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Splatoon Raiders, uma reformulação da série, mas funciona? | REVIEW

Guilherme Blumenfeld — Sat, 01 Aug 2026 01:25:21 +0000

A mudança de uma franquia já estabelecida

Nascido do WII U, splatoon sempre foi uma das franquias da nintendo que apesar de ter uma força, sempre foi ofuscada pelos seus nomes principais (Zelda, Mario e pokemon), mas teve um núcleo de fãs fervorosos, sendo a primeira franquia da nintendo que vem com a ideia de ser um jogo shooter multiplayer competitivo, teve um impacto gigante dentro da empresa, com suas 2 continuações, se manteve com um padrão esperado.

Splatoon Raiders reinventa a franquia da Nintendo ao trocar o PvP pelo co-op. Confira nossa análise completa sobre jogabilidade, enredo, modo cooperativo e descubra se o novo título para o Switch realmente vale a pena!

A ideia principal do jogo sempre foi de fugir da ideia “genérica” de FPS, ao invés de atirar nos seus inimigos, você vai estar jogando tinta e completando o mapa com seus personagens ultra simpáticos, os Inklings!

O impacto desse jogo foi gigante na franquia, conseguimos ver muito disso em jogos de serviço que vieram depois como no ja encerrado FoamStars da sony, que segue uma ideia muito similar de splatoon, mas trocando a tinta por sabão

Até que no ano de 2025, a empresa indo contra o que todo mundo esperava, um quarto jogo, ele vem com um trailer com uma proposta completamente diferente, ao invés do splatoon 4, somos recebidos com splatoon RAIDERS, um jogo que abandona o multiplayer competitivo, pra te trazer uma experiência co-op e single player.

Mas o que é esse jogo?

Você vai ser um Inkling sem nome, o Mêcanico, que está levando a gangue de caçadores de tesouros, Deep cut, Shiver (a inkling de cabelo azul, com referências de tubarões), Frye (a de cabelo amarelo, conseguindo se comunicar com enguias) e a arría Big Man (O MAIOR DE TODOS)!

Depois de uma expedição que da errado, vocês se veem presos nesse arquipélogo de ilhas, recheados de tesouros prontos para serem conquistados pela equipe!

aparecendo primeiro Pegando referências de muitos loot-shooter, e até da estrutura de Monster Hunter, Splatoon raiders vai ser um jogo em que você cria seu Inkling para atravessar um arquipélago de ilhas remotas atrás de grandes tesouros habitadas pelos monstros Salmonids e suas variações.

Essas raids são divididas em 3 tipos de fases.

Exploração (Uma area com cristais para coletar e derrotar salmonids, com tipos variados com exploração)
Ondas (Fases em que você está em uma arena e tem que coletar itens que os Salmonids soltam em um tempo x)
Chefes (Uma arena grande com um chefe com sua mecânica única para ser derrotado em um tempo limitado)

Dentro delas, Conseguimos alguns itens como spriharlite shards, que vão nos ajudar a melhorar nossas diversas armas e habilidades especiais, subimos de niveis e melhoramos nossa base.

Sendo um jogo de fases, você vai seguir o loop de gameplay de entrar em uma fase próxima do seu nível, explora, ataca e pega os recursos, para então melhorar seus itens para a proxima fase e continuar desbravando o arquipélogo das ilhas Spirhalite!

Como Raiders conta a sua história?

Eu acho que em um video game, a história é um dos pontos mais importantes de um jogo, porém em Splatoon raiders, fica até difícil de falar sobre ela, quando ela toma quase que um papel de um personagem secundário, é uma narrativa extremamente simples dos protagonistas presos nesse arquipelogo, melhorando sua base enquanto encontram além de uma forma de voltar pra casa, buscam o maior tesouro que esse lugar tem para oferecer.

É extremamente simples, mas… isso é ruim?? Nesse caso não!

A proposta do jogo nunca foi uma história densa e profunda, esse é um jogo em que a exploração das fases, testar build, habilidades e gadgets diferentes, é o suficiente para te deixar engajado, principalmente se você quiser uma jogatina rápida no seu almoço, ou em qualquer horário que conseguir encaixar (OBRIGADO NINTENDO SWITCH!)

Porém, não se engane! o fato da história ter um ponto menos relevante no jogo, não torna ela esquecível, é uma história divertida que consegue ter suas densidades, principalmente se você ler sobre os equipamentos e itens que você consegue durante o jogo, deixando o mundo de splatoon mais interessante

Mas esse jogo vai brilhar MESMO no multiplayer

E o multiplayer?

Essa franquia foi baseada no multiplayer desde sempre, seu berço veio nisso, e não é muito diferente nesse ponto

Em Splatoon Raiders, o destaque mais divertido dele, é aquela partida com a galera, se juntar com seus amigos em uma chamada de vídeo, dar risada do seu amigo ruim, ficar irritado quando gastarem todas as vidas que vocês dividem nesse tempo

O jogo vai fazer um pareamento de nível, mantendo uma dificuldade equivalente para ambos os jogadores, e eu acho que independente dos elogios que eu possa tecer nesse post, essa deve ser a parte mais importante, ele vai brilhar aqui no multiplayer, você consegue perceber o carinho da Nintendo, produzindo cada fase, cada arma e cada item que você pode usar, mas quando você ve outra pessoa usando uma arma diferente, e quase que complementando as suas, esse jogo consegue fluír como nenhum outro multiplayer que eu joguei em muitos anos

Mas vale a pena?

Começando pelo lado ruim do jogo, acho que a história bem superficial, e o loop de gameplay principal do jogo, pode ficar muitoo repetitivo, principalmente se você for jogar muito sozinho. Vários desafios desse jogo as vezes não são tão fluídos como gostaria, o que as vezes gera umas situações bem frustrantes, em que a mecanica do jogo pode deixar a desejar.

Porém como uma tentativa nova de uma abordagem co-op de uma franquia que sempre foi focado em um multiplayer “competitivo”, é extremamente sólido, o multiplayer consegue carregar como uma experiência muito unica, que só a nintendo consegue prover.

Em um momento de crescente do segundo ano do switch 2, com o star fox que saiu recentemente, zelda lá no futuro, além de todos os third-parties que estão saíndo pela primeira vez no switch, o splatoon raiders, aproveita um espaço vazio no mês de julho e agosto, e também de um preço reduzido em comparação da média dos jogos principais da nintendo, para proporcionar uma experiência muito incrivel, mas que a longo prazo pode acabar sendo meio cansativo principalmente se estiver jogando sozinho, então tratar com um pouco de parcimônia!

Pra mim, se independente de ser um fã da franquia, ou se você ta procurando algo legal pra jogar com seus amigos (e cansou de meccha chameleon), splatoon raiders é uma ótima pedida que com certeza vai entrar junto dos grandes nomes da Big N.

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Guilherme Blumenfeld

Eai pessoal! Sou Guilherme, ou Guigas pra quem quiser, mestre de RPG, escritor, cinéfilo e viciado no universo nerd, apaixonado por criar histórias, e atingir pessoas de formas diferentes. Buscando e tentando me encontrar tanto pelo jornalismo quanto pelo audiovisual!

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Saros é a Obra-Prima Definitiva da Housemarque e um Forte Candidato a Jogo do Ano | REVIEW

Pedro Muniz — Thu, 14 May 2026 16:21:28 +0000

A evolução da Housemarque após Returnal

Embora a Housemarque já tivesse uma relação bastante consolidada com a PlayStation desde títulos como Super Stardust Delta, Resogun e Super Stardust Ultra VR, durante muitos anos essa parceria parecia apenas uma colaboração pontual entre estúdio e marca.

