É possível transformar a grandiosidade de uma estrutura teatral e lírica em uma experiência cinematográfica intimista e avassaladora? Em Ópera – Canção para um Eclipse, a distribuição da Imovision apresenta uma obra que desafia os rótulos tradicionais do cinema autoral. O filme utiliza a música dramática e o conceito de um eclipse iminente para guiar o espectador por um labirinto de emoções que envolve solidão, paixão e transformação espiritual.

A trama se constrói como uma verdadeira peça em atos, onde cada cena parece ensaiada para extrair o máximo de poesia dos encontros e desencontros de seus personagens. À medida que o fenômeno celeste se aproxima, as tensões acumuladas vêm à tona em um crescendo dramático marcado por composições marcantes e um uso impecável do silêncio. A direção recusa o caminho do melodrama fácil e aposta na construção de atmosfera, permitindo que a imagem e o som contem a história por si sós.

A proposta de unir a estética da ópera à linguagem do cinema ressoa como um exercício estético ambicioso. O resultado é uma obra instigante, que convida o público a se desligar do ritmo acelerado do cotidiano para se imergir completamente na proposta lírica da produção.

Atuações Expressivas e um Design de Som Arrebatador

O maior trunfo de Ópera – Canção para um Eclipse reside na entrega do seu elenco principal, que consegue transitar entre a teatralidade da ópera e a sutileza da interpretação para as telas. Sem depender de diálogos explicativos, os atores utilizam a expressão corporal, o olhar e o alcance vocal para transmitir o peso psicológico de viver à sombra de um evento transformador.

A direção de fotografia valoriza o contraste entre sombras profundas e fachos de luz natural, simulando a penumbra que antecede o eclipse e criando quadros esteticamente impecáveis. Somado a isso, o trabalho de design de som e trilha sonora surge como o verdadeiro pilar da narrativa, reverberando a melancolia e o desejo dos personagens de forma que ecoa na sala de cinema com potência impressionante.

Embora o ritmo pausado e a narrativa altamente contemplativa possam afastar os espectadores habituados a produções comerciais, a cadência rigorosa é fundamental para que o impacto poético da história amadureça e ganhe a força necessária em seu desfecho.

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Um Convite Imperdível ao Cinema de Sensações

Ópera – Canção para um Eclipse se consolida como uma celebração da arte em sua forma mais pura. Ao articular a música lírica com o rigor estético do cinema contemporâneo, o longa entrega uma jornada hipnotizante e memorável.

O filme é uma recomendação indispensável para quem busca uma experiência diferente nas salas de cinema, pautada pela sensibilidade visual e pelo apuro auditivo.

O que você acha da união entre a ópera e o cinema autoral? Ficou curioso para assistir? Deixe suas impressões nos comentários!

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Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

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É possível transformar o luto e a busca pela identidade em um suspense magnético e profundamente poético? Em Mirrors No. 3, o aclamado diretor alemão Christian Petzold demonstra mais uma vez sua maestria ao conduzir uma narrativa elegante, cheia de camadas e sustentada pelo mistério. Exibido no Festival de Cannes e aclamado pela crítica internacional, o longa-metragem explora os limites entre o real e o ilusório, utilizando a música e os reflexos como metáforas para as dores do passado.

A trama acompanha a jornada de uma pianista interpretada por Paula Beer, que tenta se reconstruir após um evento traumático. Ao se isolar em uma propriedade cercada pela natureza e por memórias inacabadas, a protagonista passa a ser assombrada por ecos de suas próprias composições e por encontros enigmáticos. Petzold filma cada espaço com precisão cirúrgica, criando uma atmosfera onde o silêncio e as composições musicais dizem muito mais do que os diálogos explícitos.

A direção recusa as soluções fáceis dos dramas convencionais. Em vez de entregar respostas mastigadas para o espectador, o cineasta constrói um quebra-cabeça emocional que exige atenção e sensibilidade, fazendo com que o clima de mistério cresça a cada cena sem nunca perder a delicadeza visual.

A Presença Magnética de Paula Beer e a Rigorosa Construção Técnica

O grande pilar emocional de Mirrors No. 3 é a performance arrebatadora de Paula Beer. A atriz, que já demonstrou uma sintonia perfeita com Petzold em trabalhos anteriores como Em Trânsito e Undine, entrega aqui uma atuação contida, expressiva e cheia de nuance. Por meio de seus gestos minuciosos ao piano e de olhares carregados de melancolia, ela guia o público por um labirinto interior sufocante e fascinante.

A fotografia utiliza jogos de luz e espelhamentos para refletir a fragmentação mental da personagem, criando quadros que parecem pinturas melancólicas. A trilha sonora, que ressoa o título inspirado nas composições clássicas de Maurice Ravel, funciona como um personagem próprio, pontuando os momentos de tensão psicológica e oferecendo brechas de pura emoção no meio da frieza do isolamento.

O ritmo do filme é rigoroso e pausado, mas longe de ser monótono. A condução precisa do diretor permite que cada cena respire e que a tensão dramática se acumule de forma orgânica, culminando em um desfecho poético que permanece na mente do público muito tempo após os créditos finais.

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O Veredito de um Trabalho Obrigatório no Cinema Autoral

Mirrors No. 3 se consolida como uma das obras mais inspiradas da carreira recente de Christian Petzold e reafirma Paula Beer como uma das maiores atrizes do cinema europeu contemporâneo. A produção combina sofisticação estética, profundidade temática e atuações memoráveis para entregar um drama imperdível.

O filme é um convite indispensável para quem aprecia um cinema de autor inteligente, instigante e visualmente deslumbrante.

Você é fã do cinema de Christian Petzold e Paula Beer? Deixe sua opinião nos comentários e conte suas expectativas para assistir ao filme!

