietação.

Depois de algumas horas, o jogador desbloqueia a Árvore Baniana — equivalente ao papel exercido pela casa em Returnal.

Nela, acompanhamos memórias traumáticas da vida de Arjun em segmentos extremamente simbólicos e perturbadores. Esses momentos exploram culpa, vício, arrependimento e fragilidade emocional de maneira muito mais íntima.

São facilmente algumas das sequências mais impactantes de Saros.

Mesmo com uma estrutura mais cinematográfica, o jogo jamais abandona completamente o mistério ambiental. A Housemarque encontrou um equilíbrio excelente entre narrativa tradicional e storytelling indireto.

O resultado é uma experiência mais acessível emocionalmente, mas ainda profundamente enigmática.

Gameplay frenético e progressão constante

Em sua base, Saros lembra bastante Returnal.

O personagem possui movimentação extremamente veloz, dash no L1, escudo no R1, combate corpo a corpo e forte foco em mobilidade agressiva.

Mas rapidamente o jogo demonstra possuir identidade própria.

A principal diferença está na progressão permanente. Enquanto Returnal apostava fortemente em aprendizado do jogador, Saros adiciona um sistema robusto de evolução contínua.

Durante os ciclos, é possível coletar Lucenita para desbloquear melhorias permanentes através de uma ampla árvore de habilidades dividida em três categorias:

• Resiliência: focada em vida, defesa e eficiência de cura.
• Domínio: ligada ao gerenciamento de energia e escudos.
• Ímpeto: voltada para Lucenita, economia de recursos e progressão.

Essa estrutura faz o slogan “Retorne mais forte” funcionar perfeitamente.

Cada morte ainda representa desafio, mas nunca gera sensação de perda total. Existe sempre uma evolução perceptível, seja em dano, sobrevivência ou desbloqueio de armas superiores.

Isso transforma completamente a sensação de progressão e torna a experiência extremamente recompensadora.

Modificadores carcosianos elevam a rejogabilidade

Após derrotar o terceiro chefe, Saros libera um dos seus sistemas mais interessantes: os modificadores carcosianos.

Eles permitem alterar drasticamente o funcionamento da experiência.

Os modificadores de proteção oferecem vantagens ao jogador, enquanto os de provação aumentam significativamente a dificuldade.

O sistema exige equilíbrio. Quanto mais bônus positivos forem adicionados, maior será a necessidade de inserir penalidades negativas.

É possível, por exemplo:

• aumentar dano causado;
• ampliar coleta de Lucenita;
• restaurar segundas chances;
• reduzir recompensas;
• aumentar dano recebido;
• enfraquecer recursos de cura.

Esse sistema funciona brilhantemente porque adapta Saros ao perfil de cada jogador.

Quem deseja uma experiência mais acessível consegue suavizar bastante a dificuldade. Já quem busca desafios brutais consegue transformar Carcosa em um verdadeiro inferno.

Além disso, os modificadores aumentam enormemente a longevidade do jogo, criando novas builds e abordagens constantemente.

Eclipse: risco e recompensa

Outro elemento extremamente importante é o Eclipse.

Em cada área existe um totem capaz de ativar esse evento especial, tornando os inimigos muito mais perigosos, mas aumentando significativamente as recompensas.

O mais interessante é que o Eclipse altera não apenas números, mas também a atmosfera.

Os cenários assumem tons alaranjados intensos, a trilha sonora ganha agressividade e o combate exige ainda mais precisão.

Existe um excelente senso de risco versus recompensa nesse sistema. E narrativamente, tudo conversa perfeitamente com a ideia de que Carcosa reage à presença de Arjun.

O visual impressionante de Saros

Visualmente, Saros é absolutamente deslumbrante.

Mesmo utilizando uma paleta predominantemente cinza e monocromática, o jogo cria contrastes extremamente fortes através de efeitos neon em azul, amarelo e vermelho.

Os diferentes biomas também ajudam a manter a experiência visual constantemente interessante.

Há ambientes industriais claustrofóbicos repletos de tubulações metálicas, fortalezas completamente brancas refletindo luzes e projéteis, além de áreas que literalmente viram de cabeça para baixo durante a exploração.

A Housemarque demonstra domínio absurdo em direção artística.

Mesmo trabalhando com cores limitadas, Saros constrói cenários extremamente memoráveis.

Chefes grandiosos e visualmente absurdos

As batalhas contra chefes são facilmente alguns dos momentos mais espetaculares do jogo.

Cada confronto possui identidade visual própria e escala gigantesca.

Sem entrar em spoilers, Saros apresenta criaturas voadoras destruindo arenas inteiras, entidades marítimas atacando embarcações e inimigos capazes de transformar a tela em um verdadeiro espetáculo caótico de projéteis.

Grande parte dos chefes possui múltiplas fases, alterando padrões de ataque, arenas e comportamento constantemente.

Os projéteis criam verdadeiras coreografias visuais na tela. Tudo é belo, mas ao mesmo tempo extremamente letal.

Trilha sonora desconfortável na melhor forma possível

A trilha sonora de Saros foi composta por Sam Slater, conhecido por trabalhos em produções como Joker e Chernobyl.

O resultado é uma trilha profundamente desconfortável — no melhor sentido possível.

Há sintetizadores agressivos, sons industriais, distorções constantes e melodias dissonantes que reforçam perfeitamente a sensação de horror cósmico.

Durante o Eclipse, a trilha ganha ainda mais intensidade, adicionando camadas pesadas de guitarra e tensão sonora.

É uma trilha que não apenas acompanha a gameplay: ela constrói ativamente toda a atmosfera de Carcosa.

Vale a pena jogar Saros?

Saros foi um daqueles jogos que simplesmente dominaram meus pensamentos durante dias.

Poucos títulos conseguem construir um universo tão fascinante, misterioso e artisticamente consistente.

Inicialmente, senti que a conclusão da narrativa poderia ter recebido maior destaque. Porém, após concluir o final alternativo e compreender melhor as inspirações literárias envolvendo Carcosa e o Rei de Amarelo, tudo passou a fazer muito mais sentido.

Carcosa não existe para ser totalmente compreendida. Ela existe para ser interpretada.

E é justamente isso que torna Saros tão especial.

A Housemarque entrega aqui um jogo extremamente completo. O combate é frenético, a progressão é viciante, a direção artística é impressionante e a atmosfera permanece constante do início ao fim.

Para mim, Saros se consolida facilmente como um dos jogos mais marcantes desta geração e uma experiência obrigatória para qualquer dono de PlayStation 5.

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Pedro Muniz

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O jogo será lançado no Steam em 21 de novembro, e já está confirmado para Nintendo Switch, PlayStation 5 e Xbox Series S e X, garantindo que o terror pixelado chegue a todas as plataformas.