Tudo mudou após o enorme impacto causado por Returnal. O sucesso crítico e comercial do jogo levou a PlayStation a adquirir oficialmente a Housemarque ainda em 2021, transformando o estúdio em parte integral da família PlayStation Studios.

Foi então que, durante um State of Play em fevereiro de 2025, a Housemarque revelou Saros, um projeto claramente inspirado pela base construída em Returnal, mas que ao mesmo tempo busca criar sua própria identidade.

Com apoio da PlayStation, que disponibilizou uma cópia para análise, mergulhei profundamente no universo de Saros durante cerca de 20 horas, conquistando inclusive o troféu de platina e explorando praticamente tudo o que o jogo oferece. E após esse período, ficou evidente para mim que Saros é um dos candidatos mais fortes ao prêmio de Jogo do Ano de 2026.

A história de Saros

O maior destaque de Saros, ao menos na minha experiência, está em sua narrativa extremamente intrigante e carregada de horror existencial.

O jogo bebe diretamente da mitologia criada por Robert W. Chambers em O Rei de Amarelo, além de diversas obras derivadas ambientadas em Carcosa. A influência também conversa fortemente com autores como H. P. Lovecraft, Stephen King e até produções televisivas como True Detective.

Em Saros, acompanhamos Arjun Devraj, interpretado por Rahul Kohli. Arjun é um homem emocionalmente destruído, consumido pela culpa, pelo alcoolismo e pela incapacidade de lidar com os próprios erros.

Após o desaparecimento de diversas expedições enviadas ao planeta Carcosa pela corporação Soltari, Arjun integra a missão Echelon IV. Enquanto a empresa busca extrair Lucenita — um recurso extremamente raro e valioso —, Arjun possui outro objetivo: encontrar sua companheira desaparecida durante as missões anteriores.

Ao chegar em Carcosa, tudo rapidamente demonstra estar errado.

O planeta parece desafiar qualquer lógica conhecida. O tempo não funciona normalmente, criaturas monstruosas vagam pelas regiões exploráveis e uma civilização avançada desapareceu sem deixar explicações claras.

Mas o elemento mais impactante surge quando Arjun percebe estar preso em um ciclo temporal. Após morrer, ele simplesmente retorna. E o mais perturbador é que, enquanto para ele apenas minutos parecem ter passado, para os demais integrantes da Echelon IV podem ter se passado dias ou até anos inteiros.

Além disso, Carcosa muda constantemente.

A narrativa funciona de maneira brilhante justamente porque Saros nunca tenta entregar respostas simples. Existe uma sensação permanente de desconforto acompanhando cada descoberta. Tudo parece fragmentado, como se memória, espaço e tempo tivessem entrado em colapso.

A Housemarque constrói aqui um horror existencial extremamente eficiente. Carcosa deixa de ser apenas um planeta misterioso e passa a funcionar quase como uma entidade consciente, capaz de manipular e consumir qualquer indivíduo que entre em contato com ela.

O Sol Amarelo, figura central da narrativa, ganha uma presença quase divina — mas ao mesmo tempo aterrorizante.

Cada documento encontrado, gravação recuperada ou fragmento visual exibido após as mortes aprofunda ainda mais o mistério. A sensação constante é a de mergulhar lentamente em um pesadelo cósmico sem fim.

Como Saros constrói sua narrativa

Diferente de Returnal, Saros aposta com mais frequência em cutscenes cinematográficas. Ainda assim, a Housemarque preserva boa parte da narrativa fragmentada que tornou Returnal tão marcante.

Ao longo da exploração por Carcosa, o jogador encontra registros de áudio, documentos e relatórios deixados por integrantes das antigas expedições. Esses materiais revelam detalhes sobre os horrores enfrentados no planeta e ajudam a construir lentamente os mistérios centrais da trama.

As mortes também possuem papel fundamental na narrativa.

Após cada ciclo encerrado, Saros exibe fragmentos desconexos: mãos cobertas de sangue, quartos iluminados em amarelo intenso, raízes crescendo lentamente, símbolos misteriosos e imagens sem contexto aparente. Tudo isso cria um forte sentimento de inquietação.

Depois de algumas horas, o jogador desbloqueia a Árvore Baniana — equivalente ao papel exercido pela casa em Returnal.

Nela, acompanhamos memórias traumáticas da vida de Arjun em segmentos extremamente simbólicos e perturbadores. Esses momentos exploram culpa, vício, arrependimento e fragilidade emocional de maneira muito mais íntima.

São facilmente algumas das sequências mais impactantes de Saros.

Mesmo com uma estrutura mais cinematográfica, o jogo jamais abandona completamente o mistério ambiental. A Housemarque encontrou um equilíbrio excelente entre narrativa tradicional e storytelling indireto.

O resultado é uma experiência mais acessível emocionalmente, mas ainda profundamente enigmática.

Gameplay frenético e progressão constante

Em sua base, Saros lembra bastante Returnal.

O personagem possui movimentação extremamente veloz, dash no L1, escudo no R1, combate corpo a corpo e forte foco em mobilidade agressiva.

Mas rapidamente o jogo demonstra possuir identidade própria.

A principal diferença está na progressão permanente. Enquanto Returnal apostava fortemente em aprendizado do jogador, Saros adiciona um sistema robusto de evolução contínua.

Durante os ciclos, é possível coletar Lucenita para desbloquear melhorias permanentes através de uma ampla árvore de habilidades dividida em três categorias:

Resiliência: focada em vida, defesa e eficiência de cura.
Domínio: ligada ao gerenciamento de energia e escudos.
Ímpeto: voltada para Lucenita, economia de recursos e progressão.

Essa estrutura faz o slogan “Retorne mais forte” funcionar perfeitamente.

Cada morte ainda representa desafio, mas nunca gera sensação de perda total. Existe sempre uma evolução perceptível, seja em dano, sobrevivência ou desbloqueio de armas superiores.

Isso transforma completamente a sensação de progressão e torna a experiência extremamente recompensadora.

Modificadores carcosianos elevam a rejogabilidade

Após derrotar o terceiro chefe, Saros libera um dos seus sistemas mais interessantes: os modificadores carcosianos.

Eles permitem alterar drasticamente o funcionamento da experiência.

Os modificadores de proteção oferecem vantagens ao jogador, enquanto os de provação aumentam significativamente a dificuldade.

O sistema exige equilíbrio. Quanto mais bônus positivos forem adicionados, maior será a necessidade de inserir penalidades negativas.

É possível, por exemplo:

aumentar dano causado;
ampliar coleta de Lucenita;
restaurar segundas chances;
reduzir recompensas;
aumentar dano recebido;
enfraquecer recursos de cura.

Esse sistema funciona brilhantemente porque adapta Saros ao perfil de cada jogador.

Quem deseja uma experiência mais acessível consegue suavizar bastante a dificuldade. Já quem busca desafios brutais consegue transformar Carcosa em um verdadeiro inferno.

Além disso, os modificadores aumentam enormemente a longevidade do jogo, criando novas builds e abordagens constantemente.

Eclipse: risco e recompensa

Outro elemento extremamente importante é o Eclipse.

Em cada área existe um totem capaz de ativar esse evento especial, tornando os inimigos muito mais perigosos, mas aumentando significativamente as recompensas.

O mais interessante é que o Eclipse altera não apenas números, mas também a atmosfera.

Os cenários assumem tons alaranjados intensos, a trilha sonora ganha agressividade e o combate exige ainda mais precisão.

Existe um excelente senso de risco versus recompensa nesse sistema. E narrativamente, tudo conversa perfeitamente com a ideia de que Carcosa reage à presença de Arjun.