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Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

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Como reinventar uma das figuras mais celebradas do folclore mundial sem cair nas armadilhas dos clichês de ação? Em A Morte de Robin Hood, o diretor Michael Sarnoski entrega uma obra-prima de sensibilidade e ousadia. O cineasta despia o lendário fora da lei de qualquer superficialidade e o transforma em um homem assombrado pela culpa, pelo envelhecimento e pelas marcas inapagáveis de seu passado. A proposta de humanizar a lenda medieval surge fascinante do início ao fim, oferecendo uma experiência contemplativa, intensa e emocionalmente arrebatadora.

O filme abre com uma atmosfera crua e visceral, imergindo o público em batalhas impactantes, lâminas enferrujadas e paisagens deslumbrantes que estabelecem o peso daquele universo. Após essa introdução marcante, a narrativa abraça um tom intimista que convida o espectador a mergulhar na psique do protagonista. A produção substitui as perseguições frenéticas por um tom reflexivo extremamente elegante, onde cada momento de silêncio e cada olhar carregam um significado profundo sobre a mortalidade e o legado.

A escolha de se afastar dos elementos mais batidos do folclore tradicional isola o herói de maneira genial. Ao focar no dilema existencial do personagem, a obra não apenas renova o mito, mas eleva o filme de época a um patamar artístico raramente visto no cinema comercial recente.

Performances Monumentais de Hugh Jackman e Jodie Comer

No papel principal, Hugh Jackman entrega uma das atuações mais poderosas e marcantes de toda a sua carreira. O ator transmite com maestria o peso físico e psicológico de um Robin Hood exausto, utilizando sua postura corporal e seu olhar doloroso para construir uma figura de humanidade comovente. É um trabalho contido, maduro e brilhante, que mostra a versatilidade de Jackman ao compor um homem que busca desesperadamente a redenção no crepúsculo de sua vida.

Jodie Comer brilha com igual intensidade ao erguer o grande contraponto emocional da narrativa. A atriz entrega uma atuação impecável e cheia de camadas, dependente de pequenos gestos e de uma presença de cena magnética que ilumina as telas. A química entre os dois atores é o coração pulsante da produção, permitindo que a dor, o perdão e a compaixão sejam sentidos em sua forma mais pura.

A direção de fotografia é outro ponto altíssimo do longa, capturando a transição entre a imensidão lamacenta das guerras e o aconchego dos ambientes onde a alma dos personagens é despida. A condução pausada da direção não é um obstáculo, mas sim uma virtude necessária que permite que o impacto emocional de cada revelação amadureça com perfeição.

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O Triunfo de um Cinema Autêntico e o Veredito Final

A Morte de Robin Hood se consolida como um exercício de estilo magnífico e visceral. Ao recusar as fórmulas prontas do cinema de ação tradicional, o longa consegue alcançar uma profundidade emocional genuína, coroada por um trabalho técnico irrepreensível e atuações que certamente serão lembradas por muito tempo.

O filme é um presente inesquecível para quem busca uma obra madura, poética e visualmente deslumbrante, capaz de emocionar e fazer refletir muito após o subir dos créditos.

Você prefere as aventuras tradicionais de Robin Hood ou gostou dessa versão mais humana e contemplativa? Deixe sua opinião nos comentários!

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Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

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Por Alef Reis

Como descrever a visão artística de Amelia Toledo? Amelia Toledo era o tipo de artista capaz de encontrar beleza onde muitos sequer parariam para olhar — até mesmo em uma simples bolha de sabão.

O documentário apresenta a trajetória artística de Amelia e alguns recortes de sua vida pessoal. Ao longo da produção, diferentes pessoas são entrevistadas e compartilham suas próprias percepções sobre a artista. E, mesmo com diferentes pontos de vista, existe uma ideia que parece conectar todo o documentário: Amelia enxergava o mundo de uma maneira muito à frente de seu tempo.

Nascida na década de 1920, Amelia carregava uma visão artística gigantesca. Ao longo do documentário, vemos diferentes fases de sua produção: trabalhos em telas, tecidos, composições de cores e, principalmente, sua relação com as pedras — um dos elementos que mais parecem despertar sua curiosidade.

E é justamente quando falamos das pedras que conseguimos entender um pouco melhor a maneira peculiar como Amelia enxergava a arte. Ela não parecia enxergá-las apenas como objetos encontrados na natureza. Existia algo muito mais profundo nessa relação. Amelia observava suas formas, seus pequenos buracos e imperfeições e conseguia encontrar nelas rostos, bocas, olhos e sentimentos.

Pode parecer estranho à primeira vista. Talvez até um pouco louco. Mas é justamente aí que está a beleza de sua visão artística. Enquanto muitos enxergariam apenas uma pedra, Amelia encontrava uma história. Cada detalhe podia representar alguma coisa. Era como se ela tivesse a capacidade de enxergar além daquilo que estava diante de seus olhos.

A Trajetória Histórica e o Convite ao Olhar Sensível

E essa característica aparece de diferentes formas ao longo do documentário. Seja trabalhando com pedras, explorando cores, tecidos ou outras formas de expressão, Amelia demonstra ser uma artista extremamente completa e, principalmente, curiosa.

Sua trajetória também foi atravessada por momentos difíceis da história brasileira. Amelia viveu o período iniciado em 1964, quando o Brasil entrou em um dos capítulos mais sombrios de sua história. O documentário também apresenta aspectos dessa trajetória e mostra como diferentes momentos de sua vida ajudaram a construir a artista que conhecemos.

Em determinado momento, Amelia também passou uma temporada em Portugal, onde continuou sua atuação artística e chegou a dar aulas de arte.

