É possível construir um universo infantil repleto de fantasia que consiga, ao mesmo tempo, conscientizar os pequenos sobre a importância vital de proteger o meio ambiente? Em Willow e a Floresta Encantada, longa inspirado na aclamada série de livros infantis da autora alemã Sabine Bohlmann, o cinema de animação entrega uma narrativa calorosa, envolvente e necessária. O filme transporta o público para um cenário mágico, onde os segredos da fauna e da flora ganham vida através dos olhos curiosos de uma jovem protagonista em busca de seu próprio lugar no mundo.

A trama acompanha a trajetória de Willow, uma garota comum que vê sua rotina se transformar completamente ao mudar-se para uma casa na floresta, herdada de sua distante tia-avó. Ao explorar os arredores da propriedade, ela descobre um segredo fascinante: herdou poderes mágicos capazes de ajudá-la a proteger o ecossistema local. Quando os animais e as árvores se veem ameaçados pelos impactos do desmatamento e da expansão humana irresponsável, a menina precisa aprender a dominar suas novas habilidades com a ajuda de sua fiel raposa Rufus e de um grupo de amigos leais.

Sob a condução do diretor Mike Marzuk, a narrativa acerta ao equilibrar momentos de humor inocente com lições valiosas sobre empatia, coragem e o dever coletivo de preservar o ecossistema. A adaptação do roteiro, assinado por Gesa Scheibner, traduz a sensibilidade dos livros de Bohlmann para as telas com muita leveza, tornando a experiência envolvente do primeiro ao último minuto.

A Estreia Marcante de Emilly Vick e o Trabalho Visual da Animação

Um dos pontos mais aguardados pela audiência brasileira é a participação especial da influenciadora e criadora de conteúdo Emilly Vick, que faz sua grande estreia na dublagem profissional ao dar voz à personagem-título. Emilly traz uma interpretação cheia de energia, entusiasmo e autenticidade, encaixando-se com perfeição no perfil curioso e determinado de Willow. A escalação cria uma ponte direta com a nova geração de espectadores, que já acompanha seu trabalho nas redes digitais e encontrará no cinema a mesma proximidade e espontaneidade.

No aspecto técnico e visual, o longa se destaca por uma paleta de cores viva e ensolarada, que exalta o encanto da vida ao ar livre. A representação da floresta não serve apenas como mero pano de fundo, mas atua como um personagem vivo e pulsante dentro do enredo. Os efeitos sonoros e a trilha sonora carismática pontua com precisão as sequências de suspense sutil, celebrando as conquistas do grupo com arranjos musicais alegres e marcantes.

Embora o roteiro siga fórmulas tradicionais do cinema de fantasia infanto-juvenil e apresente resoluções simples em determinados arcos, essa previsibilidade não diminui o brilho da obra. Pelo contrário: garante um ritmo seguro e acolhedor para as crianças menores, permitindo que elas absorvam a mensagem central sem distrações.

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Entretenimento com Propósito e Valor Educativo

Willow e a Floresta Encantada se estabelece como uma excelente recomendação para as sessões de cinema em família. Trazido ao Brasil com a distribuição da Clube Filmes, a produção vai além do simples entretenimento ao plantarmos nas crianças a semente do respeito à natureza e o valor da amizade verdadeira.

O filme é um convite inspirador para que pais e filhos se divirtam juntos e saiam da sala de cinema conversando sobre como pequenas atitudes podem transformar o mundo ao nosso redor.

Você já conhecia os livros de Sabine Bohlmann? Pretende levar os pequenos para conferir a estreia de Emilly Vick nos cinemas? Deixe sua opinião nos comentários!

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Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

O post Willow e a Floresta Encantada: Crítica | Filme une magia, preservação ambiental e a estreia de Emilly Vick na dublagem em uma linda aventura para toda a família apareceu primeiro em Nerds da Galáxia.

Todos os dias de SP Food Film Fest estão recheados de atividades para você aproveitar gratuitamente, apenas sendo preciso chegar cedo para garantir o seu lugar, sujeito a lotação. A programação reúne exibições de 42 filmes — entre documentários e ficções de diferentes países, incluindo quatro produções internacionais inéditas no Brasil —, cujas sessões serão acompanhadas, no final, com pratos ou bebidas inspirados no longa assistido, nas salas da Reserva Cultural, Centro Cultural São Paulo – Sala Paulo Emílio, Spcine Biblioteca Roberto Santos e os CEUs Spcine Meninos e São Miguel. As salas do Circuito Spcine ganham oficinas de audiovisual focadas para crianças, enquanto as aulas-shows e debates ficam nas sessões da Reserva Cultural.

• A Morte Não Tem Dono: Crítica | Jorge Thielen Armand constrói um thriller denso sobre herança colonial e disputas de terra na Mostra de SP
• O Capitão Engarrafado: Crítica | Guilherme Reis une fantasia, emoção e a beleza do Vale do Jequitinhonha em um lindo filme para toda a família
• A Professora de Francês: Crítica | Ricardo Alves Jr. constrói um suspense envolvente sobre liberdade e superação estrelado por Grace Passô
• Minotauro: Crítica | Andrei Zvyagintsev expõe as feridas do governo Putin em um labirinto denso de metáforas políticas
• Willow e a Floresta Encantada: Crítica | Filme une magia, preservação ambiental e a estreia de Emilly Vick na dublagem em uma linda aventura para toda a família

Estreias nacionais de filmes pela SP Food Film Fest

Como novidade, o SP Food Film Festival leva uma programação de documentários inéditos em solo brasileiro para enriquecer sua experiência. “Jota Urondo, Um Cozinheiro Impertinente” é um deles, um filme argentino dirigido por Mariana Erijimovich e Juan Villegas, que conta a história de Jota, filho do poeta assassinado pela ditadura militar argentina Paco Urondo e dono do Urondo Bar, em Bueno Aires, que leva cardápios que dialogam com o passado de sua família, provando que a cozinha pode ser um reservatório cultural. Ao final, será servido um nhoque de mandioquinha.

“A História de Aisha” é outra estreia do SP Food Film Festival, que conta a história de Aisha Azzam e o marido. Eles montaram um moinho de grãos familiar no campo de refugiados de Baqa’a, na Jordânia, há quase 40 anos. Ela mói trigo, grãos e ervas essenciais da culinária palestina, sendo este filme um retrato sobre o deslocamento palestino e a reconstrução de família e comunidade no campo, Será servido um pão árabe com baba ghanoush vegano.

“Alimentando o Amanhã” é um documentário que mostra a realidade atual do sistema alimentar e traz exemplos concretos de saídas, como de uma agricultura capaz de alimentar o futuro, plantio de alimentos que promovem a cura e um novo modelo de educação holística, com espaço para cada especialista propor suas ações práticas para o dia a dia. A chef Fátima Brandão elabora uma salada de grãos depois que o filme encerrar.

Por fim, “Seeds” traz uma abordagem interessante ao filmar em preto e branco e abordar o retrato de agricultores de famílias negras centenárias no sul dos EUA, examinando o declínio desses agricultores e o que significa possuir terra. Ao final, os telespectadores podem comer um delicioso pão de milho com feijão fradinho e couve.

Sessões especiais

O SP Food Film Festival chega com grande destaque na curadoria de filmes clássicos e premiados. Em parceria com a Embaixada da França, o SP Food Film Festival leva os longas exibidos no Festival de Cannes: “Amor e Queijo” (2024) — participante da mostra Un Certain Regard, que acompanha Totone, de 18 anos, que, após um desastre, precisa cuidar sozinho de sua irmã de apenas 7, e que, para melhorar de vida, decide competir em um concurso que premia o melhor queijo artesanal da região — e “À Sombra das Figueiras” (2022) — selecionado para a Quinzena dos Realizadores, que revela os flertes, segredos e anseios de jovens trabalhadores sazonais durante a colheita de figos em um pomar na Tunísia.

Os 50 anos do clássico “Dona Flor e seus Dois Maridos” (1976) serão comemorados nos dias 3 de outubro, na Reserva Cultural, e 7 de outubro, no Centro Cultural São Paulo, pela presença da culinária baiana no filme que consagrou Sônia Braga e levou o cinema brasileiro a outro patamar. No final das exibições, moquecas serão servidas. O SP Food Film Festival também revisita outros filmes que completam aniversários marcantes em 2026 e que tenham gastronomia presente em suas histórias.

O festival também revisita filmes como “A Viagem de Chihiro” (2001), que traz referências à culinária japonesa; “Alice no País das Maravilhas” (1951), pelos 75 anos, com sua festa do chá; “Conta Comigo” (1986), pela icônica torta de mirtilo; “Curtindo a Vida Adoidado” (1986), em uma passagem pelo universo dos cachorros-quentes de Chicago; “Matilda” (1996), que mantém na memória do público a cena do icônico bolo de chocolate; “As Férias da Minha Vida” (2006), que acompanha uma mulher que encontra na culinária uma paixão compartilhada com um chef durante uma viagem pela Europa; o clássico “Tubarão” (1975) de Steven Spielberg, e “O Bolo do Presidente” (2025), ambientado no Iraque dos anos 1990, sobre uma menina de nove anos em busca dos ingredientes para preparar o bolo de aniversário do presidente.

Ainda estão elencados os filmes “Tá Chovendo Hambúrguer 2” (2013) com degustação de mini hambúrguer, “A Fantástica Fábrica de Chocolate” (2005) com sorvete de chocolate, o filme de Woody Allen “Trapaceiros” (2000) servindo cookies vegetarianos e o filme nacional “O Clube dos Anjos” (2020) — baseado no livro homônimo de Luis Fernando Veríssimo e com elenco de estrelas, como Otávio Müller, Matheus Nachtergaele, Paulo Miklos e Marco Ricca —, servindo picadinho com banana no final.