O visual impressionante de Saros

Visualmente, Saros é absolutamente deslumbrante.

Mesmo utilizando uma paleta predominantemente cinza e monocromática, o jogo cria contrastes extremamente fortes através de efeitos neon em azul, amarelo e vermelho.

Os diferentes biomas também ajudam a manter a experiência visual constantemente interessante.

Há ambientes industriais claustrofóbicos repletos de tubulações metálicas, fortalezas completamente brancas refletindo luzes e projéteis, além de áreas que literalmente viram de cabeça para baixo durante a exploração.

A Housemarque demonstra domínio absurdo em direção artística.

Mesmo trabalhando com cores limitadas, Saros constrói cenários extremamente memoráveis.

Chefes grandiosos e visualmente absurdos

As batalhas contra chefes são facilmente alguns dos momentos mais espetaculares do jogo.

Cada confronto possui identidade visual própria e escala gigantesca.

Sem entrar em spoilers, Saros apresenta criaturas voadoras destruindo arenas inteiras, entidades marítimas atacando embarcações e inimigos capazes de transformar a tela em um verdadeiro espetáculo caótico de projéteis.

Grande parte dos chefes possui múltiplas fases, alterando padrões de ataque, arenas e comportamento constantemente.

Os projéteis criam verdadeiras coreografias visuais na tela. Tudo é belo, mas ao mesmo tempo extremamente letal.

Trilha sonora desconfortável na melhor forma possível

A trilha sonora de Saros foi composta por Sam Slater, conhecido por trabalhos em produções como Joker e Chernobyl.

O resultado é uma trilha profundamente desconfortável — no melhor sentido possível.

Há sintetizadores agressivos, sons industriais, distorções constantes e melodias dissonantes que reforçam perfeitamente a sensação de horror cósmico.

Durante o Eclipse, a trilha ganha ainda mais intensidade, adicionando camadas pesadas de guitarra e tensão sonora.

É uma trilha que não apenas acompanha a gameplay: ela constrói ativamente toda a atmosfera de Carcosa.

Vale a pena jogar Saros?

Saros foi um daqueles jogos que simplesmente dominaram meus pensamentos durante dias.

Poucos títulos conseguem construir um universo tão fascinante, misterioso e artisticamente consistente.

Inicialmente, senti que a conclusão da narrativa poderia ter recebido maior destaque. Porém, após concluir o final alternativo e compreender melhor as inspirações literárias envolvendo Carcosa e o Rei de Amarelo, tudo passou a fazer muito mais sentido.

Carcosa não existe para ser totalmente compreendida. Ela existe para ser interpretada.

E é justamente isso que torna Saros tão especial.

A Housemarque entrega aqui um jogo extremamente completo. O combate é frenético, a progressão é viciante, a direção artística é impressionante e a atmosfera permanece constante do início ao fim.

Para mim, Saros se consolida facilmente como um dos jogos mais marcantes desta geração e uma experiência obrigatória para qualquer dono de PlayStation 5.

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Pedro Muniz

Desenvolvedor de formação, nerd de coração e criador por vocação! Escrevo para o Nerds da Galáxia desde 2019, transformando conhecimento em tecnologia e paixão por games em artigos e análises.

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Ghost of Yotei (2025) | REVIEW

Pedro Muniz — Fri, 10 Oct 2025 00:17:51 +0000

Introdução

Confesso que não era uma das pessoas que mais aguardava Ghost of Yōtei. Gostei muito do primeiro jogo, mas, apesar das melhorias visíveis apresentadas nos trailers, o novo título da Sucker Punch não chamava muito minha atenção. Esse sentimento foi amplificado pelo fato de ter jogado Assassin’s Creed: Shadows no início do ano — uma experiência surpreendentemente boa, tanto visual quanto narrativamente. Pensei: “Impossível Ghost of Yōtei superar esse jogo, seja em visual ou história”. Que bom que eu estava errado. Fui completamente surpreendido com o que encontrei neste novo capítulo, que, para mim, entra como o segundo melhor jogo do ano, atrás apenas de Death Stranding 2 e à frente de Clair Obscur: Expedition 33.

Aproveito para agradecer à PlayStation Brasil, parceira de longa data do nosso site, por ter nos enviado o código para review. Esse tipo de apoio é essencial para podermos analisar os jogos com profundidade e transparência.

Pontos a Melhorar

Embora eu tenha quase só elogios a fazer sobre Ghost of Yōtei, é justo começar pelos poucos pontos que ainda têm espaço para aprimoramento. O primeiro é a pouca variedade de NPCs. Durante as horas de jogo, é comum notar personagens repetidos, tanto em aparência quanto em comportamento. Em alguns momentos, a simplicidade de suas ações chega a parecer robótica, o que quebra um pouco a imersão. Não sei se isso se deve a um orçamento mais limitado quando comparado a outros títulos da PlayStation, mas é um ponto que evoluiu muito, por exemplo, do primeiro Horizon para o segundo.

Outro detalhe está nas expressões faciais, que apesar de claramente melhores do que no primeiro Ghost of Tsushima, ainda carecem de um realismo mais convincente. E por fim, algo que chama atenção negativamente é o fato de quase nenhum item do cenário ser destrutível. Quando comparamos com Assassin’s Creed: Shadows, Yōtei parece um jogo de dez anos atrás nesse aspecto. É uma limitação que não compromete a experiência geral, mas que impede o mundo de parecer mais responsivo e orgânico.

Mundo Aberto e Exploração

Partindo para os aspectos positivos, é impossível não começar pela vida pulsante do mundo aberto de Ghost of Yōtei. O primeiro jogo já havia sido elogiado por sua abordagem naturalista da exploração — sem mini mapas ou marcadores excessivos —, guiando o jogador por meio do vento, de pássaros e de raposas. Esses elementos estão de volta, preservando aquela sensação quase espiritual de imersão.

Mas neste segundo jogo, a exploração atinge outro patamar. Cada vez que um pássaro dourado aparece, mesmo durante uma missão importante, a vontade de segui-lo é imensa, pois o jogo sempre recompensa a curiosidade. As raposas continuam presentes, e o mapa é construído de forma a instigar constantemente a atenção visual do jogador. As atividades secundárias estão mais variadas e orgânicas do que nunca, e agora há eventos aleatórios em tempo real — algo reminiscentes do que vemos em Red Dead Redemption 2. Sempre há algo acontecendo, e cabe ao jogador decidir se deseja se envolver.

Lembro de um momento em que, enquanto cavalgava, uma flecha caiu ao meu lado e fincou-se no chão. Nenhuma mensagem apareceu na tela, mas a protagonista, Atsu, comentou que seria bom investigar. Ao seguir a pista, encontrei um pedido de socorro que abriu uma nova missão secundária. Esse tipo de descoberta é recorrente — e cada uma delas é criativa. Em outro caso, ao participar do minigame de cortar bambus, percebi que, toda vez que iniciava o desafio, um raio caía no local. Observei o ambiente e notei várias espadas cravadas no chão. Arremessei-as longe e os raios cessaram, permitindo concluir o desafio. O jogo não precisou dizer uma palavra: apenas confiou na percepção do jogador.

Além disso, os puzzles estão muito mais presentes, tanto em missões principais quanto secundárias. Alguns são simples, outros exigem raciocínio, mas todos recompensam de maneira satisfatória. As missões de caça aos ronins, que eu já gostava no primeiro jogo, retornam aqui de forma expandida: agora há trabalhos de caçador de recompensas com direito a investigações, quebra-cabeças, minigames e até fases inteiras com narrativas próprias.