Mais do que apresentar obras, técnicas e momentos da carreira, o documentário procura apresentar a pessoa por trás da artista. E talvez esse seja um dos seus maiores méritos. Amelia Toledo parece ter passado a vida procurando arte em todos os lugares. Na natureza, nas pedras, nas cores, nos tecidos e até mesmo nas coisas mais simples do cotidiano.

No fim, o documentário não apenas apresenta Amelia Toledo ao público. Ele nos convida a enxergar o mundo um pouco mais como ela enxergava: procurando arte onde, à primeira vista, parece não existir nada.

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Serviço de Exibição: Para quem quiser conhecer mais sobre a artista, haverá uma pré-estreia no Auditório do MIS, na capital paulista, no dia 18/08, às 19h. A entrada é gratuita, com retirada dos ingressos com uma hora de antecedência na bilheteria física do MIS.

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Alef Reis

Entre controles, páginas de livros e maratonas de animes, sempre encontro um motivo pra explorar mais do universo nerd! Apaixonado por jogos desde cedo, também curto falar de filmes, teorias de Heróis (quem nunca) e tudo que mexe com a imaginação. Aqui, divido minhas críticas, reações e momentos com quem sente a mesma paixão.

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Produzido pela Warner Bros. Pictures, além de Anne Hathaway, estão no elenco os vencedores do Emmy Awards Ewan McGregor (Obi-Wan Kenobi) e Christian Convery (Sweet Tooth), a vencedora do Critic’s Choice Awards Maisy Stella (Meu Eu do Futuro) e Jordan Alexa Davis (Em Defesa de Jacob), com direção e roteiro de David Robert Mitchell (Corrente do Mal; O Mistério de Silver Lake), um cineasta com poucas produções cinematográficas até então, mas com produções relevantes que carimbaram sua figurinha em, pelo menos, quatro edições no Festival de Cannes.

A Nerds da Galáxia foi convidada pela Warner Bros. Discovery à cabine de imprensa e traz agora uma crítica sem spoilers de O Fim da Rua, explorando público-alvo desejado e pontos fortes e baixos.

Nota: A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas foram apresentadas em sinopses e trailers.

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História

O Fim da Rua conta a história da família Platt, moradores do bairro Oak Street, na década de 80. O bairro parece ser suburbano, afastado da agitação de grandes centros urbanos, com seus moradores vivendo uma vida modesta — em que tudo virará de cabeça para baixo. No filme, é explicado que ondulações anormais presentes no espaço, decorrentes de uma explosão solar, estão provocando buracos de minhoca que trocam a matéria da realidade atual com a do passado, vitimizando o bairro todo, que acaba sendo “teletransportado” ao período Jurássico.

Como se não bastasse a loucura toda, há ainda os dramas pessoais da família Platt. Denise (Anne Hathaway) e Greg (Ewan McGregor) enfrentam uma crise no casamento, uma distância que os afasta da confidencialidade que esperamos de um matrimônio saudável e ideal, cheio de rancores, lástimas e segredos guardados. O que resvala em seus dois filhos: a recém-jovem-adulta Audrey (Maisy Stella), uma menina mais solitária, prestes a escolher qual curso quer estudar no ensino superior e entusiasta da astronomia; e o adolescente Byan (Christian Convery), aparentemente mais perdido e desolado com a desunião dos pais, com forte dependência emocional com o seu cachorro Starbuck, e mais interessado com a chegada de uma nova vizinha — a Jeannette Christiansen (Jordan Alexa Davis).

Agora, sem possibilidade de fuga, cada problema precisa ser deixado de lado para favorecer a união da família, para que a estranheza não seja mais um peso diante de uma luta entre presas fáceis e predadores colossais.

Filme oferece aventura leve e nostálgica à la Spielberg

É interessante quando um filme de ficção científica cria algum tipo de semelhança poética ou situacional entre o “problema maior”, o motivo que faz o filme ser um sci-fi e mobiliza todo mundo independentemente das diferenças, e o problema mais “interno”, deixado em segundo plano, o que vai criar as camadas que enriquecem os personagens para além das falas e passam por seus pensamentos e ideais. O filme faz acontecer essa associação, que se desencadeia tanto na inacessibilidade entre Denise e Greg, que daria justamente para equiparar essa crise no matrimônio a fugir de um dinossauro, porém deixam em segundo plano a participação dos filhos e os reduzem como vítimas duplas de dois infernos diferentes.

Mesmo discutindo um tema infelizmente atual, sensível e complexo entre relacionamentos, o filme foca-se em uma aventura leve e descompromissada de críticas, pelo menos de forma direta. Tanto que a explicação científica usada é citada por cima, sem aprofundamentos, mas, de certa forma, não é tão descartada, contribuindo para algumas cenas importantes de apuração sobre como sair daquela realidade.

No geral, O Fim da Rua é um filme que lembra bastante, propositalmente, os filmes de fantasia e ação dos anos 90 — inteligentemente pensada devido à onda nostálgica permeante na cultura atual e inspirada nos trabalhos marcantes de Spielberg. O longa é bastante emotivo, familiar e não decepciona a grandiosidade dos dinossauros, com cenas tensas e ótimos efeitos CGI, mas não o abraça como um pilar que sustenta o roteiro todo, tal qual os filmes de Jurassic Park. Em meio a tantos filmes que somente funcionam com efeitos gráficos impecáveis, neste é apenas um detalhe da experiência em família.

Cenas de ação são mais pé no chão com elementos de terror

David Robert Mitchell encarou um enorme desafio, fugindo do que particularmente produziu ao longo da carreira, focado em um terror atmosférico mais lento. Estando em outra seara, David conseguiu manter suas assinaturas e manter uma pegada até então inabitual em filmes que se propuseram a envolver dinossauros: enquanto sempre havia algum personagem que detinha coragem para atacá-los ou sobrevivia a vários episódios de combate, em O Fim da Rua, vimos mais fugas, medo, desespero, inexperiência e ações do “calor do momento”, essências estritamente humanas e reais, que passam por um entendimento nosso e tornam-se algo mais pessoal e convincente.