O que chega na Spcine Play

Para os mais atarefados, o SP Food Film Festival disponibiliza uma parte das suas programações na plataforma de streaming gratuita Spcine Play. Ao todo, 10 títulos podem ser conferidos no catálogo do streaming por tempo limitado: com começo a partir do dia 1 de outubro mesmo e com prazo final até o fim do mês, no dia 31 de outubro — ou seja, até mesmo com o fim do SP Food Film Festival, você pode aproveitar o evento no conforto de sua casa!

O único que se encontra exclusivamente na Spcine Play é o filme “O Pouso da Gralha Azul” (2014), documentário brasileiro dirigido por Rica Saito e produzido pela Temporal Filmes. Os nove restantes possuem, pelo menos, uma sessão presencial nos cinemas. A lista completa você confere abaixo:

• A Colheita (U. Roberto Romano, EUA, 2010, 80′) Legendado, 10 anos
• A História de Aisha (Elizabeth Vibert, Canadá, Jordânia, 2025, 62′) Legenda Descritiva, Livre
• Alimentando o Amanhã (Oliver English e Simon English, EUA, 2024, 78’ Legenda Descritiva, Livre
• Do Colo da Terra (David Vêluz e Renata Meirelles, Brasil, 2025, 75′) Legenda Descritiva, Livre
• Histórias das Culinárias Cubanas (Asori Soto, Cuba, EUA, 2018, 82’) Legendado, 12 anos
• Jota Urondo, um cozinheiro impertinente (Mariana Erijimovich, Juan Villegas, Argentina, 2025, 70’), Legendado, Livre
• O Cozinheiro, o Ladrão, Sua Mulher e o Amante (Peter Greenaway, Reino Unido, França, 1989, 124’), Legendado, 18 anos
• Pizza (Ugo Giorgetti, Brasil, 2005, 56′) Livre
• A Quinta Portuguesa (Avelina Prat, Espanha, Portugal, 2025, 114’) Legendado, 12 anos

Programação complementar

Aulas-Show na Reserva Cultural

Estritamente realizadas na Reserva Cultural, com horários a partir das 19h dos dias 2 a 9 de outubro. Após as sessões, as aulas-show do SP Food Film Festival serão quatro debates em diferentes dias, cujo objetivo é unir o cinema à gastronomia, ciência, artes e movimentos sociais em encontros que discutem diferentes dimensões da alimentação. Os ingressos serão distribuídos 1 hora antes.

Abrindo as aulas, no dia 2 de outubro, o debate “Vida de Chef” acontece após a exibição de “Jota Urondo, Um Cozinheiro Impertinente”, com os diretores Juan Villegas e Mariana Erijimovich, e convidados. O debate discute a rotina da profissão para além do glamour televisivo, incluindo gestão, limpeza, correria, resistência física e liderança humanizada.

No dia 3 de outubro, Letícia Massula fala sobre bananas com a aula: “Wantã e Godó – os Verdes, os Maduros e o Caso das Bananas”; Mara Sales aborda os doces brasileiros com a aula: “Marinada de Vegetais Brasileiros”; e Graziela Tavares apresenta a influência portuguesa na culinária brasileira com a aula: “Açordas Portuguesas”.

Já no dia 7 de outubro, “A História da Alimentação no Brasil“, série baseada no livro de Luís da Câmara Cascudo, serve de ponto de partida para a conversa sobre as origens e a mistura de culturas que formaram a culinária brasileira. No dia seguinte, no dia 8 de outubro, o SP Food Film Festival recebe o debate “Povos Indígenas e o Alimento”, mediado por Ariela Doctors, com a exibição do doc “Do Colo da Terra”, que aborda a comida como herança, resistência e território de memória.

Por fim, no dia 9 de outubro, o SP Food Film Festival desencadeia a discussão “Produção Alimentar para o Amanhã”, com norte da exibição de Renascer da Terra (Groundswell), também com mediação de Ariela Doctors, sobre produtividade agrícola, proteção ambiental, bioinsumos, redução da pegada de carbono e agricultura regenerativa.

Oficinas de Audiovisual no Circuito Spcine

Focadas no público infantil, as oficinas do SP Food Film Festival serão realizadas somente nas salas do Circuito Spcine participantes do evento: a Biblioteca Roberto Santos, que é temática em cinema, e os CEUs Meninos e São Miguel.

A oficina de audiovisual será por meio da sessão de “Wall-E” (2008), da Disney/Pixar, que será reexibido nos dias 8 e 14 de outubro, nos CEUs São Miguel e Meninos, respectivamente, todas às 15h. Na dinâmica, os participantes farão um vídeo refletindo sobre a visão futurista do filme sobre o mundo, o trabalho e a alimentação.

Já a oficina de culinária para crianças será a partir da exibição de “Papaya“, animação brasileira destaque no Festival de Berlim, no dia 14 de outubro às 15h na Roberto Santos. Assim como no filme, as crianças utilizarão sementes de mamão para criar receitas e participar de atividades lúdicas.

Feirinha com produtores no Centro Cultural São Paulo

Nos dias 9, 10 e 11 de outubro, o Centro Cultural São Paulo (CCSP) recebe a Feirinha do Festival, reunindo pequenos produtores, artesãos e cozinheiras de diferentes territórios. A iniciativa da SP Food Film Festival é valorizar a produção artesanal, a sustentabilidade e a economia local, criando um espaço de encontro entre sabores, saberes, memória e território. Seu horário de funcionamento vai de encontro com o horário de funcionamento do próprio CCSP, em torno das 10h às 21h.

Serviço

5º São Paulo Food Film Fest
Quando: 1º a 14 de outubro de 2026
Onde: Reserva Cultural – Sala 2 | Av. Paulista, 900 – Bela Vista, São Paulo – SP, 01310-100
Centro Cultural São Paulo (CCSP) – Sala Paulo Emílio | Rua Vergueiro, 1000 – Liberdade, São Paulo – SP, 01504-000
Biblioteca Roberto Santos | R. Cisplatina, 505 – Ipiranga, São Paulo – SP, 04211-040
CEU Meninos | R. Barbinos, 111 – São João Climaco, São Paulo – SP, 04240-110
CEU São Miguel | R. José Ferreira Crespo, 475 – Jardim Sao Vicente, São Paulo – SP, 08021-480
Spcine Play | Acesse o site aqui.
Ingressos: Gratuitos – retirada de ingressos acontece 1h antes das sessões
Informações: no site e página oficial do SP Food Film Festival

Programação

01/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14h45 – Alimentando o Amanhã (Oliver English e Simon English, EUA, 2024, 78′) Legenda Descritiva, Livre
Degustação: Salada de Grãos

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:45 – A Colheita (U. Roberto Romano, EUA, 2010, 80′) Legendado, 10 anos
Sopa de Cebola

[Reserva Cultural – Sala 2] 17h00 – We Feed People: Um Chef Na Primeira Linha (Ron Howard, EUA, 2022, 89′) Legendado, 12 anos
Degustação: Tigela de Brasil

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 17:00 – Histórias das Culinárias Cubanas (Asori Soto, Cuba, EUA, 2018, 82′) Legendado, 12 anos
Arroz, feijão preto, mandioca cozida e especiarias Vegano

[Reserva Cultural – Sala 2] 19h15 – As férias da minha vida (Wayne Wang, EUA, 2006, 112′) Legendado, 12 anos
Degustação: Risoto de Prosciutto com figos frescos finalizado com amêndoas laminadas e zest de limão siciliano

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:15 – Champagne – Uma Viagem De Pai E Filho (Tim Kamps, Holanda, 2026, 90′) Legendado, 14 anos
Espumante Bacupari Vegano

02/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14h30 – Alice no País das Maravilhas (Clyde Geronimi, Wilfred Jackson, Hamilton Luske, EUA, 1951, 75′) Dublado, Legenda Descritiva, Livre
Degustação: Muffin com Chá

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:45 – Amor e Queijo (Louise Courvoisier, França, 2024, 90′) Legendado, 12 anos
Queijo Comté e Vinho do Jura

[Reserva Cultural – Sala 2] 16h30 – Cachaça, O Espírito Brasileiro (Carlos Ribas, Brasil, 2026, 82′) Legenda Descritiva, 14 anos
Cachaça Salinas + Caldinho de Feijão Vegano

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 17:00 – A História de Aisha (Elizabeth Vibert, Canadá, Jordânia, 2025, 62′) Legenda Descritiva, Livre
Pão Árabe com pasta de berinjela defumada Vegano

[Reserva Cultural – Sala 2] 19h00 – Jota Urondo, um cozinheiro impertinente (Mariana Erijimovich, Juan Villegas, Argentina, 2025, 70′) Legendado, Livre
DEBATE: Vida de Chef Presença dos diretores
Nhoque de Mandioquinha recheado com brie e molho branco da Chef Vegano

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:00 – A Quinta Portuguesa (Avelina Prat, Espanha, Portugal, 2025, 114′) Legendado, 12 anos
Arroz de Bacalhau a Dona Glória Dias

03/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14h45 – Dona Flor e Seus Dois Maridos (Bruno Barreto, Brasil, 1976, 106′) 16 anos
Moqueca de Banana

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 15:00 – Histórias da Alimentação no Brasil – Ep. 3 – O Caso das Bananas (Eugenio Puppo, Brasil, 2017, 25′) Libras, Livre
AULA-SHOW Letícia Massula – Wantã e Godó – os verdes, os maduros e o caso das bananas | Libras, Livre