Level Design e Direção de Arte

Se o mapa é divertido de explorar, muito disso se deve ao level design refinado. Ghost of Tsushima já era visualmente belo, com sua arte estilizada lembrando uma pintura viva. Mas Ghost of Yōtei eleva esse conceito a outro nível. O mapa é deslumbrante: folhagens e gramados em constante movimento, cores vibrantes, variação climática marcante e enquadramentos cinematográficos de tirar o fôlego. Mesmo sem gráficos hiper-realistas, a composição de cena beira o artístico.

A interação com o ambiente é ampla: a grama e a neve se deformam conforme o movimento dos personagens, os golpes de espada arrancam tufos de grama e deixam marcas, os efeitos de chuva e lama são extremamente realistas. Testei o jogo no PS5 Pro, com ray tracing ativado, e o desempenho foi excelente — especialmente nas cenas explosivas. A iluminação natural é tão bem trabalhada que o uso do ray tracing é quase dispensável.

As partículas impressionam: folhas reagem ao vento e aos personagens, fumaça se dispersa ao movimento, brasas e neve flutuam dinamicamente, e a chuva interage de forma convincente com o solo. A única ressalva visual vai para a água, que ainda tem aparência simplificada.

O jogo traz também modos visuais cinematográficos: o clássico Modo Kurozawa (preto e branco, com ênfase sonora no vento), o Modo Watanabe (com trilha lo-fi original de Shinichirō Watanabe, criador de Samurai Champloo e Cowboy Bebop) e o Modo Miike, inspirado em Takashi Miike, com muito mais sangue, lama e câmeras fechadas durante o combate. Este último é particularmente impressionante, com partículas de sangue mais detalhadas e realistas, criando uma sensação visceral e intensa.

O Uso do DualSense e a Imersão

Um dos grandes destaques de Ghost of Yōtei é o uso magistral do DualSense, o controle do PS5. Poucos jogos exploram tão bem os recursos do dispositivo. O touchpad é usado para acender faíscas e montar fogueiras, desenhar, tocar músicas, acionar o modo foto e até prestar reverências, tudo com gestos simples. O sensor de movimento também é aproveitado em minigames de culinária e forja, enquanto os gatilhos adaptáveis simulam esforço físico: é preciso “assoprar” as brasas com pressão gradual, e o controle traduz isso na resistência do botão.

Há também um minigame em que devemos acertar moedas em outras, e a força do disparo é controlada conforme a pressão do gatilho. A tensão do arco, por sua vez, é sentida nas pontas dos dedos, e cada disparo soa e vibra de forma única. Os sons emitidos pelo alto-falante do controle completam a imersão. É, sem dúvida, um dos títulos que melhor utiliza o DualSense até hoje.

Jogabilidade e Sistema de Combate

Em termos de gameplay, Ghost of Yōtei dá um salto gigantesco em relação ao primeiro jogo. O sistema de posturas foi substituído por uma variedade de armas corpo a corpo — cinco no total —, cada uma com jogabilidade, combos, peso e dano próprios. Ainda há armas de longo alcance, armas de fogo de curto alcance e itens arremessáveis. O combate é mais dinâmico, rápido e brutal, e sentimos o impacto de cada golpe, defesa e quebra de escudo.

Um detalhe que adorei: para dominar uma nova arma, Atsu precisa treinar — não basta apenas empunhá-la. Isso torna o progresso mais realista. Os duelos mano a mano continuam épicos, embora eu ache a estética do primeiro jogo ligeiramente mais marcante. A variedade de inimigos é boa, e eles mudam conforme o ambiente. Em regiões geladas, por exemplo, enfrentamos shinobis que atacam furtivamente, enquanto em outras áreas, inimigos usam o fogo como vantagem.

O jogo também apresenta opções de dificuldade personalizáveis, o que o torna acessível para diferentes públicos, além de recursos inclusivos para jogadores com limitações. A experiência de cavalgar é uma das melhores da atual geração, permitindo atirar, saltar obstáculos e até dar golpes de impulso com o cavalo.

Além disso, o jogo introduz um companheiro lobo, que auxilia em batalhas e duelos, e uma árvore de habilidades para evoluir Atsu, o lobo, armas e armaduras. É possível personalizar máscaras, chapéus, ornamentos e tintas. Há até uma área que permite trocar entre passado e presente instantaneamente, lembrando as transições de Ratchet & Clank — um recurso incrível que poderia ser usado com mais frequência.

Por fim, há mecânicas de caça, pesca e culinária: ao acampar, podemos cozinhar cogumelos e outros ingredientes, ganhando bônus temporários. Às vezes, até personagens aleatórios aparecem na fogueira, oferecendo informações valiosas — um toque de humanidade e surpresa no mundo do jogo.

História e Desenvolvimento Narrativo

A história de Ghost of Yōtei pode parecer familiar — uma protagonista que busca vingança após presenciar o assassinato da família ainda criança —, mas o tratamento narrativo é o que a diferencia. A Sucker Punch, como já vimos em inFAMOUS e Ghost of Tsushima, volta a trabalhar a dualidade entre bondade e crueldade. Em Yōtei, acompanhamos Atsu em sua jornada contra os Seis de Yōtei, refletindo sobre honra, vingança e os limites da humanidade.

A trama supera a do primeiro jogo (e, pessoalmente, até a de Assassin’s Creed: Shadows), com uma protagonista emocionalmente complexa, que equilibra força e vulnerabilidade. O enredo traz boas reviravoltas, momentos comoventes e cenas de ação espetaculares, sem forçar discursos ou temáticas artificiais. Atsu é uma personagem com presença, e os secundários também são bem construídos, com motivações claras e coesas. O ritmo narrativo é excelente: até as missões secundárias têm substância e ampliam o mundo e seus conflitos.

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Conclusão

Ghost of Yōtei é, sem dúvida, um dos melhores jogos do ano. Combina uma gameplay divertida e viciante, um mundo aberto belo e vivo, uma narrativa envolvente e uma direção de arte deslumbrante, tudo em um pacote coeso e tecnicamente polido. Mesmo com pequenos deslizes — como NPCs repetitivos, expressões faciais limitadas e pouca destruição ambiental —, o resultado final é notável.

A Sucker Punch demonstra aqui uma maturidade criativa impressionante. Se com esse orçamento o estúdio já entregou uma experiência tão rica e consistente, mal posso imaginar o que poderá alcançar com investimentos equivalentes aos dos grandes estúdios da PlayStation. Ghost of Yōtei não apenas honra o legado do primeiro jogo — ele o supera com elegância.

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Pedro Muniz

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Sheepy: A Short Adventure (2021) – O jogo grátis mais surpreendente da Steam!

Guilherme Blumenfeld — Thu, 11 Sep 2025 22:04:29 +0000

Às vezes, a maior surpresa está onde menos esperamos. Navegando sem rumo pela Steam, me deparei com Sheepy: A Short Adventure, um título discreto que poderia passar despercebido, mas que entrega muito mais do que aparenta.

Com um pixel art de encher os olhos, uma trilha sonora que envolve e uma narrativa simples, mas marcante, esse jogo não promete nada… e justamente por isso surpreende com uma experiência única.

O melhor de tudo? É totalmente gratuito.

Criador e proposta

O título foi desenvolvido por Mr. SuicideSheep que ficou muito mais conhecido nos anos de 2010, fazendo musicas eletronicas experimentais. E essa identidade musical é refletida nos momentos do jogo, sentindo a cadencia das musicas, vinculadas junto de sua movimentação e o desenvolvimento da jornada. (recomendo jogar com fones de ouvido, sério).

Em Sheepy, você controla uma pequena ovelha que recebe uma energia misteriosa e precisa atravessar um mundo devastado por um acidente corporativo.