Os dinossauros também estão mais assustadores, mas darei os créditos não apenas à computação gráfica minuciosa, como também à direção de fotografia bem planejada, desempenhando um papel fundamental na imersão, com planos mais amplos que notam a diferença de escala entre os monstros e os personagens, intercalados com cenas mais próximas nos rostos dos atores para captar emoções mais intensas, e cenas de perseguição longas gravadas em plano sequência que conseguem ser angustiantes e viscerais.

Planejadas com a direção de arte, as cenas de imersão conseguem outros pontos extras, transportando um cenário apocalíptico pré-histórico sem exageros, repleto de vegetação contrastante com elementos mundanos — como uma caixa de correio, cercas e placas — que dão às cartas do jogo sobre a expansão e a briga por território entre as criaturas e os moradores de Oak Street. Ver as cenas de detalhes de cercar casas, usar armas improvisadas como uma mangueira de jardim e outros pontos mais sofisticados estabelecem uma linearidade mais real e prazerosa ao acompanhar a trama.

Anne Hathaway mostra por que está no melhor momento da sua carreira

Em questão de atuação, Anne Hathaway não precisa provar nada a ninguém há tempos, mas, acompanhando seu trabalho em O Fim da Rua, é um atestado à versatilidade e ao profissionalismo enorme da atriz, que faz elevar qualquer filme em que está a uma experiência cinematográfica — deve ser por isso que os estúdios assediam tanto a Hathaway, que está promovendo seu quarto filme nos cinemas somente em 2026, sem contar com o já planejado “Verity” estreando em outubro, passando para cinco aparições, feito inédito na indústria.

O filme, cuja proposta é uma aventura em meio a dinossauros famintos, não é lá uma produção que esperamos atuações comoventes e uma história complexa com sensibilidade e nuances. Nesse quesito, o trio jovem Maisy Stella, Christian Convery e Jordan Alexa Davis desempenha seu papel de forma convincente e satisfatória, uma vez que há muita oscilação entre altos e baixos momentos de tensão no filme, bem correspondidos pela garotada.

Ewan McGregor leva uma outra abordagem ao filme, oposta ao papel de Anne Hathaway. Ewan é o coração do filme com Greg, um homem que ama a sua família, os poupa de suas tormentas e sempre segue com um sorriso no rosto, inspirando positividade mesmo que sob ruínas; sua atuação é mais sofrida internamente e mais “estranha”, como se fosse um desconhecido entre sua família. Já Anne é uma mulher desgastada emocionalmente, mais racional que emocional, mas que lidera mais e é mais pragmática, resultando em caras e bocas mais precisas e frustrantes.

Portanto, a dupla McGregor e Hathaway se encaixa como uma luva e elabora uma dinâmica interessante que não desbanca ao sentimentalismo, com entregas completas dos dois atores que carregam o filme nas costas. Uma escolha de elenco inteligente que utiliza as principais forças dos dois atores para construir um cenário até então desconhecido em filmes com essa temática: um silêncio que é compreensível diante de um cenário que raramente permite um momento de paz.

Vale a pena assistir?

O Fim da Rua é uma excelente opção, mais divertida e descompromissada, para ver com a família e amigos. Interessados na temática de dinossauros vão perceber uma abordagem diferente desta vez, mais pairada ao realismo e ao terror, característicos do diretor, e, no caso, ótimamente bem-vindos ao subgênero, graças a um trabalho bem pensado em sua concepção: a trilha sonora, fotografia, cenário, efeitos especiais e, principalmente, aos atores principais Anne Hathaway e Ewan McGregor. O longa não abraça aprofundamentos que não fujam do núcleo familiar e não se compromete a grandes explicações que façam sentido científico, mas colabora com o suspense e com a leveza, para uma produção de maior entretenimento fácil.

Quando estreia O Fim da Rua?

O Fim da Rua já está disponível em todos os cinemas do Brasil, desde o dia 13 de agosto, podendo ficar em cartaz até meados de outubro. O filme foi filmado em IMAX, com salas especiais oferecidas por algumas salas de cinema para a exibição do filme.

• Veja as sessões disponíveis na rede Cinesystem.

Assista ao trailer

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Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou jornalista pós-graduado em Jornalismo Cultural, completamente enlouquecido por cinema. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, tentando ser gamer e sou um jogador combeiro de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos (principalmente dos brasileiros), amo rock e músicas antigas no geral e coleciono crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Se eu tiver algum dinheiro extra, saiba que não terei por muito tempo: sempre acho algum novo periférico gamer, funko pop e/ou baldes e copos temáticos que com certeza justificam minha aquisição. Então, se quiser ajudar um necessitado, mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

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Após uma reportagem do The New York Times apontar que a sequência de um dos maiores fenômenos cinematográficos da história da Warner Bros. corre risco de não acontecer, a Variety revelou novos detalhes sobre o impasse entre o estúdio e o núcleo principal do longa, formado por Greta Gerwig (diretora), Noah Baumbach (roteirista), Margot Robbie (atriz e produtora) e Ryan Gosling (ator). Segundo fontes ouvidas pela publicação, a Warner Bros. já apresentou seis propostas diferentes à equipe, mas todas foram rejeitadas.

A última oferta, apresentada recentemente, teria sido descrita por uma fonte como a maior já feita pela Warner Bros. a uma equipe de produção e suas estrelas, chegando a ser definida como “um dinheiro que muda vidas”. Outra fonte, porém, contestou a afirmação e disse que, embora o pacote tenha um valor elevado, as remunerações individuais não seriam tão expressivas.