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 17:00 – Histórias da Alimentação no Brasil – Ep. 9 – Ementa Portuguesa (Eugenio Puppo, Brasil, 2017, 25′) | Libras, Livre
AULA-SHOW Graziela Tavares – Açordas portuguesas | Libras, Livre

[Reserva Cultural – Sala 2] 17h30 – Trapaceiros (Woody Allen, EUA, 2000, 94′) Legendado, Livre
Cookie Vegetariano

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:30 – Histórias da Alimentação no Brasil – Ep. 12 – Doces Histórias (Eugenio Puppo, Brasil, 2017, 25′) Libras, Livre
AULA-SHOW Mara Salles – Marinada de Vegetais Brasileiros | Libras, Livre

[Reserva Cultural – Sala 2] 20h00 – Curtindo a Vida Adoidado (John Hughes, EUA, 1986, 103′) Legenda Descritiva, 12 anos
Cachorro Quente

04/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14h45 – Rambutan (Erika Fromm, Brasil, 2026, 12′) + O Bolo do Presidente (Hasan Hadi, Iraque, 2025, 105′) | Legendado, 14 anos
Bolo de Lavanda e Rambutão

[Reserva Cultural – Sala 2] 17h30 – Pizza (Ugo Giorgetti, Brasil, 2025, 56′) Livre
Pizza

[Reserva Cultural – Sala 2] 19h15 – Frankie & Johnny (Garry Marshall, EUA, 1991, 118′) Legendado, 16 ano
Sanduíche de atum

05/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14:30 – A História de Aisha (Elizabeth Vibert, Canadá, Jordânia, 2025, 62′) Legenda Descritiva, Livre
Pão Árabe com Babaganoche Vegano

[Reserva Cultural – Sala 2] 16:30 – Seeds (Brittany Shyne, EUA, 2025, 123′) | Legendado, 10 anos
Pão de milho, feijão fradinho e couve

[Reserva Cultural – Sala 2] 19h30 – O Clube dos Anjos (Angelo Defanti, Brasil, 2022, 101′) Legenda Descritiva, 16 anos
Picadinho com banana

06/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14:45 – Jota Urondo, um cozinheiro impertinente (Mariana Erijimovich, Juan Villegas, Argentina, 2025, 70′) | Legendado, Livre
Nhoque de Mandioquinha recheado com brie e molho branco da Chef Vegano

[Reserva Cultural – Sala 2] 16:30 – Alimentando o Amanhã (Oliver English e Simon English, EUA, 2024, 78′) Legenda Descritiva, Livre
Salada de Grãos

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 16:30 – A História de Souleymane (Boris Lojkine, França, 2024, 93′) Legendado, Livre
Sanduíche Wrap

[Reserva Cultural – Sala 2] 19:00 – Renascer da Terra (Josh Tickell e Rebecca Tickell, EUA, 2026, 93′) Legenda Descritiva, Livre
DEBATE: Produção Alimentar Para Amanhã
Prato da Horta (Vegetariano)

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:00 – A Fantástica Fábrica de Chocolate (Tim Burton, EUA, RU, Austrália, 2005, 115′) Dublado, Legenda Descritiva, 10 anos
Sorvete de Chocolate na Casquinha Vegetariano

07/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14:45 – Tá Chovendo Hambúrguer 2 (Cody Cameron e Kris Pearn, EUA, 2023, 95′) Dublado, Legenda Descritiva, 10 anos
Mini Hambúrguer

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 16:00 – Dona Flor e Seus Dois Maridos (Bruno Barreto, Brasil, 1976, 106′) 16 anos
Moqueca baiana

[Reserva Cultural – Sala 2] 17:00 – A Quinta Portuguesa (Avelina Prat, Espanha, Portugal, 2025, 114′) Legendado, 12 anos
Arroz de Bacalhau a Dona Glória Dias

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 18:45 – O Cozinheiro, o Ladrão, sua Mulher e o Amante (Peter Greenaway, Reino Unido, França, 1989, 124′) | Legendado, 18 anos
Muffin Vegetariano

[Reserva Cultural – Sala 2] 20:00 – Histórias da Alimentação no Brasil – Todo Trabalho do Homem é para sua boca (Eugenio Puppo, Brasil, 2017, 27′) | Libras, Livre
DEBATE: Todo Trabalho do Homem é para sua boca Libras
Bolo Pudim de mandioca com calda de Tapioca e queijo do Marajó

08/10

[CEU São Miguel] 15:00 – Wall-E (Andrew Stanton, EUA, 2008, 98′) Dublado, Legenda Descritiva, Livre
OFICINA Audiovisual Gostinho de Cinema

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 16:00 – Rambutan (Erika Fromm, Brasil, 2026, 12′) + O Bolo do Presidente (Hasan Hadi, Iraque, 2025, 105′) | Legendado, 14 anos
Bolo de Lavanda e Rambutão

[Reserva Cultural – Sala 2] 16:30 – Matilda (Danny DeVito, EUA, 1996, 98′) Dublado, Legenda Descritiva, Livre
Bolo Matilda

[Reserva Cultural – Sala 2] 19:00 – Do Colo da Terra (David Vêluz e Renata Meirelles, Brasil, 2025, 75′) Libras, Livre
DEBATE: Povos Indígenas e o Alimento Presença dos diretores
Mungunzá

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:00 – Frankie & Johnny (Garry Marshall, EUA, 1991, 118′) Legendado, 16 anos
Sanduíche de atum

09/10

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:00 – FEIRINHA DIA 1

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:45 – Histórias das Culinárias Cubanas (Asori Soto, Cuba, EUA, 2018, 82′) Legendado, 12 anos
Arroz, feijão preto, mandioca cozida e especiarias Vegano

[Reserva Cultural – Sala 2] 15:00 – À Sombra das Figueiras (Erige Sehiri, Tunísia, França, Suíça, Alemanha, Qatar, 2022, 92′) Legendado, 12 anos
Toast de figo com queijo Vegetariano

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 17:00 – Cocktail (Roger Donaldson, EUA, 1988, 103′) \ Legendado, 16 anos
Piña Colada (com ou sem álcool)

[Reserva Cultural – Sala 2] 17:30 – 100 litros de ouro (Teemu Nikki, Finlândia, 2024, 87′) Legendado, 14 anos
Cerveja Artesanal

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:15 – Curtindo a Vida Adoidado (John Hughes, EUA, 1986, 103′) Legenda Descritiva, 12 anos
Hot Dog

[Reserva Cultural – Sala 2] 20:00 – Conta Comigo (Rob Reiner, EUA, 1986, 89′) Legenda Descritiva, 16 anos
Tartelete de Frutas Vermelhas Vegetariano

10/10

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:00 – FEIRINHA DIA 2

[Reserva Cultural – Sala 2] 14:30 – A Viagem de Chihiro (Hayao Miyazaki, Toshio Suzuki, Japão, 2001, 125′) Dublado, Legenda Descritiva, Livre
Onigiri (Bolinho de arroz japonês recheado e envolto em alga nori crocante)

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:45 – O Clube dos Anjos (Angelo Defanti, Brasil, 2022, 101′) Legenda Descritiva, 16 anos
Picadinho com banana

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 17:00 – Pizza (Ugo Giorgetti, Brasil, 2025, 56′) Livre
Pizza

[Reserva Cultural – Sala 2] 17:30 – Fermentados (Jonathan Cianfrani, EUA, 2017, 107′) Legendado, Livre
One Bite Kimchi (arroz+ kimchi+pernil)

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:00 – As férias da minha vida (Wayne Wang, EUA, 2006, 112′) Legendado, 12 anos
Risoto de Prosciutto com figos frescos finalizado com amêndoas laminadas e zest de limão siciliano

[Reserva Cultural – Sala 2] 19:30 – Tubarão (Steven Spielberg, EUA, 1975, 124′) Legendado, 10 anos
UAI Tofu

11/10

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:00 – FEIRINHA DIA 3

[Reserva Cultural – Sala 2] 14:45 – Matilda (Danny DeVito, EUA, 1996, 98′) Dublado, Legenda Descritiva
Bolo Matilda

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:45 – Cachaça, O Espírito Brasileiro (Carlos Ribas, Brasil, 2026, 82′) Legenda Descritiva, 14 anos
Cachaça Salinas + Caldinho de Feijão Vegano

[Reserva Cultural – Sala 2] 17:00 – O Cozinheiro, o Ladrão, sua Mulher e o Amante (Peter Greenaway, Reino Unido, França, 1989, 124′) | Legendado, 18 anos
Muffin Vegetariano

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 17:00 – Conta Comigo (Rob Reiner, EUA, 1986, 89′) Legenda Descritiva, 16 anos
Tartelete de Frutas Vermelhas Vegetariano

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:30 – We Feed People: Um Chef Na Primeira Linha (Ron Howard, EUA, 2022, 89′) Legendado, 12 anos
Tigela de Brasil

[Reserva Cultural – Sala 2] 20:00 – Amor e Queijo (Louise Courvoisier, França, 2024, 90′) Legendado, 12 anos
Queijo Comté e Vinho do Jura

12/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14:30 – Tá Chovendo Hambúrguer 2 (Cody Cameron e Kris Pearn, EUA, 2023, 95′) Dublado, Legenda Descritiva, 10 anos
Mini-Hambúrguer

[Reserva Cultural – Sala 2] 17:00 – Alice no País das Maravilhas (Clyde Geronimi, Wilfred Jackson, Hamilton Luske, EUA, 1951, 75′) Dublado, Legenda Descritiva
Muffin com Chá

[Reserva Cultural – Sala 2] 19:15 – A Fantástica Fábrica de Chocolate (Tim Burton, EUA, RU, Austrália, 2005, 115′) Dublado, Legenda Descritiva, 10 anos
Sorvete de Chocolate na Casquinha Vegetariano