Simplicidade se destacando:

O jogo te dá poucas ferramentas para jogar, apenas um pulo simples, mas ele utiliza um level design tão detalhado, que dá profundidade para esse pulo, utilizando desde para atravessar pelo mundo até como sua arma principal dentro de um combate.

Além dessas mecânicas base, o jogo utiliza de uma forma de contar história que se popularizou com os jogos da from software (dark souls, elden ring) ou outros immersive sim (bioshock, system shock) (calma vai fazer sentido) sem te contar a história através de cutscenes e diálogos, mas sim através de textos, rádios, e observando ao seu redor, é muito fácil de deixar algo passar se não tiver prestando atenção ao seu redor.

Destaque para uma parte em que foi possível encontrar anotações de pessoas que claramente estavam muito empolgadas para um acontecimento dentro do jogo, e logo se arrependendo do mesmo, a forma que o jogo consegue passar informações dentro de apenas uma hora de jogo se você estiver interessado é fora do comum nessa industria

Um dos grandes destaques do jogo, é a forma em que ele consegue utilizar a trilha sonora e visual dele para criar cenas que vão te marcar, (SPOILER: em uma hora que você ganha uma habilidade de correr como um bode, o jogo te coloca em uma cena de tirar o fôlego, descendo montanhas em super velocidade, e a trilha sonora dessa parte, é outro nível) é até difícil detalhar esse jogo sem tirar estragar a experiência dele, mas, com a forma que ele é acessível, e curto, eu não consigo deixar de recomendar ele.

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Guilherme Blumenfeld

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Review | Death Stranding 2

Pedro Muniz — Fri, 27 Jun 2025 21:10:14 +0000

Introdução

Agradecemos à PlayStation Brasil por nos conceder o acesso antecipado a Death Stranding 2: On The Beach, sequência direta da aclamada e controversa obra de Hideo Kojima lançada originalmente em 2019. Este segundo capítulo mantém a essência de sua proposta original, mas amplia todas as suas possibilidades com refinamento técnico, escopo narrativo e evolução significativa em jogabilidade.

Neste review técnico, exploraremos os aspectos que fazem de Death Stranding 2: On The Beach um dos jogos mais ambiciosos da atual geração, mantendo como base os pilares que o consagraram: narrativa profunda, imersão sensorial, jogabilidade única e inovação audiovisual.

Jogabilidade: Uma Evolução Natural e Robusta

Death Stranding 2: On The Beach permanece um jogo de ação e aventura em mundo aberto com perspectiva em terceira pessoa. O jogador assume novamente o papel de Sam Porter Bridges, agora encarregado de conectar a Austrália à Rede Quiral, enfrentando cenários dinâmicos, inimigos humanos e entidades sobrenaturais em um planeta devastado.

A jogabilidade, embora ainda centrada na mecânica de entregas, está mais ágil, acessível e estratégica. Os desafios ambientais são ampliados com ciclos de dia e noite, desastres naturais (como terremotos, tempestades de areia, avalanches e incêndios florestais), além da já conhecida chuva temporal, que deteriora equipamentos e envelhece materiais instantaneamente.

As travessias exigem mais preparo e adaptabilidade, mas com o suporte de novas estruturas de apoio, como monotrilhos, torres de vigia, abrigos automáticos, teleporte avançado e a presença da DHV Magalhães – uma nave/submarino que funciona como base móvel e lar temporário dos personagens. A jogabilidade agora oferece um ritmo mais fluido e menos punitivo para os jogadores que não se conectaram com o primeiro jogo.

Combate Aprimorado: Mais Dinâmico, Estratégico e Variado

Um dos grandes avanços desta sequência está no sistema de combate, reformulado e mais presente na experiência do jogador. Há agora uma vasta gama de armas de curta e longa distância, com maior acessibilidade desde os primeiros momentos da campanha. Armas como metralhadoras, escopetas, lança-granadas, além de dispositivos furtivos como hologramas e equipamentos de neutralização silenciosa, fazem parte do novo arsenal.

O combate corpo a corpo foi significativamente melhorado, embora ainda exista margem para refinamento. Além disso, a presença de inimigos robóticos e novos tipos de EPs (Entidades de Extinção), além de chefes desafiadores, oferece confrontos que exigem estratégia, personalização de equipamentos e adaptação constante.

A customização do APAS (Auxílio Pessoal de Atividades de Superfície) permite desenvolver habilidades como menor ruído de movimentação, mira mais estável ou resistência a intempéries. Isso adiciona camadas ao estilo de jogo e valoriza a preparação para cada missão.

Mundo Aberto e Ambientação: Imersão Sensorial Completa

O mundo de Death Stranding 2 é vasto, conectado e extremamente dinâmico. Diversas regiões com biomas distintos – de desertos áridos a montanhas nevadas e florestas densas – estão interligadas sem interrupções de carregamento, criando um verdadeiro ecossistema vivo e mutável. Eventos climáticos moldam a navegação e exigem planejamento logístico preciso.

Os efeitos ambientais não são meros visuais: avalanche, queda de rochas, enxurradas e alterações térmicas afetam diretamente a vida de Sam, seus equipamentos e a integridade das encomendas. O clima extremo interfere até na barra de energia e vida do personagem, criando tensão constante durante o percurso.

Social Strand System: Conectividade Assíncrona Renovada

A proposta social, que se destacou no primeiro jogo, está de volta com melhorias consideráveis. O Social Strand System permite que as ações dos jogadores tenham impacto no mundo dos demais: estruturas construídas podem ser compartilhadas, entregas inacabadas podem ser finalizadas por outros usuários, e recursos podem ser doados em projetos coletivos.

Novos recursos como cabos de monotrilho, teleportes comunitários e sistemas de armazenamento compartilhado promovem uma sensação real de colaboração global. Curtidas, recompensas e reputação estão novamente presentes, incentivando o espírito de ajuda mútua.

Direção, Elenco e Narrativa: O Brilho de Kojima

A narrativa é mais acessível do que no primeiro jogo, mas continua sendo desafiadora e multifacetada. Kojima entrega uma história que respeita a inteligência do jogador, revelando as peças de forma gradual e instigando a reflexão existencial.

O elenco original retorna com atuações marcantes: Norman Reedus (Sam), Léa Seydoux (Fragile) e Troy Baker (Higgs), agora acompanhados por nomes como Elle Fanning, Shioli Kutsuna, Luca Marinelli, Alissa Jung, Debra Wilson e Alastair Duncan. As participações visuais do cocriador de Mad Max, George Miller, e do diretor Fatih Akin, agregam profundidade estética à obra.

A direção cinematográfica, tanto nas cutscenes quanto nos momentos de gameplay, é impecável – um dos pontos altos do título. Kojima se supera visual e emocionalmente, entregando o trabalho mais maduro de sua carreira até o momento.

Gráficos, Performance e Animações: A Nova Referência Visual

Rodando na Decima Engine (da Guerrilla Games), o jogo é tecnicamente impecável. A integração da tecnologia Metahuman proporciona um nível de realismo facial e corporal que beira o fotorrealismo, com personagens que exibem expressões naturais, sutilezas musculares e microinterações emocionais.

Testado no PlayStation 5 Pro, o jogo apresenta dois modos: Qualidade (30 FPS com máxima fidelidade gráfica) e Performance (60 FPS com suavidade). Ambos os modos são altamente estáveis e fluídos, mesmo em áreas abertas e densas em elementos.

Os cenários são incrivelmente detalhados e diversificados, tornando cada nova região um espetáculo visual. As animações são outro destaque, com movimentações orgânicas, física realista e excelente sincronia labial nas cenas de diálogo.