As exigências financeiras de Robbie, Gosling, Gerwig e Baumbach seriam consideráveis, incluindo aumentos nos honorários iniciais e participações generosas nos lucros. Gosling, especificamente, estaria pedindo US$ 20 milhões para retornar. Uma fonte afirmou que a equipe está satisfeita com os salários iniciais oferecidos, mas menos contente com as condições de participação nos lucros futuros, enquanto outra contestou os dois pontos. Segundo uma fonte familiarizada com as negociações, a sequência não acontecerá a menos que a Warner mude de postura.

O impasse ganhou ainda mais peso porque, caso a Warner Bros. não consiga iniciar a produção até dezembro, os direitos de Barbie retornarão à Mattel. Nesse cenário, porém, o estúdio não poderia utilizar o universo criado por Gerwig para desenvolver a sequência.

Profissionais influentes do setor teriam ficado chocados com a imagem negativa provocada pela postura de David Zaslav, especialmente diante da possibilidade de ele lucrar centenas de milhões de dólares caso a aquisição da Warner Bros. pela Paramount seja concretizada. Executivos de estúdios concorrentes resumiram a situação como “Típico do Zas” e relembraram decisões controversas do CEO, incluindo o cancelamento de Batgirl e Coyote vs. Acme, este último posteriormente vendido para outra produtora e recebido de forma positiva pela crítica.

O destino de Barbie pode, curiosamente, depender de uma mudança de comando. Caso David Ellison vença a disputa pela Warner Bros., uma fonte acredita que ele poderia reativar os direitos junto à Mattel e tentar reunir novamente a equipe criativa.

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O possível fim da sequência seria especialmente significativo após o impacto do primeiro filme, lançado em 2023, que transformou a Barbielândia em um fenômeno cultural ao combinar fantasia, crise existencial, amadurecimento e discussões sobre os desafios da vida adulta das mulheres. Estrelado por Margot Robbie e Ryan Gosling, Barbie gerou tendências, movimentou o mercado e se tornou um dos maiores sucessos da história da Warner Bros.

Você gostaria de ver a equipe original de volta em Barbie 2 ou acredita que a história deveria terminar no primeiro filme? Deixe sua opinião nos comentários.

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Fabrizio Galluzzi

Olá, viajantes! Meu nome é Fabrizio Galluzzi. Assim como vocês, viajei para Runeterra até uma Galáxia Muito, Muito Distante. Conheci os Heróis Mais Poderosos da Terra e os Grandes Deuses Nórdicos e Gregos. Porém, no meu tempo livre sou um simples aventureiro, que ama muito ir ao cinema.

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Informações divulgadas pela imprensa brasileira apontaram inicialmente que a comercialização dos ingressos para o quinto filme dos Heróis Mais Poderosos da Terra teria início em 15 de setembro para cinemas com o selo Infinity Vision, que acompanha as principais salas de exibição do país, enquanto as salas em geral começariam a vender ingressos em 28 de setembro. Entretanto, a Disney entrou em contato com veículos de imprensa para esclarecer que essas datas ainda estão sujeitas a mudanças. Portanto, a confirmação oficial da data definitiva deve acontecer em breve.

A possível janela de pré-venda coincide com a chegada de Vingadores: Ultimato ENCORE aos cinemas, marcada para 25 de setembro. A nova versão do sucesso da Marvel contará com cenas adicionais e um preview exclusivo de Vingadores: Doutor Destino, criando uma ponte direta entre o encerramento da Saga do Infinito e o próximo grande evento do Universo Cinematográfico da Marvel. A expectativa aumenta ainda mais com Robert Downey Jr. assumindo o papel de Doutor Destino, após interpretar o lendário Homem de Ferro durante a Saga do Infinito.

Sob a direção de Anthony e Joe Russo, responsáveis por alguns dos sucessos do MCU, o quinto filme dos Heróis Mais Poderosos da Terra terá roteiro de Michael Waldron, conhecido pelo trabalho nas duas temporadas de Loki, e Stephen McFeely, roteirista de Guerra Infinita e Ultimato. A história promete colocar o Doutor Destino no centro de um caos multiversal. Nos quadrinhos, Victor von Doom é um dos personagens mais perigosos da Marvel, combinando conhecimentos científicos, tecnologia e misticismo, além de possuir um histórico de confrontos com o Quarteto Fantástico, os Vingadores e os X-Men.

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E a escala da produção não para por aí. Vingadores: Doutor Destino reunirá antigos integrantes dos X-Men da FOX, veteranos do MCU e novos personagens apresentados após Ultimato, formando uma das maiores reuniões de heróis e vilões da Marvel já planejadas para o cinema. A combinação de diferentes gerações do estúdio promete transformar o filme em um verdadeiro ponto de encontro entre diferentes fases do universo cinematográfico.

Vingadores: Doutor Destino tem estreia marcada para 17 de dezembro de 2026 e será uma peça fundamental na construção de Vingadores: Guerras Secretas, previsto para dezembro de 2027 e apontado como a conclusão definitiva da Saga do Multiverso e do Universo Cinematográfico da Marvel como conhecemos.

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Fabrizio Galluzzi

Olá, viajantes! Meu nome é Fabrizio Galluzzi. Assim como vocês, viajei para Runeterra até uma Galáxia Muito, Muito Distante. Conheci os Heróis Mais Poderosos da Terra e os Grandes Deuses Nórdicos e Gregos. Porém, no meu tempo livre sou um simples aventureiro, que ama muito ir ao cinema.

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A Nerds da Galáxia foi convidada pela Mercado Filmes e Pandora Filmes a uma sessão antecipada de “Honestino” e traz agora uma crítica sem spoilers do filme.

Nota: A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas foram apresentadas em sinopses e trailers.