Gameplay, Modos e Cenários Nostálgicos

A gameplay de Terrifier Jogo Beat ‘Em Up oferece seis modos diferentes, e a premissa é genial: o jogador controlará Art the Clown perturbando sets de filmagem que correspondem a cenas icônicas da franquia Terrifier. O contraste entre a estética adorável do pixel art e a violência gráfica esperada da saga promete ser o grande atrativo do Terrifier Jogo Beat ‘Em Up.

A jogabilidade é no estilo beat ‘em up clássico (como Final Fight ou Streets of Rage), mas com o toque sádico do palhaço. O jogo permitirá que os fãs vivenciem as mortes mais grotescas da franquia de uma maneira nova e nostálgica. A transição do slasher para o gênero de pancadaria é um movimento ousado, mas que casa com o humor ácido e o tom exagerado que o diretor Damien Leone estabeleceu nos filmes.

Terrifier 3 e a Expansão do Fenômeno Cult

O lançamento do jogo acontece logo após o sucesso estrondoso de Terrifier 3, o capítulo mais recente da saga. A franquia Terrifier está no auge de sua popularidade cult global. Terrifier 3, com seu tema natalino, já elevou o patamar de violência e pavor da série.

Para quem quiser maratonar a origem do palhaço antes de jogar, os filmes Terrifier e Terrifier 2 estão prontamente disponíveis para streaming pelo Prime Video no Brasil, permitindo que os fãs assistam à ascensão de Art the Clown a ícone do terror independente. O fato de agora termos filmes, quadrinhos e um Terrifier Jogo Beat ‘Em Up mostra que a franquia transcendeu as salas de cinema, solidificando seu lugar na cultura pop nerd.

Confira a sinopse oficial do mais recente longa da franquia: “Neste novo filme, tudo o que Art quer como presente de Natal é vingança, preferencialmente com direito a muita matança e sangue. Escrita e dirigida por Damien Leone, a trama lança o palhaço assassino em uma jornada desenfreada de crimes durante as festas de final de ano, na qual encontrará novos personagens e velhos conhecidos da franquia. Sem saber o mal que os aguarda, os alvos de Art precisarão lutar pela sua sobrevivência como puderem”.

Por Que o Jogo Gera Tanto Ruído?

A franquia Terrifier se destacou por seu gore prático e por não ter medo de chocar. Transformar essa experiência em um Terrifier Jogo Beat ‘Em Up é uma sacada de mestre que atende a dois públicos: o fã de terror extremo e o jogador retrô. O gênero beat ‘em up evoca a nostalgia dos anos 90, enquanto o tema do palhaço assassino capitaliza na popularidade recente do terror slasher.

A inclusão de Art the Clown no mundo dos games é um reconhecimento do seu status de vilão icônico, comparável a Jason ou Freddy Krueger, mas com um toque de humor sombrio único. O jogo, com seus seis modos de gameplay, promete ser um item essencial para a coleção de qualquer fã do Art the Clown e um dos lançamentos mais curiosos do ano.

Os produtores do jogo, seguindo a filosofia de Damien Leone, focaram em criar uma homenagem fiel e divertida. A expectativa é que o jogo ofereça um desafio de gameplay viciante, além de ser uma celebração sangrenta da franquia que elevou o slasher a novos patamares de gore.

Você Vai Jogar Terrifier ou Prefere o Filme?

O lançamento de Terrifier Jogo Beat ‘Em Up em novembro nos obriga a focar na violência de Art the Clown! Você prefere jogar com o palhaço no estilo pixel art ou acha que Terrifier 3 elevou o nível do gore a um patamar insuperável? Deixe seu comentário e participe da discussão sobre o futuro dessa adaptação de terror na Nerds da Galáxia!

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Paulo Gouvêa

CEO e editor da Nerds da Galáxia. Nerd em tempo integral, cinéfilo, seriador, gamer, leitor e fã de Tolkien. Apaixonado por filmes de super-heróis, colecionador de itens nerds em geral.

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Detalhes Essenciais de Avatar Legends: The Fighting Game

Segundo as informações anunciadas no trailer, o Avatar Legends: The Fighting Game terá 12 personagens disponíveis em seu lançamento e contará com um modo campanha de um jogador. O título está sendo desenvolvido com foco nos consoles da nova geração e PC.

Confira as plataformas confirmadas para o lançamento:

• PlayStation 4 (PS4)
• PlayStation 5 (PS5)
• Xbox Series X|S
• PC (via Steam)
• Nintendo Switch 2 (em data posterior)

A divulgação do trailer de Avatar Legends já gerou uma enorme expectativa na comunidade fã de jogos de luta e da icônica animação.

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Paulo Gouvêa

CEO e editor da Nerds da Galáxia. Nerd em tempo integral, cinéfilo, seriador, gamer, leitor e fã de Tolkien. Apaixonado por filmes de super-heróis, colecionador de itens nerds em geral.

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O universo dos games se prepara para receber um título que promete misturar adrenalina, habilidades de skate e narrativa sobrenatural de forma inédita. Skate Story, o novo jogo indie desenvolvido pela Sam Eng e publicado pela Devolver Digital, acaba de ganhar um trailer eletrizante e data de lançamento confirmada.

A proposta é ousada: um demônio cristalino recebe um skate do Diabo e um desafio quase impossível. A missão? Patinar até a Lua e engolir o próprio Diabo. Parece simples, mas cada camada do submundo é repleta de obstáculos, inimigos cruéis e almas perdidas que precisam ser salvas. A pergunta que fica é: você está pronto para enfrentar o inferno sobre rodas?

O lançamento está marcado para 8 de dezembro, com versões para macOS, Windows, PlayStation 5 e Nintendo Switch 2, permitindo que jogadores de diferentes plataformas mergulhem na experiência desde o primeiro dia.

O enredo que mistura skate e sobrenatural

A narrativa de Skate Story é um dos seus maiores diferenciais. O jogador começa como um demônio frágil, mas sua jornada evolui à medida que enfrenta desafios cada vez mais complexos. Além de manobras clássicas de skate, como ollies, kickflips e grinds, é necessário usar estratégia para derrotar demônios, salvar almas esquecidas e avançar pelas nove camadas do inferno.

Entre os personagens que precisam de ajuda está um sapo esquecido, que representa a dimensão emocional da trama, mostrando que nem todas as criaturas do submundo são hostis. Essa mistura de ação e narrativa cria um enredo envolvente, capaz de prender a atenção do jogador do início ao fim.

Gameplay: velocidade, manobras e combate

O gameplay de Skate Story é dinâmico e desafiador. Cada nível exige precisão, timing e raciocínio rápido. Além de realizar manobras de skate, o jogador precisa derrubar demônios e obstáculos infernais, garantindo que a progressão na história seja contínua e emocionante.

O trailer recém-lançado revela momentos intensos de ação: descidas velozes, obstáculos perigosos e confrontos com criaturas demoníacas. A jogabilidade combina habilidade, estratégia e exploração, tornando cada nível único e oferecendo uma experiência que vai além do tradicional jogo de skate.