13/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14:45 – Cocktail (Roger Donaldson, EUA, 1988, 103′) Legendado, 16 anos
Piña Colada (com ou sem álcool)

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 14:45 – Fermentados (Jonathan Cianfrani, EUA, 2017, 107′) Legendado, Livre
One Bite Kimchi (arroz+ kimchi+pernil)

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 16:30 – Trapaceiros (Woody Allen, EUA, 2000, 94′) Legendado, Livre
Cookie Vegetariano

[Reserva Cultural – Sala 2] 17:00 – A Colheita (U. Roberto Romano, EUA, 2010, 80′) Legendado, 10 anos
Sopa de Cebola

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 19:15 – 100 litros de ouro (Teemu Nikki, Finlândia, 2024, 87′) Legendado, 14 anos
Cerveja Artesanal

[Reserva Cultural – Sala 2] 19:30 – À Sombra das Figueiras (Erige Sehiri, Tunísia, França, Suíça, Alemanha, Qatar, 2022, 92′) Legendado, 12 anos
Toast de figo com queijo Vegetariano

14/10

[Reserva Cultural – Sala 2] 14:30 – Renascer da Terra (Josh Tickell e Rebecca Tickell, EUA, 2026, 93′) Legenda Descritiva, Livre
Prato da Horta Vegetariano

[CEU Meninos] 15:00 – Wall-E (Andrew Stanton, EUA, 2008, 98′) Dublado, Legenda Descritiva, Livre
OFICINA Audiovisual Gostinho de Cinema

[Biblioteca Roberto Santos] 15:00 – Papaya (Priscilla Kellen, Brasil, 2025, 74′) Legenda Descritiva, Livre
OFICINA Gastronômica Papaia, da Planta ao Fruto

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 15:30 – Seeds (Brittany Shyne, EUA, 2025, 123′) Legendado, 10 anos
Pão de milho, feijão fradinho e couve

[Reserva Cultural – Sala 2] 17:00 – A História de Souleymane (Boris Lojkine, França, 2024, 93′) Legendado, Livre
Sanduíche Wrap

[CCSP – Sala Paulo Emílio] 18:45 – Tubarão (Steven Spielberg, EUA, 1975, 124′) Legendado, 10 anos
UAI Tofu

[Reserva Cultural – Sala 2] 19:30 – Champagne – Uma Viagem De Pai E Filho (Tim Kamps, Holanda, 2026, 90′) Legendado, 14 anos
Espumante Bacupari Vegan

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Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou jornalista pós-graduado em Jornalismo Cultural, completamente enlouquecido por cinema. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, tentando ser gamer e sou um jogador combeiro de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos (principalmente dos brasileiros), amo rock e músicas antigas no geral e coleciono crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Se eu tiver algum dinheiro extra, saiba que não terei por muito tempo: sempre acho algum novo periférico gamer, funko pop e/ou baldes e copos temáticos que com certeza justificam minha aquisição. Então, se quiser ajudar um necessitado, mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

O post Sessão de cinema com comida: SP Food Film Fest chega em outubro com estreias nacionais, oficinas e sessões especiais apareceu primeiro em Nerds da Galáxia.

Com direção de Bruno Safadi (Meu Nome é Dindi) e roteiro de Claudia Jouvin (Onde Nascem os Fortes, Dias Perfeitos), o longa tem um pouco mais de 1h30 de duração e foi o filme de abertura do 54º Festival de Gramado.

A Nerds da Galáxia foi convidada pela Paris e pela Globo Filmes para a cabine de imprensa de “Antártida” e te explica melhor os pontos positivos e negativos da produção.

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Nota: a crítica consiste na opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta ou uma resposta definitiva para a decisão de assistir ou não à obra. Sempre que possível, priorize assistir ao filme para prestigiar o trabalho dos realizadores e formar a sua própria opinião. Alguns spoilers listados já foram apresentados em sinopses, trailers e materiais de divulgação.

Crítica de “Antártida”

História interessante, mas não impactante

“Antártida” se passa na Estação Comandante Diniz, uma base brasileira instalada no continente, onde militares e cientistas residem e trabalham, monitorando a situação da região gélida e desenvolvendo pesquisas científicas. É justamente para uma nova vertente de pesquisa acadêmica que a cientista e fotógrafa Inês (Marina Ruy Barbosa) chega à estação, já composta pelo Comandante Barros (Antonio Calloni), pela subcomandante Elisabeth (Andrea Beltrão), pelo tenente da Marinha Viriato (Adélio Lima), pela médica Marina (Leandra Leal), pelos militares Josué (João Vitor Silva), Santiago (Henrique Barreira), Dimas (Gero Camilo) e Rose (Mariana Sena) e pelos cientistas Gaspar (Renan Monteiro) e Freitas (Marcos de Andrade).

O Capitão Vicente (Lázaro Ramos) também chega a bordo para resolver algumas pendências com sua ex-parceira Marina, mas acaba integrando o time após se demorar demais e perder a carona de volta. Na primeira noite de reunião da equipe — durante uma festa com bebida à vontade e música alta —, um crime brutal acontece justamente com a novata Inês: em estado inconsciente, a cientista é violentada sexualmente fora das instalações da estação e deixada ali, fragilizada. Elisabeth percebe os gritos de Inês, mas já é tarde demais, e o agressor escapa.

Sem saber qual homem cometeu o crime — que pode ser até mesmo o Capitão Vicente ou o próprio Comandante Barros —, a subcomandante se vê em uma enrascada e não enxerga outra escolha: com o apoio de Marina, Inês e Rose, Elisabeth conduz uma investigação amadora para descobrir quem violentou Inês.

Diante de uma pauta infelizmente atemporal e recorrente no Brasil, país em que são registrados quase 200 estupros por dia, de acordo com o Mapa Nacional da Violência de Gênero, “Antártida” dignifica a causa ao trazer o peso que um crime como esse carrega — pela perversidade, pela escrotidão e pelo interesse público que desperta aos olhos de terceiros —, tal qual o peso avassalador que acomete a vítima, em que vemos praticamente todos os primeiros estágios do luto traumático. O filme mostra ainda a sororidade e a importância dessa união para encontrar forças e fazer o que é certo.

Porém, a história levantada fica sem profundidade narrativa ao não explorar os potenciais culpados, tanto nos “motivos” que possam tê-los levado a essa ação — que, embora mostrados, têm pouco tempo de tela — quanto na reação e na versão dos acontecimentos para os personagens culpados. Predominam cenas habituais do trabalho realizado na base, do núcleo familiar entre Vicente e Marina e da amargura de Inês e Elisabeth sobre o episódio.

Por ser um thriller, o suspense deveria ser o chamariz, mas não causou a imersão esperada, mesmo com o filme assumindo de fato as rédeas da investigação mais para o final do longa — o que, curiosamente, o torna mais novelesco, com direito a explosões em referência a um caso real ocorrido na base militar Comandante Ferraz, na Antártida, em 2013. Embora a ideia de construir o suspense por meio do medo e da desconfiança seja bem interessante, ela não foi suficiente aqui, por faltarem elementos que a enriquecessem.

Talvez se possa justificar que essa rotina normalizada, mesmo diante do abuso sexual praticado por um dos membros da equipe, seja um retrato do pouco palanque que o crime gera no país, assim como da voz da mulher na sociedade, o que tornaria a decisão mais louvável. No entanto, ainda assim, a decisão seria fraca diante do potencial que o próprio cinema, enquanto arte, tem de impactar. Faz falta a “Antártida” um meio-termo que puxe a nossa participação: como suspense investigativo, seu chamariz deveria ser convidativo e instigar o espectador a desvendar o caso em conjunto, o que não aconteceu, embora seja um bom filme para assistir do começo ao fim.

Personagens não ganham tempo para conexão

A escolha do elenco precisa ser estratégica, não só porque ocupa grande parte do investimento do filme, mas também porque auxilia no marketing e faz diferença para a história.

Em “Antártida“, o time dispensa apresentações: são profissionais com forte carreira na sétima arte nacional e excelentes no que construíram. Poucas atrizes têm escopo para interpretar uma personagem motriz como a que Marina Ruy Barbosa entrega em Inês; poucos atores são tão magnéticos quanto Leandra Leal e Lázaro Ramos, que, de tão bons, conseguem puxar outros atores a um excelente nível de performance; a atuação realista e “feliz nos simples” de Andrea Beltrão não tem para ninguém, com a presença e o poder de convencimento necessários para dar credibilidade ao filme.

Porém, mesmo que os atores sejam um show à parte, seus personagens não conseguiram atingir um grau de conexão com o espectador, isto é, não nos deixaram conhecer mais sobre o que pensam e o que são. E, nesse ponto, não os culpo. Inicialmente, “Antártida” foi apresentada como uma ideia para uma série de TV em meados de 2017, o que explica muito o sentimento que ficou em mim após o filme: confusão. É um universo visivelmente rico e mais complexo do que o que vimos no corte final, mas que, pela falta de tempo e de decisões que julgo mais condizentes com um thriller, ficou somente no papel. “Antártida” é um amontoado de ideias pensadas, mas não aplicadas.

E é claro que esse efeito reverbera nas atuações. De forma isolada, os trabalhos dos atores foram bons e convincentes, escolhas certas para o tamanho da responsabilidade e da audácia que esse filme carrega; porém, superficiais, quase contidos diante do que queriam expressar naquele momento, o que atribuo não só ao roteiro, que não sabia aonde queria chegar, mas também à falta de briefing ou mesmo de controle dos atores por parte da direção.