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História

Honestino Monteiro Guimarães foi um importante militante político contra a repressão da Ditadura Militar (1964-1985), principalmente no primeiro período do regime. Assim que ingressou na Universidade de Brasília, em 1965, logo se destacou por sua postura, carisma e determinação, filiando-se à Ação Popular (AP) e tendo maior contato com a política estudantil. Não demorou muito até ele conseguir respeito e autoridade dentro da AP, visto como um líder para o movimento, assumindo estratégias de posicionamento, ações de protesto e colocando a cara à tapa com discursos autorais em manifestações oficiais.

É importante destacar que a classe estudantil sofreu fortes represálias dos militares, com as universidades formando o principal polo de resistência pública e sendo tratados abertamente como ameaçadores da “Segurança Nacional”. Entre os mecanismos de perseguição e desestabilização usados contra os universitários, foram a criação do Decreto nº 477, que revigorava a proibição de reuniões de cunho político dentro das sedes, e a criação das Assessorias de Segurança e Informação (ASI) dentro de cada instituição educativa, cujas assessorias concediam poder ao Exército de decisões como expulsão arbitrária de estudantes, concessões de bolsa, contratações de professores etc.

Portanto, Honestino foi constantemente visado e preso — mais precisamente, o líder enfrentou cinco prisões, sendo a última, em 1973, a responsável pelo seu desaparecimento, deixando sua mulher e uma filha pequena, do dia para a noite, aos 26 anos, enquanto era presidente da União Nacional dos Estudantes (UNE) e vivia em clandestinidade desde 1969.

Por meio de entrevistas com dezenas de colegas de Honestino de Ação Popular e parentes, o filme explora sua origem sociofinanceira em Goiás, a decisão de mudar os rumos na recém-capital federal Brasília e sua expertise e gosto por política e economia, que o moldaram para determinar o grande articulador como foi. Além de trechos dos entrevistados, estiveram presentes no material final as fotos e os documentos pessoais do líder, cenas ficcionais estreladas por Bruno Gagliasso que reimaginam seu sofrimento, fuga e trabalho como militante, e vídeos históricos da Ditadura, como da invasão dos militares à UnB, materiais dos quais o filme mostrou uma apuração rica e bem encaixada.

Neste quesito, Aurélio Michiles não perde tempo em criar um documentário histórico que se preocupa em recapitular detalhes de normas, decretos ou especificidades gerais da Ditadura, focando apenas na vida e legado de Honestino. A ideia levada adiante ganha tanto na qualidade da retratação do protagonista-título — e, por consequência, a sua pertinência, uma vez que sua figura é ainda desconhecida da grande bolha (por um lado, convenientemente de caso pensado) — quanto em suavidade durante a exibição, com sua duração não passando dos 80 minutos, direto e reto, sem inconclusões.

“Mais um filme sobre a Ditadura”

Podem ter certeza de que será comum encontrar esse tipo de queixa, mesmo que involuntária, por uma parcela da comunidade cinéfila sobre o filme, afinal os maiores símbolos atuais do cinema brasileiro — “Ainda Estou Aqui” (2024) e “O Agente Secreto” (2025), duas produções que quebraram um jejum de mais de duas décadas fora dos holofotes mundiais — se passam neste mesmo período e conseguiram grandes façanhas cinema afora. Fora outras marcantes obras, como “O Que É Isso, Companheiro?” (1997) e “Pra Frente, Brasil” (1982).

É justificável novamente a reaparição da Ditadura como cenário operandi. Assim como a Guerra do Vietnã e a II Guerra Mundial estiveram sempre envolvidas nas tramas estadunidenses e a Primeira Guerra Mundial para filmes europeus, por exemplo. 40 anos separam nossa atualidade do fim do Regime Militar, o que é pouco em termos históricos e enfatizado no dia a dia ao se tocar que todos da geração Baby Boomer, por exemplo, são testemunhas e sobreviventes. Se somos afetados imediatamente por decisões regidas pelas mentes e assinadas com papel e caneta pelas mãos de poderosos, além de diretamente dependentes, imagina sob uma governança pautada pelo medo por duas longas décadas.

O impacto é severo e profundamente complexo, em todas as esferas. Portanto, há muita história não contada, bastidores escondidos, heróis e vilões desconhecidos, ideias proclamadas… e que bom que temos “Honestino” para mostrar uma outra faceta.

Em conversas exclusivas em que a Nerds da Galáxia esteve presente com Bruno Gagliasso e Aurélio Michiles, os cineastas relembram as consequências que o filme “Honestino” grita: entre 1969 e 1977, centenas de professores demitidos, atrasos de anos de universitários que não queriam se calar diante da ameaça e mais de mil estudantes foram excluídos das universidades, outros desaparecidos totais, que jamais retornaram a suas famílias.

A arte está aí para discutir. Eu faço arte porque eu faço política. Fazer arte no Brasil e no mundo é a mesma coisa que fazer política, com qualquer filme. Acredito que devemos fazer com que esse filme vire ‘pop’. É difícil, porque justamente a ideia deles é essa: apagar. Há quanto tempo eles tentam nos apagar? Mas não vão conseguir; cabe a gente divulgar, estudar, cobrar que as pessoas conheçam. Por exemplo, eu não conhecia o Honestino. Me sinto péssimo.

Por isso que temos que sempre estudar, né? Eu fiz esse filme também pelos meus filhos. Para as novas gerações. É preciso estar atento para não corrermos risco de apagamento. É muito emocionante, principalmente em uma época em que a verdade está deixando de existir. Ver o filme como “Honestino” é muito forte e muito potente. Vamos ver o ser humano, que era filho, que era pai, que tinha mãe e filha, e, acima de tudo, é um ser humano que lutou por liberdade, democracia e justiça, princípios pelos quais lutamos até hoje.