Ambientes infernais que prendem a atenção

Um dos grandes destaques de Skate Story são seus cenários. O submundo é representado por paisagens sombrias, cheias de fumaça, cinzas e luzes dramáticas que criam uma atmosfera densa e envolvente. Cada camada do inferno apresenta desafios visuais e mecânicos diferentes, exigindo que o jogador adapte suas estratégias a cada nível.

A atenção aos detalhes é impressionante: efeitos de iluminação, texturas e animações tornam a experiência imersiva, como se o jogador realmente estivesse deslizando por um inferno vivo e pulsante.

Trilha sonora que potencializa a experiência

A trilha sonora é outro elemento que eleva o jogo a outro nível. Criada por Blood Cultures e John Fio, a música acompanha cada manobra e batalha, aumentando a sensação de urgência e emoção. Desde riffs tensos que acompanham combates contra demônios até passagens mais suaves que destacam a narrativa, a trilha sonora se integra perfeitamente ao gameplay.

Os efeitos sonoros, como o rangido do skate sobre superfícies perigosas e os gritos das almas perdidas, contribuem para criar uma atmosfera única e intensa. A combinação de áudio e visual garante que cada momento de Skate Story seja memorável.

Uma experiência que mistura desafio e emoção

Skate Story se destaca por oferecer não apenas ação e habilidade, mas também uma jornada emocional. Cada alma que o jogador salva adiciona profundidade à narrativa, enquanto cada manobra bem executada reforça a sensação de conquista. É um jogo que recompensa tanto a habilidade quanto a atenção aos detalhes, tornando cada sessão de jogo única.

Os fãs de skate vão se encantar com a variedade de manobras e desafios, enquanto os apreciadores de narrativas sombrias encontrarão uma história envolvente que mantém o jogador imerso do início ao fim.

Desenvolvimento e publicação

O jogo é desenvolvido pela Sam Eng, conhecida por criar experiências inovadoras em jogos indie, e publicado pela Devolver Digital, selo famoso por apostar em títulos ousados e diferenciados. Essa parceria garante qualidade, inovação e atenção aos detalhes, tanto na narrativa quanto no gameplay.

A expectativa é que Skate Story se torne um dos títulos mais comentados de 2025, combinando elementos que atraem diferentes públicos: fãs de skate, jogos indie e aventuras sobrenaturai

O trailer e o hype crescente

O trailer recente foi suficiente para gerar enorme expectativa na comunidade gamer. Com cenas de ação, desafios radicais e demonstrações da narrativa, ele mostra que Skate Story não é apenas mais um jogo de skate: é uma experiência completa, que mistura adrenalina, emoção e estratégia.

Comentários nas redes sociais já destacam a originalidade do título, o visual impactante e a música envolvente, criando um buzz que deve crescer ainda mais até o lançamento.

Preparando-se para o lançamento

O grande dia está marcado: 8 de dezembro. É quando os jogadores poderão finalmente mergulhar no submundo, enfrentar demônios e realizar manobras impossíveis. O jogo promete desafiar habilidades, testar reflexos e envolver emocionalmente quem se aventurar por suas camadas infernais.

Se você busca uma experiência inovadora, que mistura skate, ação e narrativa sobrenatural, Skate Story é o título perfeito. Prepare-se para testar suas habilidades e explorar o submundo de forma como nunca antes.

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Por que ficar de olho em Skate Story

Além de gameplay e visual impressionantes, Skate Story traz uma narrativa única, trilha sonora envolvente e desafios complexos que recompensam a habilidade e a estratégia do jogador. É um jogo que tem tudo para se tornar referência no gênero indie e redefinir a forma como vemos jogos de skate e aventuras sobrenaturais.

Com lançamento próximo, fãs de games e skatistas virtuais devem se preparar: o submundo está esperando, e cada manobra pode ser decisiva para salvar almas e vencer o desafio final.

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Guilherme Blumenfeld

Eai pessoal! Sou Guilherme, ou Guigas pra quem quiser, mestre de RPG, escritor, cinéfilo e viciado no universo nerd, apaixonado por criar histórias, e atingir pessoas de formas diferentes. Buscando e tentando me encontrar tanto pelo jornalismo quanto pelo audiovisual!

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Agradecemos à PlayStation Brasil por nos conceder o acesso antecipado a Death Stranding 2: On The Beach, sequência direta da aclamada e controversa obra de Hideo Kojima lançada originalmente em 2019. Este segundo capítulo mantém a essência de sua proposta original, mas amplia todas as suas possibilidades com refinamento técnico, escopo narrativo e evolução significativa em jogabilidade.

Neste review técnico, exploraremos os aspectos que fazem de Death Stranding 2: On The Beach um dos jogos mais ambiciosos da atual geração, mantendo como base os pilares que o consagraram: narrativa profunda, imersão sensorial, jogabilidade única e inovação audiovisual.

Jogabilidade: Uma Evolução Natural e Robusta

Death Stranding 2: On The Beach permanece um jogo de ação e aventura em mundo aberto com perspectiva em terceira pessoa. O jogador assume novamente o papel de Sam Porter Bridges, agora encarregado de conectar a Austrália à Rede Quiral, enfrentando cenários dinâmicos, inimigos humanos e entidades sobrenaturais em um planeta devastado.

A jogabilidade, embora ainda centrada na mecânica de entregas, está mais ágil, acessível e estratégica. Os desafios ambientais são ampliados com ciclos de dia e noite, desastres naturais (como terremotos, tempestades de areia, avalanches e incêndios florestais), além da já conhecida chuva temporal, que deteriora equipamentos e envelhece materiais instantaneamente.

As travessias exigem mais preparo e adaptabilidade, mas com o suporte de novas estruturas de apoio, como monotrilhos, torres de vigia, abrigos automáticos, teleporte avançado e a presença da DHV Magalhães – uma nave/submarino que funciona como base móvel e lar temporário dos personagens. A jogabilidade agora oferece um ritmo mais fluido e menos punitivo para os jogadores que não se conectaram com o primeiro jogo.

Combate Aprimorado: Mais Dinâmico, Estratégico e Variado

Um dos grandes avanços desta sequência está no sistema de combate, reformulado e mais presente na experiência do jogador. Há agora uma vasta gama de armas de curta e longa distância, com maior acessibilidade desde os primeiros momentos da campanha. Armas como metralhadoras, escopetas, lança-granadas, além de dispositivos furtivos como hologramas e equipamentos de neutralização silenciosa, fazem parte do novo arsenal.

O combate corpo a corpo foi significativamente melhorado, embora ainda exista margem para refinamento. Além disso, a presença de inimigos robóticos e novos tipos de EPs (Entidades de Extinção), além de chefes desafiadores, oferece confrontos que exigem estratégia, personalização de equipamentos e adaptação constante.

A customização do APAS (Auxílio Pessoal de Atividades de Superfície) permite desenvolver habilidades como menor ruído de movimentação, mira mais estável ou resistência a intempéries. Isso adiciona camadas ao estilo de jogo e valoriza a preparação para cada missão.