Trilha Sonora e Design de Som: Um Capítulo à Parte

A trilha sonora de Death Stranding 2 pode ser considerada uma das melhores já criadas para um videogame. Ludvig Forssell retorna com composições que equilibram melancolia e grandiosidade, agora em colaboração com o renomado Woodkid, formando uma dupla de excelência.

Além das trilhas instrumentais, há o retorno emocional da banda Low Roar, cuja presença musical marcou o primeiro título. Mesmo após a perda de seu vocalista, suas músicas continuam a emocionar e amplificar a experiência narrativa. O jogo conta ainda com faixas de diversas outras bandas, mesclando sons conhecidos com novidades marcantes.

O design de som ambiental é meticuloso: o som da chuva, dos passos na neve, do impacto de rochas, tudo é integrado para maximizar a imersão e criar uma atmosfera auditiva cinematográfica.

Considerações Finais

Death Stranding 2: On The Beach não é apenas uma sequência competente – é um salto criativo e técnico que redefine o que esperamos de um jogo de mundo aberto narrativo. A união entre jogabilidade inovadora, arte visual de vanguarda, direção cinematográfica e um sistema social revolucionário fazem deste título um dos marcos da atual geração.

Seja pela sua profundidade narrativa, fidelidade gráfica, jogabilidade refinada ou pela trilha sonora emocionalmente envolvente, Death Stranding 2 entrega uma experiência única e memorável.

Pedro Muniz

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DLC Stellar Blade x GODDESS OF VICTORY: NIKKE , a união perfeita da mira precisa com o estilo coreano de ser – Review

Pedro Muniz — Fri, 13 Jun 2025 17:15:08 +0000

Se você, assim como eu, é fã de um bom hack and slash com estética futurista, combates estilizados e personagens carismáticas (com trajes nada discretos, é verdade), então a nova DLC de Stellar Blade em parceria com GODDESS OF VICTORY: NIKKE vai direto no seu ponto fraco. E olha… que acerto da SHIFT UP!

Depois de um primeiro crossover promissor, porém limitado, com NieR: Automata, essa segunda DLC chega com muito mais personalidade, mecânicas afiadas e uma dose generosa de fan service — do tipo que a comunidade já esperava, claro.

SHIFT UP, se amostra mais!

Antes de entrar no conteúdo da DLC, vale lembrar: tanto Stellar Blade quanto NIKKE são criações da coreana SHIFT UP, liderada por Hyung-Tae Kim — o mesmo artista conhecido por seu traço marcante e por personagens que fazem qualquer gamer levantar a sobrancelha (ou as duas). É como se a empresa estivesse dizendo: “sabemos o que vocês gostam e sabemos fazer bem”.

Essa sinergia interna entre as franquias permitiu que a integração fosse não só visualmente coesa, mas também mecânica. Enquanto NIKKE no mobile é aquele shooter em que você fica posicionado em um único ponto e fuzila ondas de inimigos com um toque de estratégia e habilidades especiais, a DLC em Stellar Blade abraça exatamente essa proposta — e o resultado é surpreendentemente divertido.

Uma jogabilidade que brilha mais que o traje da Scarlet

Ao iniciar a DLC, já dá para sentir o salto em qualidade em relação à primeira. Aqui, a jogabilidade não só homenageia NIKKE, como entrega algo inédito para Stellar Blade: arenas de tiro fixo, três coberturas que você precisa gerenciar com inteligência e reflexo, e fases com variações, como captura de área e, claro, a boss fight com Scarlet — uma das personagens mais icônicas de NIKKE.

Essa luta contra a Scarlet é, sem exagero, uma das melhores boss fights de todo o jogo. Ritmo intenso, visuais estonteantes e aquele equilíbrio certeiro entre desafio e espetáculo. Um presente para quem curte combates bem dirigidos.

A estética importa? Sempre!

Ainda que o foco da DLC seja gameplay, não dá pra negar que os itens estéticos são uma motivação à parte. Dessa vez, a SHIFT UP foi generosa: as novas roupas estão espalhadas pelo mapa, sim, mas bem marcadas, o que evita aquela frustração da caçada às cegas. Resultado? Dá vontade de explorar tudo e, claro, vestir a Eve com os visuais estilosos vindos diretamente de NIKKE.

Visual de cair o queixo no PS5 Pro

Confesso: essa foi a minha primeira experiência jogando Stellar Blade no PS5 Pro, e olha… é outra vida. Resolução altíssima, performance estável e efeitos de luz que fazem cada partícula brilhar — literalmente. É um lembrete forte de como Stellar Blade é, desde seu lançamento, um dos títulos mais bem acabados da nova geração. E a DLC só reforça isso.

Veredito: mais uma flechada certeira

Stellar Blade x GODDESS OF VICTORY: NIKKE não é só uma DLC. É uma carta de amor aos fãs das duas franquias, um playground de mecânicas criativas e visuais cativantes. SHIFT UP mostra que sabe brincar dentro do seu próprio universo e, mais importante, sabe escutar sua base de jogadores. Se a primeira DLC foi um aperitivo, essa

Pedro Muniz

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Days Gone Remastered | REVIEW

Pedro Muniz — Mon, 28 Apr 2025 17:30:45 +0000

Lá em 2019 tive a oportunidade de testar Days Gone, um jogo da Bend Studio, conhecida anteriormente por jogos com Bubsy 3D, Syphon Filter e alguns jogos para portáteis como Resistance: Retribution e Uncharted: Golden Abyss. Confesso que na época, não sabia nada sobre este estúdio, mas tudo o que via ser apresentado de Days Gone, era bastante promissor.

Finalmente, com o jogo lançado, fui viver as aventuras de Deacon St. John, e devo admitir que me afeiçoei bastante ao jogo. Não é um jogo espetacular e marcante, mas é um daquelas que é diversão garantida. Costumava olhar para este jogo como um dos melhores exemplares de jogos realistas da Unreal Engine 4, mas ele não caiu nas graças dos críticos.

Lançamento conturbado

Naquela época, o estado que o jogo saía era bem definidor em relação a sua nota no Metacritic. Um exemplo disso era o Batman Arkham Knight, que foi um jogo excelente com um visual sensacional, porém, saiu cheio de problemas de performance, o que o fizeram ter uma nota que não condiz com a qualidade do jogo e inclusive o tirando da disputa pelo GOTY (tudo bem que 2015 foi um ano excelente para jogos, mas ainda assim, daria espaço para ele).

Em 2019 tivemos a vitória de Sekiro: Shadows Die Twice, mas creio que Days Gone tivesse qualidade suficiente para pelo menos entrar entre os indicados a jogos do ano. O que não ocorreu pois o jogo saiu com muitos problemas de performance. Eu devo admitir que, na minha jogatina, não tive problema algum de performance, talvez já tivessem sido resolvidos em patches.

Volta por cima

Porém, depois de anos de lançamento, o jogo começou a ter o seu devido reconhecimento, podendo ser definido como um jogo “cult”. As pessoas começaram a jogar e tirar suas próprias conclusões, ainda mais quando ele entrou na Plus. Mas o reconhecimento não parou por aí.

Days Gone foi um dos primeiros jogos da PlayStation a serem lançados para PC, e apesar de não ter tido um alarde muito grande, foi um dos maiores sucesso da Sony nessa nova empreitada. Inclusive, com um clamor dos fãs por uma sequência, que cada vez parece menos improvável, mas a esperança é a última que morre.