Bruno Gagliasso, em um cine-debate exclusivo de “Honestino” com a imprensa e convidados, em São Paulo

O diretor Aurélio reforçou a ideia do filme de aprofundar sobre a família de Honestino e sua família de luta, criada durante os movimentos estudantis. A presença das duas famílias em momentos de partilhas, apoios, união de ideias e como munição de coragem e altruísmo, segundo Michilis, trata-se da “forma verdadeira desses conceitos, e não a hipócrita“, enraigado devido ao precoce desmantelamento dessas famílias após o assassinato de Honestino.

Era uma história que habitava meu corpo e minha mente, era um dos fantasmas que me assombrava. Evitei mexê-la. Depois dessa onda que começou a ocupar os espaços, em 2014, de tolerância e ódio da extrema-direita, me senti contra a parede. Como eu sou amigo desde sempre da família, companheiro de vários momentos dessa dor, luta e busca, conheci outras pessoas que sofreram. Minha vontade era retribuir isso, essa afetividade. A ideia sempre foi essa: reconstruir a família e devolver a ela a grandiosidade que foi Honestino Guimarães.

A Isaura [viúva de Honestino], quando assistiu pela primeira vez, ela falou: ‘Aurélio, finalmente fui anistiada‘. A Juliana [filha de Honestino] disse para mim: ‘Eu finalmente entendi quem foi o meu pai‘. Todas as pessoas que o conheceram têm a mesma opinião sobre ele, sobre o carisma, sobre o afeto e sua facilidade imensa por sorrir, por exemplo. É uma perda, mas a gente precisava reconstruir.

Aurélio Michilis, em um cine-debate exclusivo de “Honestino” com a imprensa e convidados, em São Paulo

Roteiro e Montagem são personagens de destaque

Com as principais missões de contar a história desse mártir esquecido pelo tempo e explorar seu engajamento contra a censura aplicada pelos militares, “Honestino” consegue trazer um bom equilíbrio entre a contação de fatos e a visão de Honestino e de seu núcleo com a Ação Popular (AP) e as confidências com sua família. Mesmo havendo o balanço, aqui há um maior favorecimento à origem e às relações de Honestino, uma decisão que, embora pareça óbvia escolha, é um acerto de destaque por dinamizá-lo, tornando-o mais atrativo, historicamente mais interessante — ao acrescentar camadas inéditas de uma figura não só desconhecida e nichada como também praticamente inacessível, e mais pessoal e sincera.

E é exatamente o desconhecimento da luta de Honestino por liberdade e educação, em um atual cenário político brasileiro bastante polarizado, segregatório e instável, que eleva o filme a uma pertinência exemplar e honrosa para produções em documentário, direitos esses que cada um possui por direito e que sempre permanecerão no centro das discussões, uma força que nem mesmo as barreiras do tempo podem silenciar.

Em quesito documentários, Aurelio Michilis mostra por que tanto domina o gênero e como ainda tem madeira para queimar, mostrando-se atualizado e comprometido com pautas quentes em voga e por um faro de procura e pesquisa alá de jornalistas experientes, apesar de sua parcialidade mais escrachada que afasta interessados mais interessados em imparcialidade.

Sua montagem lembra bastante “O Cineasta da Selva” (1997), uma docuficção produzida por Michilis e que traz José de Abreu na pele de Silvino Santos, fotógrafo luso-brasileiro pioneiro dos documentários no Brasil; para “Honestino”, a fórmula se repete, tendo praticamente a mesma problemática: a falta de materiais e documentos dos nossos personagens centrais figurando. A boa notícia é que temos a subvertente dos documentários com ficção à tona novamente, com Bruno Gagliasso ilustrando o comprometimento, esperteza e afinco de Honestino na causa.

Atuação de Bruno Gagliasso proporciona imersão, mas não acrescenta no storytelling

A atuação de Bruno aqui é perfeita, mediante o que o filme dedica de espaço para suas cenas. Fato é que Bruno não mentiu quando disse que entregou toda sua verdade como ator neste papel: seu respeito pelo personagem é devidamente sentido e cumpre uma bela homenagem póstuma.

Todas as cenas, de livre imaginação e mais artísticas, que mostram os percalços que Honestino passou, carregam um tom emotivo, com bons recursos e boa liderança de direção de fotografia e iluminação — principalmente nos takes que retratavam Honestino preso —, mas não se sustentam pela curta duração. São esquecíveis, muitas até sem falas; e que, pensando por um lado mais lógico, se tirar ou pôr, daria na mesma a recepção do público. Muitas cenas, inclusive, são praticamente econômicas, sendo usadas mais de uma vez. Ou são praticamente monólogos de discursos escritos por Honestino, lidos virados às câmeras por Bruno.

Entendo a razão do foco maior concentrar-se nos depoimentos das dezenas de entrevistados chamados da Ação Popular e da família do líder estudantil, não só por ser um documentário, mas também pelo orçamento que o longa dispunha e pela imprecisão que as cenas de Gagliasso representavam de fato, mas “Honestino” já prometia isso mesmo desde os seus trailers — e, se tivéssemos mais aparições distribuídas no filme, como mais retratações de seus posicionamentos em manifestações, formas de contato com seus familiares e colegas ou outros backgrounds, com falas mais decisivas, seriam uma perfeita quebra para fisgar mais a atenção e o interesse do público não tão adepto aos documentários.

Conclusão: Honestino é bom?

Aurelio Michilis entrega um filme certo na hora certa, em um contexto político ainda perturbado e inflamado, especialmente neste ano de eleições, e relevantemente inédito ao mostrar a missão e a vida de Honestino Guimarães, um grande símbolo personificado da reivindicação de estudantes universitários, demasiadamente de instituições públicas, por liberdade: de manifesto, de estudo, de pluralidade e de respeito. “Honestino” é um filme sobre legados que a Ditadura Militar deixou: enfraquecimento e deturpação de polos de ensino públicos, famílias desmanteladas de alvos do governo e o contraste entre medo e apagamento, que permitiu normalizar a impunidade mesmo depois de tudo.