Mundo Aberto e Ambientação: Imersão Sensorial Completa

O mundo de Death Stranding 2 é vasto, conectado e extremamente dinâmico. Diversas regiões com biomas distintos – de desertos áridos a montanhas nevadas e florestas densas – estão interligadas sem interrupções de carregamento, criando um verdadeiro ecossistema vivo e mutável. Eventos climáticos moldam a navegação e exigem planejamento logístico preciso.

Os efeitos ambientais não são meros visuais: avalanche, queda de rochas, enxurradas e alterações térmicas afetam diretamente a vida de Sam, seus equipamentos e a integridade das encomendas. O clima extremo interfere até na barra de energia e vida do personagem, criando tensão constante durante o percurso.

Social Strand System: Conectividade Assíncrona Renovada

A proposta social, que se destacou no primeiro jogo, está de volta com melhorias consideráveis. O Social Strand System permite que as ações dos jogadores tenham impacto no mundo dos demais: estruturas construídas podem ser compartilhadas, entregas inacabadas podem ser finalizadas por outros usuários, e recursos podem ser doados em projetos coletivos.

Novos recursos como cabos de monotrilho, teleportes comunitários e sistemas de armazenamento compartilhado promovem uma sensação real de colaboração global. Curtidas, recompensas e reputação estão novamente presentes, incentivando o espírito de ajuda mútua.

Direção, Elenco e Narrativa: O Brilho de Kojima

A narrativa é mais acessível do que no primeiro jogo, mas continua sendo desafiadora e multifacetada. Kojima entrega uma história que respeita a inteligência do jogador, revelando as peças de forma gradual e instigando a reflexão existencial.

O elenco original retorna com atuações marcantes: Norman Reedus (Sam), Léa Seydoux (Fragile) e Troy Baker (Higgs), agora acompanhados por nomes como Elle Fanning, Shioli Kutsuna, Luca Marinelli, Alissa Jung, Debra Wilson e Alastair Duncan. As participações visuais do cocriador de Mad Max, George Miller, e do diretor Fatih Akin, agregam profundidade estética à obra.

A direção cinematográfica, tanto nas cutscenes quanto nos momentos de gameplay, é impecável – um dos pontos altos do título. Kojima se supera visual e emocionalmente, entregando o trabalho mais maduro de sua carreira até o momento.

Gráficos, Performance e Animações: A Nova Referência Visual

Rodando na Decima Engine (da Guerrilla Games), o jogo é tecnicamente impecável. A integração da tecnologia Metahuman proporciona um nível de realismo facial e corporal que beira o fotorrealismo, com personagens que exibem expressões naturais, sutilezas musculares e microinterações emocionais.

Testado no PlayStation 5 Pro, o jogo apresenta dois modos: Qualidade (30 FPS com máxima fidelidade gráfica) e Performance (60 FPS com suavidade). Ambos os modos são altamente estáveis e fluídos, mesmo em áreas abertas e densas em elementos.

Os cenários são incrivelmente detalhados e diversificados, tornando cada nova região um espetáculo visual. As animações são outro destaque, com movimentações orgânicas, física realista e excelente sincronia labial nas cenas de diálogo.

Trilha Sonora e Design de Som: Um Capítulo à Parte

A trilha sonora de Death Stranding 2 pode ser considerada uma das melhores já criadas para um videogame. Ludvig Forssell retorna com composições que equilibram melancolia e grandiosidade, agora em colaboração com o renomado Woodkid, formando uma dupla de excelência.

Além das trilhas instrumentais, há o retorno emocional da banda Low Roar, cuja presença musical marcou o primeiro título. Mesmo após a perda de seu vocalista, suas músicas continuam a emocionar e amplificar a experiência narrativa. O jogo conta ainda com faixas de diversas outras bandas, mesclando sons conhecidos com novidades marcantes.

O design de som ambiental é meticuloso: o som da chuva, dos passos na neve, do impacto de rochas, tudo é integrado para maximizar a imersão e criar uma atmosfera auditiva cinematográfica.

Considerações Finais

Death Stranding 2: On The Beach não é apenas uma sequência competente – é um salto criativo e técnico que redefine o que esperamos de um jogo de mundo aberto narrativo. A união entre jogabilidade inovadora, arte visual de vanguarda, direção cinematográfica e um sistema social revolucionário fazem deste título um dos marcos da atual geração.

Seja pela sua profundidade narrativa, fidelidade gráfica, jogabilidade refinada ou pela trilha sonora emocionalmente envolvente, Death Stranding 2 entrega uma experiência única e memorável.

Pedro Muniz

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A conteúdo extra colaborativo com NieR Automata chegou no dia 20 de novembro, e era uma colaboração bem previsível, devo dizer, visto os elogios proferidos pelo Yoko Taro mais próximo ao lançamento do Stellar Blade. A DLC é basicamente referente a diversos itens de vestuário da franquia da Square Enix.

Recebemos um código da DLC e tivemos a oportunidade de testar os trajes de NieR, mas não é tão simples assim. Para adquirir os itens, precisamos encontrar um conhecido personagem da franquia, e por meio dele, podemos adquirir os itens utilizando as Lágrimas Estelares, que estão espalhadas pelo mapa.

Fizemos um guia para ajudar a localizar cada uma das Lágrimas, mas o próprio jogo nos dá a dica de onde eles se encontram por meio de imagens. Em geral, curti muito as novas roupas e cabelos, que servem tanto para a EVE quanto para os outros personagens da nossa party. Os trajes, como de costume, são muito bem detalhados e remetem muito a NieR.

Finalmente um modo foto

Esse jogo visualmente é bem interessante, se é que me entendem, e depois de bastante tempo, o jogo finalmente recebeu um modo foto. Não é dos mais complexos, mas funciona bem apesar de simples. Abaixo deixarei algumas fotos que tirei, inclusive, com os novos trajes do jogo. Veja:

Outras atualizações no patch

Além do modo foto citado, o patch também adicionou algumas boas melhorias ao jogo. Para aqueles que possuem um PS5 Pro, existem dois novos modos Pro, que fazem a experiência no jogo melhorar bastante. Ainda não pudemos testar essas melhorias, mas creio que para a próxima DLC, podemos dar mais detalhes sobre ela.

A sincronia labial do jogo foi melhorada no jogo, incluindo novos idiomas e que, felizmente, o nosso português está incluso. Em termos de imersão, o jogo na nossa língua melhorou bastante. Agora podemos também trocar as músicas no acampamento, deixando o descanso mais confortável. E outra coisa: o jogo recebeu novos trajes que você pode conferir abaixo:

Veredito

É bom deixar claro que para ter acesso aos conteúdos das DLC conjunta com NieR Automata, é necessário adquirir a expansão, que custa R$53,90. Considero um preço justo. Porém, todos os outros conteúdos citados aqui podem ser adquiridos de forma gratuita, o que é excelente.

Mas existem alguns pontos, que inclusive podem melhorar sobre o jogo. Ele não tem uma seleção de fases ou possibilidade de ter diversos saves, ou seja, se já tiver terminado o jogo, como eu, e tiver apenas um save no final, será necessário rejogá-lo.