Fora que o tempo de tela dos quase dez personagens regulares do filme não são os mesmos. A personagem da Mariana Sena, por exemplo, é bem mal aprofundada e, até mesmo sendo uma das poucas mulheres da estação, podendo servir de apoio à personagem de Marina Ruy Barbosa, vemos poucas cenas de suporte entre ambas. Atores mais coadjuvantes, como Renan Monteiro, Giro Camilo e Marcos de Andrade, tiveram somente adições relevantes no meio para o final, em um ponto de maior maturidade do filme, justamente quando o próprio dependia de alguma movimentação mais relevante para o plot.

Resumindo, o ponto de maior atratividade de um thriller foi rebaixado em “Antártida”: o desenvolvimento dos personagens. Sem este ponto, torna-se bem difícil prender e surpreender o público com o mistério. O que fica é claramente um esquecimento coletivo da produção de que o filme é um thriller e não um drama, focando mais no núcleo feminino — e ainda com ressalvas.

Antártida é praticamente um meio, não um ambiente

Confesso que, quando procurei saber a respeito, o filme despertou minha atenção por ser brasileiro e se passar no continente mais gelado e inóspito do planeta, curiosamente autônomo e que detém bastante influência geopolítica por meio dos países que possuem alguma base por lá.

Com base nesse potencial rico em assuntos e temas, e analisando o filme após tê-lo visto, sinto decepcionar os cinéfilos que esperam mais da própria Antártida em ação: ela é praticamente escanteada durante todo o filme, atuando como um meio que fomenta o “pior lado” do humano, diante do abismo de diferenças entre a região e o Brasil, principalmente quanto ao frio e à escassez de recursos.

Em materiais de divulgação recentes, Marina Ruy Barbosa, Andrea Beltrão e Leandra Leal comentaram justamente o fato de os eventos do filme se passarem na Antártida serem um atrativo interessante do longa-metragem, além de o crime de abuso sexual acontecer nessa base militar brasileira passar uma mensagem de eterna vigilância na proteção da mulher, já que “criminoso não tem rosto” e “pode rolar em qualquer lugar” — e assino embaixo, por esse lado.

Por outro lado, o filme poderia aproveitar melhor o ambiente para aqueles que, assim como eu, se interessaram pela proposta do lugar. Cheguei a me perguntar se esse seria um ponto passível de menção nesta crítica, porque, naturalmente, dar mais destaque à própria Antártida poderia levar o filme a um lado mais de ação e aventura, fazendo-o perder a sua “essência”. Contudo, tendo em vista que, no corte final, “Antártida” investe nessas cenas de adrenalina, justifico aqui meu ponto de que poderiam também ser mais distribuídos os eventos de escassez de alimentos, as dificuldades de se manter na estação e na região e as demais situações.

Produção de “Antártida” é um marco ao cinema brasileiro

O maior ponto de destaque do filme é o seu desempenho técnico. “Antártida” é um filme lindo, com ótima fotografia e cenários que colocaram o cinema brasileiro em outro patamar. O filme, produzido pela Globo Filmes, é o primeiro brasileiro a usar a tecnologia de produção virtual com painéis de LED, chamada ICVFX, com o Unreal Engine, até então usada apenas em Hollywood — e criada em 2019, com o surgimento do modelo na série da Disney “O Mandaloriano”. Com uma área de 1.500 m² e painéis de mais de 300 m², a estrutura de cenário é digna de sua alcunha: o maior estúdio virtual da América Latina.

O ICVFX é uma técnica de produção virtual que gera efeitos visuais em tempo real durante gravações ao vivo, usando painéis de LED, motores de renderização e rastreamento de câmeras, uma alternativa mais tecnológica aos tradicionais fundos verdes ou azuis do chroma key. O avanço possibilita vários benefícios e soluções que ajudam principalmente a pós-produção do filme, como iluminação fidedigna, efeitos visuais já captados e reproduzidos na própria câmera e, com o Unreal Engine e sistemas nDisplay, uma imagem no painel que reage à posição exata da câmera, garantindo profundidade e realismo óptico convincentes, além de maior imersão para os atores.

Mesmo que a tecnologia tenha chegado com alguns anos de “atraso” — algo que também é particularmente comum, afinal o cinema brasileiro ainda é emergente e fortemente dependente do Estado —, trata-se de uma evolução que esperamos que não tenha volta e que tanto seja usada pela Globo, em mais produções, quanto instigue a competitividade em outras produtoras brasileiras.

A atenção dada pela equipe de produção foi tamanha que, auxiliando a tecnologia ICVFX, a neve usada no filme foi criada artificialmente, com base em pesquisas que envolveram cerca de um ano de planejamento e testes, tudo para que a neve de mentira ficasse com textura semelhante à que encontramos em abundância no continente. Para simular o frio extremo dentro do estúdio, foi importado maquinário de nevasca. Ou seja, todo o planejamento de pré-produção, que demandou tanto esforço, se refletiu na tela, com cenários lindos e realistas e boas interações entre os personagens e o ambiente.

Conclusão: “Antártida” é bom?

“Antártida” é uma boa alternativa de filme descontraído, mas que ainda mantém uma proposta mais complexa e instigante do que um simples filme para “passar o tempo” ou de “entretenimento fácil”. Apesar de a produção ser feita para assistir em tela grande, graças ao trabalho impecável — e, espero, revolucionário e pioneiro — de pré-produção que aliou o talento cenográfico brasileiro às tecnologias mais recentes da indústria, seu enredo é virtuoso mais pelas problemáticas que critica e pelo elenco fenomenal do que pela trama, cuja montagem e cujo roteiro ficaram confusos e perdidos, mesmo que você enxergue um potencial enorme na história e nos núcleos complementares.

Onde ver “Antártida”?

O filme “Antártida” já está disponível nos cinemas de todo o Brasil e deve ficar em cartaz até, mais ou menos, o começo de novembro. Por ser uma produção da Globo Filmes, o filme deve chegar logo em seguida ao catálogo da Globoplay, ainda sem data confirmada pela Globo.

• Veja as sessões mais perto de você clicando aqui.

Assista ao trailer

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Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou jornalista pós-graduado em Jornalismo Cultural, completamente enlouquecido por cinema. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, tentando ser gamer e sou um jogador combeiro de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos (principalmente dos brasileiros), amo rock e músicas antigas no geral e coleciono crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Se eu tiver algum dinheiro extra, saiba que não terei por muito tempo: sempre acho algum novo periférico gamer, funko pop e/ou baldes e copos temáticos que com certeza justificam minha aquisição. Então, se quiser ajudar um necessitado, mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

O post Antártida é um grande feito do cinema brasileiro… e só isso [Crítica Sem Spoilers] apareceu primeiro em Nerds da Galáxia.

Na mostra, além de curtas brasileiros, há espaço para produções internacionais de 6 países. Apesar do foco em longevidade, a seleção do festival não se limita a filmes sobre o tema, abrangendo questões diversas como memória, afeto, política, sexualidade e arte. O Cine Inclusão 60+ é reconhecidamente o único evento de fomento à economia criativa voltado exclusivamente ao público 60+ no âmbito da difusão, capacitação e produção para o mercado audiovisual.

A Nerds da Galáxia foi convidada a prestigiar a sessão de abertura do festival e conta para você tudo o que rolou neste primeiro dia e o que lhe espera durante os dias de Cine Inclusão em São Paulo.

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Sessão de Abertura

O início do Cine Inclusão aconteceu no Espaço Petrobrás de Cinema, na Rua Augusta, no Centro de São Paulo. A cerimônia contou com a presença dos curadores Jacqueline Durans, da mostra 60+ em Ação; Helena Ignez, Jorge Bodansk e Luiz Carlos Merten, da mostra Competitiva; e Luciana Rossi, da mostra Internacional; além do idealizador e diretor do festival, Daniel Gaggini, e demais convidados e jornalistas.

O primeiro dia do evento foi agitado: a estreia oficial iniciou com a oficialização dos vencedores do 3º Concurso de Roteiro FCI 60+ Em Foco, iniciado na edição passada, em 2025, consagrando-se o cineasta Marco Madeira pelo seu curta “Atravessando-se”. O curta foi reverenciado pela “forma como mostra a mudança na vida de um idoso, superando as diferenças culturais e de costumes, e vivenciando a sua sexualidade de maneira leve, sem culpa, sem drama e sem medo”, em momento de fala comandada por Daniel.

Logo após, foram exibidos três curtas-metragens brasileiros: “Mulher Papaya” (2026), “Uma Menina, Um Rio” (2025) e “Sigo Enquanto Espero” (2026).

“Mulher Papaya” era um dos títulos mais aguardados do Cine Inclusão. Dirigida e roteirizada por Camila Tarifa e estrelada por Magali Biff, a produção ganhou o último Festival de Cinema de Gramado nas categorias de Melhor Roteiro e Melhor Filme do júri da crítica e percorreu o festival de cinema de Huesca, na Espanha, em junho deste ano. O curta é uma ficção fortemente inspirada na vida da avó da diretora, mostrando a senhora Hilda, com seus 70 anos, vivendo em sua solidão, embora acompanhada de seu marido frágil e doente e de sua cuidadora. Quando ela sente um toque de uma cuidadora, sua vida se transforma, despertando nela sensações há muito tempo adormecidas.

Já “Uma Menina, Um Rio” é uma animação criada por Renata Martins, que já passou pelos festivais de cinema KinoForum e EcoFalante, chegando de forma única ao Cine Inclusão de domingo (21). Com duração de 8 minutos, a produção conta sobre uma menina que, seguindo o fluxo incessante de um rio, inicia sua jornada de descoberta ao acompanhar suas águas. A cada passo, o curso do rio reflete sua própria transformação: da infância à velhice. Assim como o curso da água, sempre em movimento, o tempo perpassa, moldando a maturidade de ambos.