Um clichê bem-vindo

O jogo da Bend Studio é mais um dos jogos com foco em narrativa da PlayStation, em um futuro pós-apocalíptico onde o mundo foi tomado por um tipo de zumbi, aqui conhecido como frenéticos. Em 2017, Deacon St. John, sua esposa Sarah Whitaker e o amigo Boozer tentam fugir de um surto viral que transforma pessoas em criaturas canibais (“frenéticos”). Sarah é ferida e evacuada pela NERO, enquanto Deacon e Boozer ficam para trás. Dois anos depois, Deacon acredita que Sarah morreu e, junto com Boozer, sobrevive como caçador de recompensas em Oregon.

Após Boozer ser gravemente ferido por uma seita que idolatra os frenéticos, o RIP, eles se instalam no acampamento Lost Lake. Conflitos com a seita, liderada por Carlos (um antigo conhecido de Deacon), levam Deacon a destruí-los. Paralelamente, Deacon descobre que a NERO ainda opera e que Sarah pode estar viva. Uma história teoricamente simples, mas que é suficiente para nos manter entretidos. SPOILER: o jogo termina com um cliffhanger gigantesco que, até o momento, não vamos ver onde vai dar.

Ótima Gameplay

Days Gone é um jogo de mundo aberto em terceira pessoa, no qual podemos lutar corpo a corpo com os inimigos, além de ter uma ampla variedade de armas e itens arremessáveis. Além disso, temos uma fiel companheira em toda a gameplay: nossa moto, que é personalizável visualmente e em termos de performance.

E o diferencial deste jogo é a existência de hordas gigantescas de frenéticos, basicamente enfrentamos exércitos inteiros de zumbis. Existem diversos jogos com quantidades absurdas de inimigos, mas não conheço um que tenha inimigos tão detalhados sem prejudicar a performance do jogo. Acho este recurso realmente impressionante.

Precisava de um remaster?

O jogo já era muito bonito em seu lançamento e continua bonito até hoje, mas como tem sido costume da Sony, o jogo foi remasterizado. Mas a remasterização vai além da questão visual. Os modelos dos personagens continuam o mesmo, mas agora, no PS5, temos uma melhoria significativa na resolução e taxa de quadros.

Existem 3 modos de jogo, se possuir um PS5 Pro. No PS5 base, temos o modo performance, que tem a resolução 1440p (famoso 2K) com alvo em 60fps, modo qualidade em 4K nativo com alvo em 30fps. Já no Pro, o modo desempenho vai para 1880p/60, qualidade 2880p (incríveis 5K) e um modo aprimorado em 1584p/60 utilizando o PSSR.

Mas o remaster ainda vai além…

Além destes modos de jogo, temos algumas melhorias significativas, como a nova simulação atmosférica/do céu usando simulação de ozônio e luz espectral. No geral, essa melhoria traz um tom de cores melhor e mais intensidade de luz ainda mais precisa para o céu e a luz do sol.

As noites ficam mais escuras, a resolução do mapa de sombra é dupla, a iluminação indireta do espaço de tela é aprimorada, assim como os efeitos de oclusão do ambiente. Isso sem falar na utilização do feedback tátil e algumas melhorias adicionais. Alguns vão dizer que não vale a pena esse remaster, mas de fato existem boas melhorias, que só não enxerga quem não quer. Além de custar apenas 50 reais para quem já tem o jogo.

Novos modos

Além dessas melhorias tecnológicas, o jogo inclui novos modos muito bem-vindos. A começar pelos recursos de acessibilidade aprimoradas, que não estavam presentes no lançamento original, e devo dizer que os recursos presentes aqui são bem completos, quase como os presentes nos jogos da Naughty Dog.

Foram inclusos um modo permadeath (modo de morte permanente), um modo speedrun, além de melhorias no modo foto. Agora tem um novo modo arcade, chamado Horde Assault, no quando temos que enfrentar diversas horas de frenéticos e inimigos humanos, podendo escolher entre vários personagens e mapas. É um modo bem divertido com uma curva de aprendizagem bem legal.

Vale a pena?

Days Gone é um ótimo jogo, e caso não tenha jogado anteriormente, começar pela versão remasterizada é uma ótima pedida. As melhorias tecnológicas fazem diferença e os novos modos de jogo o deixam ainda mais divertido.

É compreensível pensar de era ou não necessário uma remasterização deste jogo, e sendo necessária ou não, ela existe, e se você pretende jogar este jogo, o remaster é o melhor caminho para você. E o upgrade da versão antiga para a nova está num preço bem aceitável para aqueles que pretendem jogar de novo ou compraram anteriormente e nunca jogaram.

Pedro Muniz

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LEGO Horizon Adventures | REVIEW

Marcos Henrique — Tue, 03 Dec 2024 19:10:15 +0000

Leia neste texto o nosso review de LEGO Horizon Adventures.

Após quase dez anos dos jogos LEGO serem desenvolvidos pela TT Games, conhecida anteriormente como Traveller’s Tales, a LEGO decidiu que abriria mão da exclusividade com a desenvolvedora, expandindo a marca não só para outras desenvolvedoras, mas também para outros gêneros.

Isso acabou sendo demonstrado inicialmente em LEGO 2K Drive, que chegou em 2023 com a promessa de uma experiência diferenciada para os amantes dos mundos de bloquinhos, entregando um jogo de corrida em mundo aberto.

Já em 2024 todos foram pegos de surpresa – ou nem tanto, já que muitos rumores já apontavam – com uma parceria da LEGO com a PlayStation, levando a franquia Horizon, que já possui títulos como Zero Dawn, Forbidden West e Call of the Mountain, para o universo LEGO.

A parceria muito provavelmente se deu ao fato de que em 2022 a PlayStation lançou em conjunto com a LEGO um set do pescoção de Horizon Forbidden West, e muito provavelmente houve um bom retorno financeiro.

Mas será que LEGO Horizon Adventures, que diferente de 2K Drive segue a fórmula clássica dos jogos LEGO, consegue manter o legado da TT Games e oferecer um bom jogo? Descubra no nosso review.

Imagem: Reprodução

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LEGO Horizon Adventures é uma reimaginação de Zero Dawn e Forbidden West

Enquanto jogos como LEGO Star Wars, LEGO Indiana Jones, LEGO Harry Potter e outros acabam seguindo à risca as histórias de filmes, inclusive replicando inúmeras cenas, LEGO Horizon Adventures oferece aos jogadores uma nova abordagem à história que já foi contada anteriormente nos dois jogos principais da franquia.

Inicialmente você irá controlar Aloy, a personagem principal da franquia, que foi encontrada em uma gruta ainda bebê por Rost, o seu pai adotivo, e ela traça o objetivo de descobrir qual é sua origem, no entanto há um mal maior que pode atrapalhá-la nessa jornada.

Aloy irá precisar desbravar inúmeros cenários, destruir máquinas corrompidas e os Devotos do Sol, que desejam viver em um mundo sem sombras ao apoiar seu chefe Helios e um demônio digital chamado HADES. Entretanto, enquanto toda essa história é contada em cerca de 50 horas na soma dos dois jogos principais, LEGO Horizon Adventures tenta contá-la em cerca de 6 à 8 horas.

Captura por @otaldomarcosh

Um visual nunca antes visto na franquia LEGO

The LEGO Movie: Videogame foi o primeiro jogo a oferecer não só os personagens, mas os cenários também construídos em LEGO, e Horizon Adventures segue o mesmo molde. Entretanto, devido à algumas circunstâncias, como a geração de consoles e dez anos de diferença para o primeiro jogo, era quase que óbvio uma evolução visual.