Devo dizer que isso é um fato incomodo, mesmo que tenha sido divertido jogar novamente, foi preciso jogar um tempo considerável apenas para ter acesso aos novos trajes, e isso poderia ter sido “resolvido” de forma bem simples.

Mas falando dos novos conteúdos em si, fiquei bastante satisfeito com tudo o que vi no jogo, porém, não poderia deixar de falar sobre esse defeito que é bem incomodo.

Pedro Muniz

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Eu como sempre, preferi esperar para ver e não tirar conclusões só de um achismo, como tem acontecido amplamente com os ditos fãs da indústria. Essa minha maneira de agir não é uma novidade para essas polêmicas, quem acompanha o site sabe, e isso me faz ter uma experiência mais prazerosa do que a maioria das pessoas que só sabem reclamar.

E novamente fico feliz que foi uma decisão acertada, o que eu vi neste remaster de Horizon Zero Dawn me deixou boquiaberto. Caso não tenha jogado Horizon Forbidden West, não tem noção de que este jogo é um dos mais belos jogos da indústria, e o mais impressionante neste caso é o fato de ser um jogo cross-gen. Horizon Zero Dawn Remastered chega perto de alcançar o mesmo nível gráfico…

Do que se trata o jogo?

Meu objetivo com esta análise é comentar sobre as melhorias que o jogo tem em relação ao jogo original, mas vou dar um breve resumo sobre o que se trata este jogo originalmente. Inclusive, é um dos jogos com universo mais criativo que temos nos últimos anos, se tornando uma das IPs mais importantes e frequentes da Sony.

Horizon Zero Dawn é um jogo de ação e aventura em terceira pessoa, com elementos de RPG, em um vasto e belo mundo aberto. Gostava de definir o mundo deste jogo com um pós-pós-apocalipse, algo inclusive bem inovador para a época, e até hoje não temos um mundo deste tipo em outros jogos.

No universo de Horizon, os humanos criaram IAs muito poderosas com o objetivo de guiar a humanidade para um futuro mais próspero e sustentável para o mundo. Porém, uma das IAs, chamada carinhosamente de Hades, decide que para a sobrevivência do mundo, a humanidade tinha que acabar. Então foi iniciada uma guerra dos humanos contra as máquinas controladas por Hades.

O Hades é aparentemente derrotado, porém, a humanidade sofreu prejuízos irreparáveis, chegando a beira da extinção. Anos e anos se passaram, os humanos começaram a se reestabelecer no mundo, porém, agora com a árdua tarefa de sobreviver em um mundo dominado pelas máquinas.

E é neste mundo que surge a Aloy, a protagonista do jogo, que tem uma história intrinsicamente ligada com toda a história do mundo, e descobrir isso torna a experiência do jogo muito legal. Este jogo tem uma das histórias mais complexas que vi nos últimos anos, são diversas camadas, diversos detalhes que tornam o enredo do jogo especial. E ele cresce bastante na sequência e em outros jogos do universo.

Dito isso, no jogo enfrentamos tanto as máquinas quanto inimigos humanos de outras tribos, e para isso, temos a disposição diversas armas de longo alcance, que vão desde arco e flecha até alguns tipos de metralhadora. Temos uma lança da qual podemos golpear os inimigos a curta distância, mas podemos também os enfrentar de forma mais tática, utilizando armadilhas e coisas do tipo.

Como disse, este é um jogo de mundo aberto, do qual vamos liberando cada vez mais partes dele conforme avançamos na história. E para nos locomovermos nele, podemos “domar” algumas das máquinas, além de utilizar de viagem rápida que vem na forma de fogueiras no mapa, mas cada viagem rápida requer a utilização de um item consumível.

Quais as melhorias do remaster?

Vimos alguns remasters/remakes recentemente, sendo eles tratados de fato como um novo jogo. Horizon Zero Dawn Remastered é mais tratado como um upgrade, semelhante ao que víamos no início da geração com jogos como o próprio Horizon Forbidden West, God of War Ragnarok e etc. Aqui, o upgrade para quem já possui o jogo custa 50 reais.

Mas no caso deste jogo, acredito que o valor do upgrade esteja mais do que justo por tudo o que ele entrega de melhorias em relação ao jogo original. Levando em consideração o primeiro jogo, de fato temos um jogo muito bonito, mas é óbvio que para os dias de hoje, alguns detalhes no gráfico acabam por ficam defasados, ainda mais levando em consideração a sua sequência.

A Nixxes, junto com a Guerrilla, fez um trabalho soberbo para deixar este jogo tão bonito quanto um jogo desta atual geração. E digo mais, este jogo está muito mais bonito que diversos jogos que temos disponíveis no mercado. O jogo possui 3 modos de jogo, priorizando a resolução, taxa de quadros e um modo que tenta fazer uma média entre esses dois.

O mundo do jogo aparentemente foi totalmente refeito de forma manual, e isso é comprovado pelo fato de que não temos apenas os assets já existentes no jogo com uma textura de maior qualidade. Temos diversos assets novos de fato, talvez transferidos do Forbidden West, mas que dão uma nova roupagem sensacional para este jogo.

Apesar de desde o início ser um jogo muito bonito, algumas coisas no jogo original incomodavam um pouco, e uma delas era a água do jogo. Era uma água acinzentada com reflexos de baixíssima qualidade, e isso é uma das coisas que melhorou bastante aqui. Não chega ao nível que vemos em Forbidden West, mas está infinitamente superior ao que vimos anteriormente.

Outra clara melhoria se dá nas expressões faciais e na forma como os personagens interagem nas conversas. Para os perdidos, em algumas das conversas do jogo, podemos escolher a forma como iremos falar, podemos entrar em alguns assuntos que não tem muito a ver com o desenrolar do jogo em si, e coisas do tipo. E a forma como os personagens agiam nestes momentos eram simplesmente ridículos.

Vimos uma grande melhoria no visual neste quesito no Forbidden West, e felizmente esta melhoria veio também para o Horizon Zero Dawn Remastered. De acordo com os desenvolvedores, foram mais de dez horas de novas cenas que tomam o lugar daquelas cenas horrendas que tínhamos no jogo original.

Os modelos dos personagens e das máquinas também foram bastante melhorados, apesar de ainda utilizarem o mesmo modelo em si. Lembra que na época do lançamento do Forbidden West, muito foi comentado sobre a “barba” da Aloy? Apesar das críticas de uma parte mais infantil do público gamer, isso mostrava uma capacidade gráfica impressionante da Decima Engine.

E melhorias deste nível também estão presentes nesta remasterização. Novamente, me encontrei boquiaberto admirando a beleza deste jogo. E uma cosa importante é o fato de o jogo conseguir utilizar o save do jogo original, então você pode seguir de onde tinha parado anteriormente.

Vale a pena?