Por fim, o curta “Sigo Enquanto Espero” é um documentário leve e familiar da cineasta Isadora Libório, sobre seus avós Marlene e Péricles, casados há 66 anos. Em meio a uma casa repleta de memórias e objetos antigos, Marlene reflete sobre aquilo que guarda e aquilo que se destrói, acompanhando a rotina dos casados no dia a dia e qual foi o segredo para uma união tão resistente. A produção marca sua estreia oficial nos cinemas, dentro da programação do Festival Cine Inclusão 60+ em Foco.

Após as sessões de estreia, Imara Reis conduziu uma roda de conversa na sala de cinema do Espaço Petrobrás de Cinema com os curadores Luis Carlos Merten e Jacqueline Durans e com a atriz Magali Biff. Como pauta, a roda permeou a visão escolhida para a seleção dos 21 filmes que compõem a programação do festival gratuito e o que tornou as produções exibidas na estreia especiais à mensagem que o evento quer passar aos telespectadores e participantes. Às 14h, o Museu Lasar Segall exibiu sessões da mostra Competitiva.

Programação completa do Cine Inclusão 60+

O Festival Cine Inclusão 60+ em Foco reúne 18 filmes que podem ser conferidos de segunda (21) a domingo (26). Todos os filmes que participam estão divididos entre os três eixos — Mostras 60+, Competitiva e Internacional — e serão exibidos de uma vez só. Os curtas têm duração entre 5 e 24 minutos.

Confira abaixo a relação de horários e endereços das sessões:

• Segunda-feira (21)
  Sessão Mostra 60+ em Ação, às 14h, no Cine Segall
• Quarta-feira (23)
  Sessão Mostra Internacional, às 19h30, no Cine Favela
• Quinta-feira (24)
  Sessão Mostra 60+ em Ação, às 19h30, no Cine Favela
• Sexta-feira (25)
  Sessão Mostra Competitiva, às 19h30, no Cine Favela
• Sábado (26)
  Sessão Mostra Internacional, com apresentação de Luciana Rossi, às 14h, no Cine Segall
• Domingo (27)
  Cerimônia de encerramento da 6º Cine Inclusão, com recepção às 10h, no Espaço Petrobrás de Cinema
  Entrega de Certificados da Oficina de Cinema 60+, às 10h30, no Espaço Petrobrás de Cinema
  Premiação do Melhor Filme da Mostra Competitiva da 6ª Cine Inclusão, às 11h, no Espaço Petrobrás de Cinema
  Exibição de “Nossos Sonhos de Cinema”, realizado por alunos(as) da Oficina de Cinema 60+, às 11h, no Espaço Petrobras de Cinema.
  

Filmes da Mostra 60+ em Ação

A Mostra 60+ em Ação do Cine Inclusão foca em curtas que transmitem um olhar político e estético sobre os modos de fazer filmes, com produções desenvolvidas em diversas regiões do Brasil, como em Belo Horizonte, Bahia, Rondônia, São Paulo e mais. É sobre histórias que contam sobre lugares, costumes e desejos e como são interagidos com os cenários onde vivem.

Os filmes que fazem parte desta mostra são:

• Destino da Pele (2026): dirigido por Marcela Bonfim e estrelado por Agrael Jesus e Haroldo José Saraiva, a produção, baseada em fatos reais, mostra Tereza, benzedeira de Guajará-Mirim (RO), que realiza atendimentos espirituais em sua casa. Ao reconhecer um antigo colega e amor de infância, Joaquim, entre os presentes, após 50 anos, Tereza é atravessada por memórias dolorosas da rejeição e da violência sofridas na escola por conta de sua pele retinta — e pela possibilidade de ressignificar o passado e curar suas feridas.
• Os Encantados (2026): estreando nacionalmente no Festival Cine Inclusão, Adroaldo Almeida realiza esse curta-documentário que mostra o trabalho, a fé e o lazer de moradores do bairro Loteamento, em Itororó (BA), diante da visão acadêmica de uma professora de filosofia.
• Melodia Ancestral (2025): documentário dirigido por Beatriz Costa reconstrói a vida de seu avô Antônio Vaz do Nascimento (Toninho), um maestro negro da periferia de São Paulo entre as décadas de 1950 e 1980, que liderou a Orquestra Marabá, animando bailes na periferia de São Paulo. O curta-metragem reflete sobre a memória, o legado musical e as lutas dos artistas negros do passado e do presente.
• Sol a Pino (2026): outro documentário, Eunice Cunha dá contorno e significações às memórias de uma criança, hoje uma mulher madura, sobre a história de sua mãe, sob a luz de uma relação de amor e afeto, trazendo reminiscências dos tempos e modos anteriores aos meados do século passado (séc. XX).
• Cadeira Vazia (2026): mais uma estreia no Cine Inclusão, a produção conta sobre um investigador gay não assumido, afastado de sua função, que investiga a tentativa de assassinato de sua sobrinha, uma travesti negra, interrogando três pessoas LGBTQIAPN+, que mudam sua forma de ver o mundo. Comandado por Marco Madeira, vencedor do último concurso de roteiros do Festival Cine Inclusão 60+ em Foco.
• Suá, a Praia que Sumiu (2025): do Espírito Santo, o doc gira em torno de uma praia que foi aterrada em nome do progresso nos anos 1970, em um bairro em Vitória (ES) predominantemente de pescadores, com indícios de várias manifestações culturais ancestrais. E a propaganda oficial convenceu a população local de que foi um grande feito. É assinado pela professora Thais Helena Leite, que também escreveu o livro “História do Espírito Santo”.

Filmes da Mostra Competitiva

Já a Mostra Competitiva do Cine Inclusão é composta por seis títulos com teor subversivo ao papel e ao espaço do idoso na sociedade, com o objetivo de estimular a reflexão em quem vê. Segundo os curadores, essa seção reúne filmes ecléticos em posicionamento e debates, com alguns temas escancarados como economia, política, afetos, arte popular, sexualidade e tradição de pessoas de terceira idade.

Veja abaixo os filmes da seção:

• Recife Tem um Coração (2025): documentário conduzido por Rodrigo Sena, cineasta independente premiado em festivais de cinema brasileiros, que acompanha Silvio Silva, conhecido como um fenômeno da música brega em Recife, que está fazendo uma transmissão ao vivo com seus seguidores para comprar uma nova caixa de som. O curta já apareceu na setlist da SMAFF, da Alemanha.
• Quem Ficou Fui Eu (2025): Ficcional, a história conta sobre Sandra, que abandona o mercado de trabalho para dedicar-se integralmente aos cuidados essenciais com sua mãe, diagnosticada com Alzheimer, e enfrenta os desafios emocionais, físicos e financeiros dessa exaustiva rotina de atenção e adoecimento. Dirigida por Maria Garé e Luiza Pace, a produção apareceu na 14º EcoFalante e foi produzido como Projeto de Graduação Experimental (TCC) em Cinema e Audiovisual na ESPM.
• Moti (2025): do gênero da ficção, André Okuma aborda sobre Nami. Após uma visita inesperada, Nami, de 84 anos, se abre com a neta Midori, revelando segredos familiares e traumas de infância vividos no Brasil dos anos 1940. Ao mesmo tempo, ela observa seu outro neto, Jun, ser consumido pelo ódio da polarização política. É dia de eleição. Passado e presente, vida e morte, Oriente e Ocidente, esquerda e direita se entrelaçam dentro dessa família, como um moti, doce japonês tradicional.
• O Prazer é Todo Meu (2023): Amélia é aposentada e vive uma vida tranquila dentro de um casamento tradicional que já dura mais de cinco décadas. Mas tudo muda quando ela descobre que nunca teve um orgasmo. Amélia, então, inicia uma jornada de autoconhecimento, rebeldia e busca do próprio prazer. O curta é produzido pela catarinense Vanessa Sondré e estrelado por Margarida Baird, e percorreu vários festivais nacionais e internacionais, como o Inside Out Festival do Canadá.
• Marina Colasanti: Entre a Sístole e a Diástole (2025): o curta-documentário é um mergulho poético na vida e obra de Marina Colasanti, guiado pelo olhar de sua filha, Alessandra Colasanti. O curta mostra as várias facetas da autora — como avó, dona de casa, cozinheira e artista que ilustra e cria — costurando imagens caseiras a arquivos íntimos e falas da autora, um retrato delicado entre memória, arte e herança afetiva. O projeto começou a ser filmado enquanto Marina ainda estava viva e estreou em festivais como o Festival do Rio, conquistando premiações como Melhor Documentário no Festival de Muriaé e Melhor Fotografia na Mostra de Quirinópolis.
• O Último Varredor (2025): último curta do Cine Inclusão do eixo, feito por Perseu Azul e Paulo Alípio, retrata a realidade e o cotidiano dos chamados “varredores de soja”, trabalhadores do interior de Mato Grosso que atuam recolhendo os grãos caídos às margens das rodovias e armazéns, representando um elo vulnerável na imensa corrente de riqueza do agronegócio.

Filmes da Mostra Internacional

A Mostra Internacional do Cine Inclusão 60+ reúne curtas-metragens de seis países — Índia, Peru, Argentina, Japão, Estados Unidos e Inglaterra — para propor olhares diversos sobre o envelhecimento e a velhice, aproximando diferentes culturas e cinematografias para instigar mais o público a pensar na velhice de forma mais plural e complexa. Assim como na mostra competitiva, aqui há também espaço para discussões acerca do avançar da idade, desejos, conflitos, afetos, autonomia, resiliência e outros temas do cotidiano em personagens protagonizados pela terceira idade.