Além dos visuais de LEGO Horizon Adventures serem impressionantes devido ao uso de Ray Tracing e Unreal Engine 5, também devemos pontuar o quão incríveis são as animações dos personagens, sejam durante o gameplay ou nas cinemáticas. Toda a questão visual do jogo acaba deixando de lado o que seria um videogame e abraçando completamente os brinquedos LEGO, de uma forma que brilhe os olhos e deixe tudo confortável para o jogador.

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LEGO Horizon Adventures possui um carisma único

Horizon sempre foi uma franquia pé no chão no que se propõe, com uma narrativa profunda e em inúmeras vezes dramática, sem ir muito pro lado do humor, tirando pelo fato de haver um ou outro personagem mais marcantes devido ao seu carisma. Entretanto, LEGO Horizon Adventures aborda isso no melhor estilo LEGO.

Aqui todos os personagens estão sempre fazendo piadinhas, cutscenes com um tom de humor acima do normal e até mesmo Erend que desde pequeno é amante das iguarias do Velho Mundo e está em busca do segredo do Monte Rosquinha.

Aqui Varl também é um personagem mais desengonçado, se atrapalhando em inúmeros momentos durante a jornada, e principalmente sendo um tanto quanto preguiçoso, por exemplo quando ao invés de ir atrás da Flor de Metal, ele prefere ficar na piscina tomando um suco refrescante.

Para a franquia Horizon, é uma certa descaracterização de cada um dos personagens, mas consegue atingir com maestria o público que está chegando agora na franquia e está conhecendo ou já conhecia os produtos LEGO, e principalmente quem já jogou os dois jogos principais, por ser algo mais descontraído e casual.

Um gameplay que deixa muito a desejar

A franquia Horizon nunca teve como ponto forte o combate, sendo extremamente criticado no primeiro jogo e tendo uma melhoria significativa no segundo jogo com a adição de uma mobilidade mais vertical através do gancho e planador, além dos inúmeros combates que foram adicionados ao jogo.

Entretanto, por se tratar de um jogo mais simples, era de se imaginar que isso aconteceria com LEGO Horizon Adventures. Enquanto você joga com Aloy você fica 95% restrito ao combate com o arco, tendo como alternativa alguns barris explosivos disponíveis no cenário ou algumas habilidades ativas que você pega por fase em baús.

O maior problema disso é a repetitividade do jogo, já que os cenários são em sua maioria muito parecidos, exceto quando você avança o capítulo (no total são 4), e você apenas precisa derrotar algumas hordas de inimigos até chegar na fase final onde uma máquina gigante precisa ser derrotada.

Vale a pena jogar? Qual o público do jogo?

Se você é um amante dos jogos da franquia LEGO, saiba que esse pode ser o pior jogo da franquia. Muito da essência que há nos jogos passados não são encontrados aqui, nem mesmo os trechos de quebrar itens para construir algo diferente há aqui.

Horizon Adventures é um jogo extremamente simplificado em todos os detalhes, menos no visual e diálogos, que são um show à parte. Espere um jogo com foco total para o público infanto-juvenil, que deve se divertir com as piadas e conversas dos personagens, não sofrer muitas dificuldades com o gameplay e principalmente passar horas se divertido pelos Ermos.

Quando digo horas se divertindo, é algo na faixa de 15 horas de jogo. Afinal, são cerca de 6 a 8 de campanha principal mais algumas possibilidades adicionais como você personalizar o vilarejo do Coração da Mãe, construindo estabelecimentos, personalizando os já existentes e até mesmo passeando pelo guarda roupa de skins, que inclusive desviam do universo Horizon acrescentando skins de Ninjago, City, Amusement além do Village para a personalização do vilarejo.

Após a conclusão da campanha principal haverá também a possibilidade de derrotar as máquinas Alfas, trazendo um desafio um pouco maior para sua jornada.

Por fim, é isso que LEGO Horizon Adventures têm a oferecer para os jogadores: Uma narrativa concisa de Horizon, uma jogabilidade extremamente simplificada focando nas crianças e visuais impressionantes para jogos LEGO.

Veja também:

Marcos Henrique

Colunista, Reviewer e Streamer da Nerds. Apaixonado por Jogos, Filmes e Séries, mais especificamente apaixonado por Assassin’s Creed e Harry Potter.

19 anos e um milagre aconteceu.

Twitter: @otaldomarcosh

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Testamos a DLC colaborativa de Stellar Blade e NieR Automata! | Resenha

Pedro Muniz — Mon, 25 Nov 2024 13:18:27 +0000

Stellar Blade foi um dos melhores jogos que joguei este ano. NieR Automata é um dos melhores jogos que já joguei na vida. Obviamente, não poderia estar mais hypado para este conteúdo, mas o último patch de Stellar Blade vai além disso.

A conteúdo extra colaborativo com NieR Automata chegou no dia 20 de novembro, e era uma colaboração bem previsível, devo dizer, visto os elogios proferidos pelo Yoko Taro mais próximo ao lançamento do Stellar Blade. A DLC é basicamente referente a diversos itens de vestuário da franquia da Square Enix.

Recebemos um código da DLC e tivemos a oportunidade de testar os trajes de NieR, mas não é tão simples assim. Para adquirir os itens, precisamos encontrar um conhecido personagem da franquia, e por meio dele, podemos adquirir os itens utilizando as Lágrimas Estelares, que estão espalhadas pelo mapa.

Fizemos um guia para ajudar a localizar cada uma das Lágrimas, mas o próprio jogo nos dá a dica de onde eles se encontram por meio de imagens. Em geral, curti muito as novas roupas e cabelos, que servem tanto para a EVE quanto para os outros personagens da nossa party. Os trajes, como de costume, são muito bem detalhados e remetem muito a NieR.

Finalmente um modo foto

Esse jogo visualmente é bem interessante, se é que me entendem, e depois de bastante tempo, o jogo finalmente recebeu um modo foto. Não é dos mais complexos, mas funciona bem apesar de simples. Abaixo deixarei algumas fotos que tirei, inclusive, com os novos trajes do jogo. Veja:

Outras atualizações no patch

Além do modo foto citado, o patch também adicionou algumas boas melhorias ao jogo. Para aqueles que possuem um PS5 Pro, existem dois novos modos Pro, que fazem a experiência no jogo melhorar bastante. Ainda não pudemos testar essas melhorias, mas creio que para a próxima DLC, podemos dar mais detalhes sobre ela.

A sincronia labial do jogo foi melhorada no jogo, incluindo novos idiomas e que, felizmente, o nosso português está incluso. Em termos de imersão, o jogo na nossa língua melhorou bastante. Agora podemos também trocar as músicas no acampamento, deixando o descanso mais confortável. E outra coisa: o jogo recebeu novos trajes que você pode conferir abaixo:

Veredito

É bom deixar claro que para ter acesso aos conteúdos das DLC conjunta com NieR Automata, é necessário adquirir a expansão, que custa R$53,90. Considero um preço justo. Porém, todos os outros conteúdos citados aqui podem ser adquiridos de forma gratuita, o que é excelente.

Mas existem alguns pontos, que inclusive podem melhorar sobre o jogo. Ele não tem uma seleção de fases ou possibilidade de ter diversos saves, ou seja, se já tiver terminado o jogo, como eu, e tiver apenas um save no final, será necessário rejogá-lo.

Devo dizer que isso é um fato incomodo, mesmo que tenha sido divertido jogar novamente, foi preciso jogar um tempo considerável apenas para ter acesso aos novos trajes, e isso poderia ter sido “resolvido” de forma bem simples.

Mas falando dos novos conteúdos em si, fiquei bastante satisfeito com tudo o que vi no jogo, porém, não poderia deixar de falar sobre esse defeito que é bem incomodo.

Pedro Muniz

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