Quando vi esta remasterização ser anunciada, esperava encontrar melhores texturas apenas. Mas o que encontrei neste jogo foi quase um remake, posso definir está como uma das melhores remasterizações que já vi no mercado, justamente de um jogo que já definiam como bonito o suficiente.

Cada dia fico mais impressionado com a capacidade da Decima Engine e o mesmo pode ser dito da Nixxes, que tem feito diversos trabalhos consistentes nos últimos meses. Já perdi a conta de quantos ports foram feitos por eles, e a qualidade deles é inegável. Realmente, fiquei impressionado com este jogo e recomendo fortemente.

Pedro Muniz

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Com o decorrer dos anos, houve diversas tentativas de criar um mascote novo, não que este fosse o objetivo, afinal a Sony partiu para um caminho diferente da Nintendo, por exemplo. Tivemos Sly Cooper, Jak and Dexter, Ratchet & Clank, Little Big Planet (Sackboy) e até mesmo o Knack. Mas aos poucos, estes jogos foram desaparecendo, até restar apenas o Ratchet entre nós (único desenvolvido totalmente pela PlaySation até hoje).

Porém, no início da geração, tivemos um case de sucesso meio que inesperado, e que vem conquistando seu espaço principalmente por sua consistência. Estamos falando do astro dessa nossa análise, literalmente o Astro. Tendo aparecido pela primeira vez em Astro Bot: Rescue Mission, exclusivamente para PSVR1, e mais recentemente em Astro’s Playroom, tech demo do controle dualsense do PS5.

Astro Bot

2024 tem sido um ano fraco para o PlayStation em termos de jogos produzidos no selo próprio, apesar de ter sido um ano muito bom em jogos terceiros. Recentemente tivemos o, quase certo, maior fracasso da história da Sony, Concord, um hero shooter GAAS (game as a service) que teve seus servidores encerrados em menos de duas semanas por falta de interesse do público.

E curiosamente, no mesmo dia em que seus servidores foram encerrados, chegou Astro Bot, que atualmente é o jogo (excluindo certas DLCs) mais bem avaliado do ano, e um dos mais bem avaliados da história, tendo por exemplo uma nota igual a God of War Ragnarok e superior a Final Fantasy VII Rebirth, segunda maior nota do ano.

E só esse fato já impressiona bastante, principalmente pelo fato deste jogo ter sido produzido por uma equipe de apenas 60 funcionários em um período de três anos (que, por mais incrível que pareça, hoje é um tempo curto). Posso desde já deixar claro que esse é um jogo de sucesso e de uma qualidade absurda.

Alguns podem até falar que a Nintendo faz isso a anos, é que não é nada especial. Mas para estes que falam tal coisa, os convido a dar uma simples pesquisada na quantidade de pessoas que trabalharam nestes jogos. Posso afirmar que não chegam perto de ser uma equipe pequena como a da Team Asobi, então creio que não adianta tentar tirar o mérito do jogo e da equipe.

Como o jogo funciona?

Bom, acabei me estendendo um pouco mais do que o necessário nessa introdução. Pois bem, vamos ao que realmente interessa, que é o jogo em si. Astro Bot é um jogo de aventura em terceira pessoa, do gênero plataforma, onde controlamos quem? Ele mesmo, o Astro.

Ele é um pequeno robô branco e azul, as cores do PlayStation, bem carismático, mas que para alguns pode não ser suficiente em termos de profundidade de personagem. Se tratarmos de profundidade, background ou coisas do tipo, de fato temos um personagem bem vazio, mas que, na minha opinião, funciona muito bem. Aliás, acho que não precisa de um aprofundamento neste caso, acredito que foi feito com esse pensamento, mas para um futuro jogo, acho que uma história de fundo cairia bem.

O jogo é em terceira pessoa, e de padrão, podemos golpear, dar um golpe giratório por meio de um carregamento no botão de golpear, podemos pular, planar e agarrar objetos. Bem simples, porém, este jogo possui algumas habilidades únicas em cada fase que fazem toda diferença.

Por exemplo, temos habilidade que nos permitem dar dash para frente, para cima, temos uma que nos transformam em uma bola de ferro, que nos permite golpear a longas distancias, que nos fazem diminuir o tamanho, entre outros. Essas habilidades tornam a jogabilidade muito diferente, evitando assim o cansaço ao jogá-lo.

No jogo, temos cinco galáxias para explorar (e uma secreta com fases mais desafiadoras), cada uma delas com algumas fases curtas, mas muito divertidas. Cada fase possui um bioma único que, novamente faz com que a experiência não se torne cansativa. Cada um desses universos possui um chefe e alguns mini chefes, que são bem divertidos por sinal.

Easter-eggs de respeito

Uma coisa muito legal que Astro’s Playroom trouxe para a franquia, foi a presença de robôs temáticos de diversas franquias que fizeram parte da história da PlayStation. Em Astro Bot estes robôs estão de volta, muito mais detalhados e com a presença de novas franquias, recentes e antigas, que trazem um charme a mais para o jogo.

Mas eles não são apenas estéticos, fazem parte da gameplay de forma bem profunda. Primeiramente pelo fato de que os chefes só podem ser acessados se tivermos determinada quantidade de robôs resgatados. Cada fase geralmente tem 7 deles escondidos, e procurá-los é muito divertido.

Alguns destes robôs tem um certo destaque no jogo, tendo fases temáticas dos jogos, que simulam os visuais e até mesmo a trilha sonora, com a cara do jogo obviamente. Essas fases são únicas, com uma gameplay totalmente diferente das fases comuns do jogo, e podem ser definidas simplesmente como especiais. Realmente, um dos pontos altos do jogo.

Podemos utilizar os robôs que resgatamos para nos ajudar a cumprir algumas tarefas numa espécie de base ou hub do jogo. A forma que eles interagem ao serem chamados é bem legal e muito bonitinho. Esse jogo é um prato cheio para crianças, e para nós adultos também.

Ao entrar em cada uma das fases, temos um pequeno período que controlamos o dualsense como uma forma de aeronave, e nele, temos a capacidade de ir para a direita e esquerda por meio do giroscópio do controle, e podemos também acelerar apertando os dois gatilhos.

Inclusive, assim como aconteceu com o Astro’s Playroom, em Astro Bot temos a melhor utilização das funções do dualsense. É simplesmente sacanagem de tão bom que foi a implementação dos gatilhos adaptáveis, feedback haptico, da saída de som, giroscópio, e até mesmo do microfone embutido no controle.

Tem uma história?

Bom, logo ao iniciarmos o jogo, conseguimos perceber que ele é uma sequência direta da tech demo gratuita que todos os compradores de PS5 tem. Caso não tenha jogado, recomendo bastante, mas caso queira seguir direto para Astro Bot, em Playroom nós conhecemos cada uma das partes do PS5 enquanto experimentamos os recursos do dualsense.

No Playroom, coletamos cada um dos consoles e acessórios da história da PlayStation e ao final do jogo, conseguimos o PS5. Dito isso, em Astro Bot, durante uma viagem espacial, damos de cara com um alienígena que destrói em PS5 em pedaços e os espalha pelas cinco galáxias do jogo.