• Amor à Primeira Vista (2012) | INGLATERRA: O curta clássico conta sobre um morador de um lar para idosos que descobre ter um vínculo profundo com outra moradora, revelando que o amor e a afeição transcendem o tempo e a idade. O filme estreou no Palm Springs International ShortFest na Califórnia, e foi selecionado por mais de 200 festivais internacionais de cinema, abrangendo 5 continentes, e ganhando 76 prêmios.
• Homem Dinossauro (2025) | JAPÃO: estilo curta-documentário japonês, fala sobre uma ferrovia no meio das montanhas, que atualmente é usada apenas por alguns estudantes do ensino médio. Ela está prestes a ser desativada. No dia em que um trem especial de três vagões é operado para atrair turistas, um velho chega à ponte ferroviária.
• Testemunho de Ana (2021) | ÍNDIA: Outro doc, é o curta mais longo da seleção do Cine Inclusão. Uma mulher idosa de etnia Advasi é acusada de bruxaria por seus vizinhos. Morando na zona rural, em um local de intensa exploração madeireira, sua recusa em deixar a terra desencadeia um conflito que tem raízes profundas no patriarcado e no capitalismo e que se revela no corpo feminino: a caça às bruxas.
• A Mudança (2025) | PERU: Dirigido por Ariana Andrade Castro e estrelado por Vítor Prada e Maria Del Carmen Lozano, em uma vida marcada pela rotina, um casal de idosos tem sua tranquilidade interrompida pelos barulhos apaixonados de seus novos vizinhos. O que começa como incômodo provoca uma sacudida em seu mundo íntimo.
• Posso Ficar com Ele? (2023) | ARGENTINA: O curta é uma animação aclamada, que apresenta um relato sensível e bem-humorado sobre animais e seres humanos que se resgatam mutuamente. A narrativa se destaca por misturar documentário, fantasia e comédia, sendo construída a partir de duas perspectivas diferentes: a ótica do animal e a do ser humano.
• Não Peça Desculpas (2024) | EUA: David Au dirige a história de June, uma idosa coreano-americana tímida e resiliente que vive nos EUA. Depois que seu marido é agredido em um violento ataque de ódio motivado por ataque de ódio contra asiáticos, ela se recusa a aceitar o papel de vítima. Buscando formas de se proteger e lidar com o trauma e a revolta gerados pelo incidente, ela descobre vídeos virais de competições de tapas na cara e decide que é hora de aprender a revidar.

Sessão comentada homenageia Clementina de Jesus, Paulinho da Viola e Adélia Prado

Sem sessões marcadas para essa data, a terça-feira (22) é dia de uma atividade especial na programação do Cine Inclusão 60+. Nomeada de “Música, Cinema, Poesia e Arte“, a dinâmica acontece na Casa de Francisca e homenageia as contribuições de Clementina de Jesus, Adélia Prado e Paulinho da Viola, na esfera de abordar temas relacionados a tempo e longevidade a partir da união entre cinema e outras linguagens artísticas.

O bate-papo norteia-se sobre o tempo, a longevidade e as escolhas que tomamos para uma vida longa, saudável e plena. A discussão vai utilizar leituras e trechos de três filmes: “Clementina” (2025), de Ana Rieper; o episódio “Todo Dia, O Sol” da série documental “Elas no Singular” (2020), de Fabrizia Pinto; e “Paulinho da Viola – Meu Tempo É Hoje” (2003), de Izabel Jaguaribe.

A entrada é gratuita e está marcada para começar às 19h30. A mediação fica por conta de Patrícia Palumbo, jornalista e podcaster, criadora e apresentadora do programa de entrevistas “Vozes do Brasil”. A programação está sujeita a alteração e lotação.

Fórum discute espaço para mulheres 60+ no audiovisual

Seguindo a mesma linha, o Museu Lasar Segall sedia o “Fórum Brasil 60+ Sob a Ótica das Mulheres do Audiovisual“. Com mediação da cantora Debora Ivanov e com participação confirmada de Adélia Sampaio, primeira cineasta negra e mulher a dirigir um filme no Brasil; a diretora Tata Amaral, uma das mais influentes realizadoras da década de 90, responsável por filmes como “Sequestro relâmpago” (2018), “Trago comigo (2016) e “Hoje” (2011)”; e Tizuka Yamasaki, produtora e diretora de cinema influente nas décadas de 80 e 90, responsável por “Gaijin – Os Caminhos da Liberdade”, vencedor de Gramado e em Cannes.

Diante do cenário do envelhecimento mais gradual da população brasileira, os participantes do Fórum especial do Cine Inclusão vão debater sobre como o crescimento da população 60+ pode criar novos públicos, demandas e oportunidades, ao mesmo tempo que também expõe desigualdades e desafios dos modos de produzir, trabalhar e representar o envelhecimento.

A participação é gratuita e acontece neste sábado (26), das 16h às 18h. A programação está sujeita a alteração e lotação.

Onde encontrar mais informações?

Mais informações podem ser encontradas no site oficial do evento ou pelas redes sociais do Cine Inclusão.

Endereços:

• Espaço Petrobras de Cinema — R. Augusta, 1475 – Consolação, São Paulo – SP
• Casa de Francisca — R. Quintino Bocaiúva, 22 – Sé, São Paulo – SP
• Cine Favela — R. do Pacificador, 288 – Vila Heliópolis, São Paulo – SP
• Cine Segall — Rua Berta, 111 – Vila Mariana, São Paulo – SP, 04120-040

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Enzo Sapio

Olá, Nerds da Galáxia! Sou Enzo Sapio, vida longa e próspera! Sou jornalista pós-graduado em Jornalismo Cultural, completamente enlouquecido por cinema. Sim, sou marvete assumido, pai de gatos, tentando ser gamer e sou um jogador combeiro de RPG nas horas vagas. Além disso, gosto de ler quadrinhos (principalmente dos brasileiros), amo rock e músicas antigas no geral e coleciono crushs pesados em famosas nas quais nunca conhecerei. Se eu tiver algum dinheiro extra, saiba que não terei por muito tempo: sempre acho algum novo periférico gamer, funko pop e/ou baldes e copos temáticos que com certeza justificam minha aquisição. Então, se quiser ajudar um necessitado, mete um pix… ou simplesmente compartilha minhas matérias! Obrigado!

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É possível capturar a essência das ansiedades, amizades e transformações do público jovem com leveza e empatia nas telas do cinema? Em Era Uma Vez Minha 1ª Vez, nova adaptação baseada no universo literário de Thalita Rebouças, o cinema nacional retorna ao universo adolescente para explorar as primeiras vezes que marcam a transição para a vida adulta. O longa acompanha um grupo de jovens encarando dúvidas sobre amor, sexualidade, aceitação e o futuro com o tom acolhedor característico das obras da autora.

A trama constrói suas dinâmicas priorizando a força da amizade como porto seguro diante das pressões sociais da juventude. O roteiro traduz bem a linguagem contemporânea dos adolescentes, criando situações com as quais o público jovem consegue se identificar rapidamente. A direção opta por uma condução leve e colorida, permitindo que as descobertas de cada personagem fluam de forma natural ao longo da narrativa.

Embora o filme siga caminhos conhecidos da comédia teen tradicional e não fuja de certas convenções do gênero, a produção compensa pela honestidade com que aborda as vulnerabilidades da idade.

Carisma do Elenco e Conexão com o Público Jovem

O grande trunfo de Era Uma Vez Minha 1ª Vez reside no carisma de seu elenco principal. A química entre o grupo de amigos transmite autenticidade nas cenas de cumplicidade e nas conversas sobre desilusões e conquistas interpessoais, garantindo um tom de frescor ao enredo.

A trilha sonora pop e vibrante funciona como o acompanhamento ideal para as idas e vindas emocionais dos protagonistas, enquanto a direção de arte aposta em figurinos e cenários modernos que dialogam diretamente com a estética da geração atual.

Ainda que a estrutura aposte na simplicidade e em resoluções previsíveis em determinados arcos, o filme cumpre com louvor sua proposta central: ser um acolhimento divertido para quem está vivenciando ou já vivenciou os altos e baixos da adolescência.

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Uma Comédia Leve e Empática

Era Uma Vez Minha 1ª Vez se consolida como uma comédia teen leve e acolhedora. Ao celebrar os laços de amizade e a importância do autoconhecimento, o longa entrega um entretenimento honesto e divertido para o público jovem e para os fãs de longa data de Thalita Rebouças.

O filme é uma excelente recomendação para quem busca uma sessão despretensiosa e repleta de identificação nas salas de cinema.

Você já leu os livros de Thalita Rebouças? Pretende assistir a Era Uma Vez Minha 1ª Vez nos cinemas? Deixe sua opinião nos comentários!

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Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

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É possível retratar a gênese de um movimento espiritual global com o respeito e a profundidade que o tema exige? Em The Fox Sisters, o cinema de época se debruça sobre a incrível e emocionante trajetória das irmãs Margaret e Kate Fox, jovens que, no século XIX, mobilizaram os Estados Unidos ao manifestarem os primeiros sinais de comunicação mediúnica através de pancadas e ruídos no ambiente. O longa se estabelece como um filme espírita instigante, oferecendo um olhar sensível sobre a rápida ascensão e o impacto social dessas figuras que deram origem ao espiritualismo moderno e serviram de base para o estudo da mediunidade.

A narrativa reconstitui com riqueza de detalhes a atmosfera da Nova York oitocentista, marcada pelo contraste entre o ceticismo da época, a curiosidade popular e a busca por respostas espirituais. O roteiro equilibra com habilidade as manifestações mediúnicas e a complexa dinâmica familiar das irmãs, explorando como a busca por consolo e a comprovação da vida após a morte transformaram duas jovens do interior em verdadeiros fenômenos de sua época.