E é aí que “Honestino” justifica sua pertinência: ao mostrar uma visão parecida com o que o filme “Ainda Estou Aqui” retratou sobre o grito alto do silêncio, o longa aborda uma camada diferente, engrandecendo a mobilização e a coragem de Honestino e “Honestinos” que não se calaram e deram seu corpo à tapa à frente de pessoas tão poderosas. Há quem diga que há uma fadiga de filmes sobre a Ditadura Militar, mas, enquanto a arte ainda continuar sendo arte, ela sempre deve continuar provocando, registrando, expressando e conectando.

Com toda a potência da atuação de Bruno Gagliasso, mesmo que com presença tímida justificável, “Honestino” promete impactar positivamente todos que assistirem, sobretudo os mais curiosos. Aurélio volta às origens com uma docuficção inteligentemente organizada e bem dirigida, que foca no que é apenas essencial historicamente, ação bem pensada levando em conta o público a que se destina — os jovens —, com duração acessível, linguagem simples e com seu conteúdo bem dividido.

Assista ao trailer

Quando estreia Honestino

“Honestino” chega exclusivamente aos cinemas do Brasil inteiro no dia 13 de agosto, com sessões já disponíveis à venda em salas, como a Reserva Cultura, REAG Belas Artes, Espaço Petrobrás de Cinema, Cine Bijou e Cine LT3. Fique por dentro das redes sociais do filme para não perder próximos eventos e novidades.

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Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou jornalista pós-graduado em Jornalismo Cultural, completamente enlouquecido por cinema. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, tentando ser gamer e sou um jogador combeiro de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos (principalmente dos brasileiros), amo rock e músicas antigas no geral e coleciono crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Se eu tiver algum dinheiro extra, saiba que não terei por muito tempo: sempre acho algum novo periférico gamer, funko pop e/ou baldes e copos temáticos que com certeza justificam minha aquisição. Então, se quiser ajudar um necessitado, mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

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Paris Filmes pode se consolidar como a força mais dominante do audiovisual brasileiro ao conquistar o topo do Prêmio Grande Otelo 2026? A distribuidora conquistou 13 estatuetas na cerimônia realizada na noite da última terça feira (4), no Teatro Municipal do Rio de Janeiro, consagrando se como a grande vencedora do evento considerado o Oscar brasileiro. A premiação organizada pela Academia Brasileira de Cinema celebrou produções de destaque como Homem com H, Manas, Velhos Bandidos e Tainá e os guardiões da Amazônia Em busca da flecha azul.

A cinebiografia de Ney Matogrosso, Homem com H, produzida pela Paris Entretenimento e dirigida por Esmir Filho, encerrou a celebração como a obra mais premiada da noite, garantindo seis estatuetas ao todo. Entre as honrarias conquistadas estão as categorias de Melhor Ator para Jesuíta Barbosa, Melhor Filme pelo Voto Popular, além de premiações técnicas fundamentais como Som, Maquiagem, Figurino e Trilha Sonora.

Paralelamente, o longa metragem Manas, dirigido por Marianna Brennand, brilhou ao vencer na categoria de Melhor Longa Metragem Ficção em um empate de votos com O Agente Secreto. A produção arrecadou cinco prêmios no total, incluindo Melhor Direção, Melhor Atriz Coadjuvante para Dira Paes, Melhor Roteiro Original e Melhor Montagem de Ficção. O panorama de conquistas da empresa completou se com as vitórias de Velhos Bandidos na categoria de Melhor Longa Metragem Comédia e Tainá e os guardiões da Amazônia na categoria de Melhor Longa Metragem Animação.

A Tensão entre o Voto Popular e as Barricadas da Distribuição Comercial

Apesar do triunfo expressivo nas urnas da Academia e na preferência do público, a noite de premiações expõe um conflito recorrente no mercado cinematográfico nacional. A disputa acirrada entre o reconhecimento da crítica especializada e o apelo comercial evidencia a dificuldade contínua do cinema brasileiro em manter produções autorais e cinebiografias em exibição prolongada nos cinemas do país.

Mesmo com campanhas vitoriosas em festivais e premiações locais, muitos títulos aclamados enfrentam o desafio de converter estatuetas em receita sustentável nas bilheterias. O modelo de votação sigilosa dividido em etapas pela internet movimenta a indústria interina, mas contrasta com o cenário de dependência de políticas públicas e janelas de exibição restritas para produções independentes.

Além disso, a divisão de atenção com lançamentos futuros de grande porte cria uma competição interna pesada pela preferência das salas de cinema. Garantir que obras como Manas e Homem com H continuem acessíveis ao público após o apagar das luzes da cerimônia exige estratégias de distribuição refinadas no ecossistema atual de streaming e exibições comerciais.

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O Impacto Cultural e o Futuro do Audiovisual Brasileiro

O resultado da edição de 2026 do Prêmio Grande Otelo ratifica o papel da Paris Filmes como articuladora de sucessos de crítica e público na América Latina. A consagração de cinebiografias e dramas que abordam temas profundos da sociedade brasileira reforça a maturidade técnica da indústria local.

Com a promessa de novos lançamentos de grande apelo para os próximos meses, o setor cinematográfico aguarda para ver como essa rodada histórica de prêmios impactará os investimentos no cinema nacional.

Qual das produções premiadas nesta edição do Prêmio Grande Otelo foi a sua favorita? Deixe sua opinião nos comentários e participe do debate sobre o cinema nacional!

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Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

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