Assim como as partes do console foram espalhadas, os robôs também, então nossa missão no jogo é recuperar cada uma das partes do PS5 e resgatar os robôs perdidos, que meio que são a nossa tripulação. E basicamente, essa é a história do jogo em si. Bem simples, mas suficiente para fazer o jogo funcionar.

Visual e trilha sonora

Na parte visual, não temos um jogo com gráfico realista como vemos em vários jogos da PlayStation, temos aqui um jogo com um visual bem simples, mas extremamente carismático. Mas nem de longe esse jogo pode ser definido como feio, muito pelo contrário, é um dos jogos mais bonitinhos que já vi.

O Astro’s Playroom já tinha um visual muito bem-produzido na época, e ao jogarmos Astro Bot, aparentemente é o mesmo gráfico. Porém, se compararmos um jogo ao outro, é mais do que perceptível o quanto esse jogo melhorou graficamente falando. E é aí que o simples desaparece e percebemos que o visual do jogo é realmente muito bom.

E se o jogo não possui um gráfico muito realista, os desenvolvedores escolheram aplicar seus esforços em tornar a física do jogo a mais realista possível. E eles atingiram um patamar muito absurdo, pois as físicas nesse jogo são impressionantes. E elas reagem ao nosso personagem e aos cenários de forma muito realista, mesmo que com um visual bem cartoon.

E a parte que realmente é impressionante é o fato de o jogo rodar em 4K dinâmico fixado em 60 fps sem quedas, de acordo com a Digital Foundry. O jogo possui uma performance absurda e saiu sem a necessidade de um patch para corrigir problemas, e isso é uma coisa muito rara hoje me dia, a Team Asobi realmente merece os méritos.

Assim como o jogo arrasa no seu visual, na parte sonora ele não perde em nada também. A física é muito realista e a parte sonora que vem com ela contribui para que ela seja ainda mais impressionante. E o som saindo no controle nos traz uma imersão ainda maior no jogo e em tudo que interagimos nele.

Nas músicas, o jogo vai muito bem também, com composições bem características da trilha sonora da franquia, mas com boas novidades também. Lembra que comentei que temos fases temáticas de outros jogos? Nessas fases, temos uma trilha sonora igualmente temática, mas com um toque especial dos sons característicos do jogo, e o resultado foi simplesmente incrível.

Varedito

A experiência de jogar Astro Bot foi simplesmente incrível, e se existe uma palavra que pode definir o jogo é diversão. Esse jogo é isso, diversão do início ao fim, e além de divertir, ele é muito satisfatório, a física então, nem se fala… É um jogo curto, mas acredito que o tempo seja suficiente para não se tornar cansativo.

Astro Bot não é um jogo difícil, e isso faz com que qualquer pessoa seja capaz de jogá-lo, independentemente da idade. Alguns podem reclamar de o jogo não trazer desafios, e eu entendo, mas na minha opinião, o jogo da forma que está, é perfeito. É claro, sempre é possível achar pontos de melhoria, mas do jeito que o jogo saiu, está muito bom.

E já foram confirmadas DLCs gratuitas que adicionarão ainda mais conteúdos ao jogo. A minha experiência foi totalmente positiva, mas diz você! Já testou o jogo? O que achou? Pretende jogar? Diga nos comentários…

Pedro Muniz

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Mas gostaria de entrar um pouco sobre este assunto polêmico, dar minha opinião sobre, mas caso não tenha interesse, é só pular para o tópico “vamos ao jogo”.

Polêmicas Vazias (opinião)

Mas para começo de conversa, podemos passar um pouco sobre esse tema polêmico, que é referente a sexualização da personagem Eve, protagonista do jogo. Após finalizar o jogo, posso afirmar que em nenhum me senti incomodado, e posso falar que joguei ao lado de uma mulher e que ela igualmente não se sentiu incomodada.

Claro, isso não quer dizer nada, é uma experiência minha e não universal, mas é um tema que está sempre em destaque desde sempre. Tivemos casos parecidos em NieR Automata com a 2B principalmente, em Metal Gear Solid The Phatom Pain com a Quiet, sem contar os diversos jogos de luta que temos no mercado.

Uma coisa em comum que estes jogos têm é que a maioria deles são desenvolvidos por estúdios asiáticos, e que por diversos motivos, possuem mais liberdade para explorar tais coisas. Exemplo disso são os animes, que até mesmo aqueles mais infantis, possuem algum traço de sexualização.

Temos aí uma questão cultural, e no ocidente, coincidentemente a questão cultural vai contra esta citada no oriente. É direito de todos não gostar de uma coisa, mas isso não muda um fato: o jogo foi feito seguindo a visão de seu criador. É necessário ter este conhecimento e aceitá-lo, caso isso não seja possível, simplesmente não compre e nem jogue.

Já vi pessoas citando que o diretor nunca tenha visto uma mulher na vida para ter feito um design tão vulgar como este, mas além de a personagem ser modelada conforme o corpo de uma atriz real, todos os traços alterados do modelo foram feitos pela própria esposa do diretor. Agora, outro ponto é que a cultura ocidental tem que ser respeitada, mas como adquirir respeito sem respeitar outra, um pouco de hipocrisia, não?

Estamos em um momento em que tudo precisa ser problematizado, principalmente aqui no ocidente. Estamos em um momento em que tudo se trata de representatividade, e se existir algo que não me represente, tem um problema. Tudo isso simplesmente para alimentar alguns egos mais frágeis.

Não me entendam mal, representatividade é importante, uma pauta que só conseguiu ter sucesso após décadas ou centenas de anos de luta por parte das minorias. Mas se desmerecer tanto a ponto de simplesmente querer aparecer sem ter uma razão ou motivação que faça sentido na história, é no mínimo curioso.

Alguém pode não se sentir representada por meio do corpo da protagonista, mas se você fizer uma simples pesquisa no instagram, vai ver que existe não apenas milhares, mas milhões de mulheres assim. Então, caso não curta, repito, não compre e não jogue, ou vá atrás do que você acha correto e faça melhor.

Vamos ao jogo

Agora vamos ao que realmente importa, Stellar Blade. Bom, desde seu anúncio, quando era conhecido como Project Eve, me interessei pelo projeto, e isso me traz uma certa felicidade hoje em dia. Vi como este projeto foi mudando ao longo dos anos, crescendo em escopo, e quando finalmente obteve seu real nome, já estava muito maior do que era em seu início.

Mas desde sua primeira aparição, uma coisa sempre chamou a atenção: seu combate. Ainda não tínhamos colocado a mão no jogo, mas visualmente, sempre pareceu divertido e desafiador. Para início de conversa, estamos diante de um hack’n’slash, mas não é daqueles que é simplesmente esmagar os botões.

Como o jogo funciona?