A direção aposta em um tom sóbrio, respeitoso e elegante, permitindo que a descoberta do plano espiritual funcione como o motor central da emoção ao longo do filme.

Atuações Sensíveis e uma Reconstituição de Época Impecável

O grande triunfo de The Fox Sisters reside nas interpretações de seu elenco principal. As atrizes que vivem as irmãs entregam performances carregadas de sutileza e vulnerabilidade, transmitindo o peso de carregar uma missão mediúnica sob o olhar atento e por vezes intolerante da sociedade de sua época.

A direção de arte e o figurino recriam perfeitamente a sobriedade da era vitoriana, enquanto a fotografia de tons acolhedores valoriza as reuniões e sessões de comunicação, criando um ambiente imersivo e cenograficamente impecável. O trabalho de som também se destaca, fazendo com que as famosas batidas e sintonias com o plano invisível ecoem no cinema com um impacto emocionante e envolvente.

A profundidade do debate histórico, moral e espiritual compensa cada segundo da exibição, oferecendo uma experiência enriquecedora para quem busca compreender as raízes do movimento.

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Um Retrato Necessário sobre Fé, Mediunidade e História

The Fox Sisters se consolida como uma obra provocativa e esteticamente refinada no cinema espírita. Ao abordar a origem de um dos movimentos mais influentes da história moderna sob uma perspectiva humana e histórica, o filme entrega uma reflexão marcante sobre o consolo da fé e a imortalidade da alma.

O longa é uma recomendação indispensável para simpatizantes do tema, estudantes da mediunidade e apreciadores de grandes dramas históricos.

Você já conhecia a história real das Irmãs Fox e sua importância para o espiritismo? Ficou curioso para ver essa retratação nas telas? Deixe sua opinião nos comentários!

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Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

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É possível fazer uma adaptação cinematográfica de um videogame lendário que finalmente honre o clima de tensão sufocante que consagrou a franquia nos jogos? As primeiras impressões do novo longa-metragem de Resident Evil indicam que a resposta é um sonoro e empolgante sim. Apresentados em sessões antecipadas para a imprensa, os primeiros 30 minutos da produção surpreenderam ao entregar uma atmosfera densa, focada no survival horror clássico, na escassez de recursos e no medo do desconhecido.

A narrativa opta por um caminho corajoso ao afastar-se da ação desenfreada de adaptações anteriores e introduzir um protagonista totalmente inédito. O personagem conduz o público por corredores claustrofóbicos e cenários desolados, esbanjando carisma e vulnerabilidade (uma escolha acertada que permite ao espectador sentir o peso real de cada ameaça e a urgência de tentar sobreviver).

A direção demonstra um cuidado meticuloso na construção do ritmo, utilizando a luz, as sombras e o silêncio estratégico para criar um estado constante de apreensão antes de entregar sustos cirúrgicos e bem-executados.

Fidelidade Estética, Tensão Psicológica e Design de Som Imersivo

O grande trunfo dessa nova investida no universo da Capcom reside em seu compromisso com a atmosfera. Em vez de focar apenas no gore gratuito, a obra aposta na tensão psicológica, nos barulhos estranhos no escuro e na sensação iminente de perigo a cada curva. O design de som surge como um dos pilares mais fortes do filme, ampliando a imersão nas salas de cinema.

O visual dos cenários e o trabalho de maquiagem das criaturas resgatam a estética sombria dos primeiros títulos da franquia, equilibrando elementos nostálgicos com uma roupagem cinematográfica moderna e realista. A recepção inicial entre críticos e fãs da cultura geek reforça que o projeto acertou ao priorizar a essência de horror psicológico que sempre definiu a marca.

Ainda que seja preciso aguardar a exibição do longa completo para avaliar o ritmo do roteiro até seu desfecho, este primeiro contato provou que a franquia nas telas pode ter encontrado, finalmente, o tom ideal.

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Uma Promessa Empolgante para os Fãs do Gênero

O novo filme de Resident Evil surge como um respiro muito bem-vindo para as adaptações de videogames nos cinemas. Ao combinar um protagonista cativante com o puro DNA do survival horror, a produção promete entregar a experiência aterrorizante que os fãs esperam há anos.

A expectativa para o lançamento oficial é altíssima entre os entusiastas de cinema de terror e da franquia de jogos.

O que você mais espera desse novo filme de Resident Evil? Gostou da ideia de um protagonista inédito focando no horror clássico? Deixe sua opinião nos comentários!

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Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

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Na manhã do dia (03/09), o site Deadline publicou que Dungeons & Dragons receberá uma série live-action intitulada “Ravenloft”, ambientada no cenário trágico de mesmo nome, onde veremos a origem de Strahd von Zarovich antes de sua transformação no Senhor Sombrio de Barovia, um dos grandes vilões da campanha “Maldição de Strahd”.

Mudanças nos Planos da Adaptação

A série anunciada é um projeto distinto do antigo “The Forgotten Realms”, que estava em produção no início de 2025, com Drew Crevello (“WeCrashed”) como roteirista e Shawn Levy (“Deadpool & Wolverine”) como produtor executivo. A Deadline descobriu que a adaptação de D&D não está mais em desenvolvimento pelo streamer.

Uma Equipe Consagrada no Horror Gótico

O projeto será comandado pelo roteirista John August, contando com a produção executiva do renomado cineasta mexicano Alfonso Cuarón e da Hasbro Entertainment.

Vale salientar que August possui sólida experiência com cenários góticos, tendo escrito e coescrito cinco filmes de Tim Burton: “Peixe Grande e Suas Histórias Maravilhosas”, “A Fantástica Fábrica de Chocolate”, “A Noiva Cadáver”, “Sombras da Noite” e “Frankenweenie”.

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O Universo Sombrio dos Domínios do Pavor

O cenário traz consigo uma forte ambientação de horror gótico e trágico, marcada pelos chamados “Domínios do Pavor”, semiplanos isolados e cercados pelas misteriosas Brumas. Em Ravenloft, as histórias não se limitam a derrotar monstros, mas também exploram temas como corrupção, medo, loucura, perdas e escolhas difíceis.

Cada domínio é governado por um Senhor Sombrio. O nosso vampiro protagonista da manchete, Strahd von Zarovich, é o Senhor Sombrio de Barovia, uma terra desprovida de esperança, devastada pela tragédia de seu governante e repleta de habitantes aterrorizados.

Um fato interessante sobre os Domínios do Pavor é que cada um serve como uma espécie de prisão para seus respectivos senhores. Da mesma forma que eles possuem grande poder sobre suas regiões, as forças que regem os domínios também possuem poder para mantê-los presos. Em outras palavras: os Senhores Sombrios são os seres mais poderosos de seus domínios e, ao mesmo tempo, seus prisioneiros mais importantes.

Expectativas para a Estreia

A série segue ainda sem uma data definida para estreia. No entanto, seu anúncio foi o suficiente para despertar empolgação e, no mínimo, curiosidade para saber o que será feito. Será que veremos rostos conhecidos na produção? Estrelas em ascensão? Somente o tempo dirá.

E se você é fã do sistema de D&D ou do gênero de horror gótico, fique atento aos nossos canais de informação da Nerds. Até a próxima!

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É possível se apaixonar mais uma vez por uma história que utiliza as fórmulas mais conhecidas dos romances YA? Em Coração Partido, o cinema russo demonstra sua capacidade de produzir dramas apaixonantes ao abraçar sem medo a dinâmica do enemies to lovers (de inimigos a amantes). O longa entrega uma narrativa envolvente, focada nos choques e na inevitável atração entre duas almas quebradas pelos segredos do passado.

A trama acompanha o encontro entre o clássico estereótipo do jovem rebelde e incompreendido e a garota reservada que carrega suas próprias feridas emocionais. A direção utiliza a estética fria e melancólica das paisagens urbanas para criar um contraste poético com a intensidade dos sentimentos que surgem entre o casal. O roteiro não tenta reinventar a roda, mas cumpre com precisão o que os fãs do gênero mais procuram: tensão sexual, diálogos afiados e momentos de vulnerabilidade marcantes.

Ao focar nos dilemas da juventude e na busca por redenção através do afeto, a produção alcança um ritmo fluido que mantém a atenção do espectador do primeiro ao último minuto.

Atração Magnética e Apelo Emocional

O ponto forte de Coração Partido reside na química magnética entre a dupla de protagonistas. Os atores conseguem transmitir com naturalidade a transição da implicância inicial para o carinho genuíno, fazendo com que o público torça pelo casal mesmo diante dos obstáculos e mal-entendidos que surgem ao longo da história.

A fotografia cuidadosa valoriza os momentos de intimidade e os olhares carregados de significado, enquanto a trilha sonora moderna atua como um elemento crucial para potencializar a carga dramática das cenas mais marcantes. Embora algumas reviravoltas do terceiro ato soem previsíveis para quem já conhece as convenções do romance jovem, a entrega emocional do elenco compensa qualquer facilidade do roteiro.

O filme se consolida como um prato cheio para quem busca um drama romântico intenso, visualmente bonito e carregado de paixão.

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Um Destino Certeiro para os Amantes do Gênero

Coração Partido cumpre com louvor sua proposta de entreter e emocionar. Ao combinar os clichês mais amados da literatura e do cinema jovem com uma produção elegante, o longa se destaca como um dos romances mais eficientes do ano.

O filme é uma excelente recomendação para quem ama histórias de amor repletas de reviravoltas, drama e superação.

Você é fã de histórias no estilo enemies to lovers? Ficou com vontade de assistir a Coração Partido? Deixe sua opinião nos comentários!

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