Como disse, o jogo é um hack’n’slash, mas é daqueles que simplesmente bater não é o suficiente, e ele vai te dar muitas maneiras de se defender. Mas começando pelo básico, podemos realizar ataques fracos e fortes, sendo os mais fracos mais rápidos e os mais fortes, mais lentos, obviamente. Apertar esses botões sucessivamente gerarão combos, inclusive podendo apertá-los em diferentes ordens.

Por meio do “bolinha”, podemos desviar dos ataques, em todas as direções possíveis, e por meio do L1, bloqueá-los. Mas não para por aí. Se por acaso, pressionar o L1, mas qualquer um dos quatro botões, um tipo de ataque especial será ativado. E mais pra frente no jogo, caso pressione o R1 e aperte algum dos quatro botões, outro ataque especial será ativado.

Se apertar R2, terá acesso a uma arma e poderá atirar com ela, utilizando diversos tipos diferentes de munição. E caso aperte também L3+R3, terá um modo “fúria” semelhante aqueles que temos em God of War ou Final Fantasy XVI por exemplo. Modos de derrotar os inimigos é o que não falta.

TPS

O jogo possui diversas árvores de habilidades, sendo cada uma delas referente a algum aspecto do jogo. Por exemplo, estes golpes com o L1 e o R1 podem ser melhorados, assim como todos estes outros citados. E ainda não comentei um elemento da gameplay importante, os golpes a longo alcance.

Podemos utilizar nossa espada para dar golpes a distância, mas o jogo vai além disso e introduz uma arma, que transforma o jogo literalmente em um TPS, jogo de tiro em terceira pessoa. Alguns locais só podemos utilizar esta arma, e nestes momentos, o jogo se transforma num Resident Evil like muito maneiro. Podemos também aprimorar a arma e acessar diversos tipos de munição.

Linear?

Bom se levarmos em consideração a campanha do jogo, pode se dizer sim que o jogo é linear em grande parte do jogo, porém, temos alguns cenários que são mais abertos. Nestes cenários, podemos andar livremente, sem um rumo pré-definido. E nele é onde faremos grande parte das missões secundárias do jogo.

O jogo possui uma grande gama de missões secundárias, que podem até ser um pouco repetitivas, mas que trazem recompensas muito boas. Para explorar os cenários, além de correr, podemos saltar, inclusive dar saltos duplos, e usar dashs no ar. A Eve também tem a capacidade de escalar algumas paredes, o que contribui com a verticalidade do jogo.

Uma coisa que o jogo faz bem é variar a sua jogabilidade, como já disse, temos os momentos de combate corpo a corpo, os momentos de shooter, a exploração em diferentes níveis dos cenários, podemos até mesmo usar nossa espada como prancha em determinados locais. É um jogo que dificilmente vai te cansar.

Variedade de inimigos

Deixo claro desde já que existe uma grande variedade de inimigos no jogo, e desde os mais fracos, o desafio nunca vai deixar de existir. Cada inimigo possui um padrão de ataque bem definido, tendo também golpes normais e golpes mais poderosos.

Para nos defender dos golpes, podemos utilizar tanto o bloqueio quanto a esquiva, e se fizermos qualquer um destes no momento certo, temos um bloqueio/esquiva perfeita. Ao fazer isso, o tempo dá uma diminuída e nos possibilita uma pequena abertura de tempo, mas é bem pequena mesma.

Alguns golpes dos inimigos brilham e determinadas cores como azul e rosa, e nestes casos, podemos utilizar um combo que vai nos dar uma vantagem boa. No caso do azul por exemplo, se apertarmos o “bola” e colocarmos o analógico para frente, realizaremos um teleporte para atrás do inimigo, onde ele recebe mais dano e não pode se defender.

Em geral, cada cenário possui inimigos únicos, mas em determinados momentos, alguns inimigos acabem se repetindo. Mas em Stellar Blade, isso não é um problema pois o jogo tem um combate muito divertido e satisfatório. A repetição de inimigos nos torna mais experientes nos combates, e com a experiência, podemos realizar os desvios e bloqueios perfeito, que são extremamente satisfatórios.

E a parte visual/sonora?

Bom, a polêmica deste jogo vem desta parte, não é mesmo? E isso em si já é um atestado da qualidade do jogo neste sentido, mas ele ainda não é perfeito. Em relação aos modelos dos personagens jogáveis e não jogáveis, não há o que falar. São simplesmente muito bem desenvolvidos.

Cada personagem é muito bem detalhado, com aquele traço característico das obras orientais, e neste caso, traços característicos das obras coreanas. E se levarmos em consideração a Eve, o nível de qualidade vai lá no alto. A personagem é super detalhada, com diversas físicas envolvidas, inclusive, a física dos cabelos é uma das melhores que já vi até então.

E nos combates, a qualidade não cai nem um pouco, com diversas partículas em tela, tornando cada luta simplesmente linda. E isso é aprimorado por meio dos três diferentes modos de jogo, priorizando respectivamente gráficos, taxa de quadros e um híbrido que busca um pouco dos dois mundos.

Outra coisa impressionante é a quantidade de skins diferenciadas que o jogo possui, simplesmente sensacionais. Mas para conseguir todas, não será uma tarefa simples, nem difícil, mas demorada, o que não faz mal quando o jogo é extremamente divertido.

Os cenários são igualmente bonitos e variados neste jogo, mas isso se aplica apenas quando estamos em cenários fechados. Quando acessamos os cenários mais abertos, as texturas começam a pedir arrego, sendo este o único ponto negativo em termos visuais.

Já em termos de trilha sonora, acredito que para eu tenha ficado num meio termo. As músicas são, vezes clássica, vezes pop, vezes rock, bem variada. Porém, em determinados momentos ela acaba ficando repetitiva, por tocar uma música cantada em loop, e isso pode ser um pouco incômodo. Mas confesso que comigo aconteceu apenas uma vez.

A história é legal? O jogo vale a pena?

Bom, em termos de história, temos um daqueles clichês bem legais, o que para alguns pode ser um ponto negativo, mas que não incomodou na minha experiência. Caso foque na campanha, a história é bem simples e previsível, mas não a ponto de deixar o jogo desinteressante.

E tem um porém, caso faça as missões secundárias e leia os arquivos de texto disponíveis no jogo, a história pode dar um salto de complexidade bem grande. Mas de fato, é um dos pontos onde o jogo fica um pouco abaixo, mas que está longe de ser ruim e longe de ser um problema devido a sua diversão.

E no final, para aqueles que só querem polemizar, estarão apenas perdendo uma experiência incrível visualmente e em termos de gameplay. Dificilmente um jogo me prende da forma que este jogo fez.

Sua gameplay é capaz de agradar tanto aqueles que curtem hack’n’slash como eu, mas ele também tem uma gameplay que se assemelha um pouco com jogos souls like, podendo atingir um público bem maior. No final do dia, o jogo traz uma experiência simplesmente sensacional. Recomendo Stellar Blade para todos aqueles que possuem o PlayStation 5, garanto que não vão se arrepender.

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Pedro Muniz

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