É justamente nesse cenário que surge O Mandaloriano e Grogu, produção que chega aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira (21) como uma continuação direta da série The Mandalorian, fenômeno responsável por apresentar ao mundo o grande caçador de recompensas Din Djarin (Mando) e seu pequeno aprendiz Grogu (Baby Yoda). Entre nostalgia, expectativa e o peso de carregar um universo gigantesco nas costas, o longa também marca o retorno de Star Wars às telonas após anos de ausência desde Star Wars: A Ascensão Skywalker.

Por trás da nova aventura está Jon Favreau, nome que ajudou a moldar diferentes eras do entretenimento blockbuster moderno. Foi ele quem iniciou o Universo Cinematográfico Marvel com Homem de Ferro e também comandou o remake em CGI de O Rei Leão, uma das maiores bilheterias da Disney.

Agora, Favreau assume a difícil missão de transformar a estrutura seriada de The Mandalorian em uma experiência cinematográfica capaz de sustentar o legado técnico e emocional de Star Wars. E é justamente nessa transição que mora a grande pergunta por trás do filme: será que a franquia encontrou um novo caminho para recuperar sua força nas telonas ou estamos diante de mais um capítulo perdido na vasta galáxia muito, muito distante?

Nota: Esta crítica não contém spoilers, para não comprometer sua experiência com o filme. O texto reflete exclusivamente a opinião do autor e não deve ser tratado como uma verdade definitiva sobre a obra. Sempre que possível, assista ao filme para formar sua própria opinião e apoiar o trabalho dos realizadores. Todas as informações mencionadas já foram divulgadas em sinopses e trailers.

Existe algo particularmente melancólico em assistir a O Mandaloriano e Grogu. Não porque o filme seja um desastre completo, longe disso, mas porque ele representa com precisão cirúrgica o atual momento da Lucasfilm com a franquia Star Wars: uma engrenagem na máquina “tecnicamente impecável” (segundo os acionistas), mas que parece incapaz de encontrar um verdadeiro senso de urgência criativa.

O longa continua exatamente de onde a terceira temporada da série deixou Din Djarin e Grogu, agora envolvidos em uma missão para resgatar Rotta, filho de Jabba, enquanto ajudam a Nova República a capturar remanescentes imperiais. O problema é que, desde os primeiros minutos, a sensação não é de estar diante de um grande evento cinematográfico, mas sim de assistir a episódios costurados às pressas para justificar uma ida ao cinema.

Ainda assim, seria injusto ignorar o esmero técnico do filme. Jon Favreau claramente entende a iconografia de Star Wars e sabe como transformar ferrugem, areia, fumaça, metal gasto e criaturas estranhas em parte da identidade visual da franquia. Existe textura em cada cenário. Cada planeta parece habitado, sujo, vivo, quase como uma coleção antiga de action figures que voltou a ganhar movimento depois de décadas guardada numa caixa empoeirada.

Os efeitos especiais impressionam não apenas pelo orçamento evidente, mas pela maneira como conseguem equilibrar elementos práticos e CGI sem transformar tudo em uma massa digital artificial. O filme constantemente lembra ao espectador por que o universo de Star Wars ainda possui um apelo visual tão poderoso dentro da cultura pop.

Essa força estética também aparece na forma como Grogu é utilizado. Se na série o personagem já funcionava apenas com olhares, grunhidos e pequenos gestos, aqui o orçamento cinematográfico amplia sua participação na ação e o coloca em momentos mais físicos e expansivos. Há cenas inteiras desenhadas para transformar o pequeno personagem em motor narrativo e peça cômica ao mesmo tempo.

Em muitos momentos funciona. Em outros, o longa força tanto a fofura que Grogu passa a parecer menos um personagem e mais uma ferramenta de marketing ambulante vestida de pelúcia espacial (repetição dos Ewoks?). Ainda assim, seria mentira negar o carisma quase magnético que ele mantém em cena. A trilha sonora de Ludwig Göransson ajuda bastante nesse aspecto, misturando o tema clássico da série com sintetizadores e batidas que aproximam certas sequências de uma aventura sci-fi mais acelerada do que da fantasia operística tradicional da saga.

O verdadeiro problema surge quando o roteiro começa a revelar sua estrutura. Favreau, Dave Filoni e Noah Kloor escrevem o filme como se ainda estivessem produzindo uma temporada completa para o Disney+. A narrativa é fragmentada em arcos que possuem começo, meio e fim próprios, como capítulos independentes colados por grampos enferrujados.

Uma missão na neve, o coliseu, os Hutts, as perseguições em speeders, os confrontos espaciais… tudo parece funcionar como episódios fillers comprimidos dentro de duas horas e meia. A edição reforça essa sensação de artificialidade estrutural, interrompendo constantemente o fluxo narrativo para reiniciar a aventura. O resultado é um longa que jamais encontra unidade dramática. As cenas de ação são bem dirigidas, dinâmicas e visualmente empolgantes, mas quase nunca carregam consequência emocional real.

E talvez seja justamente isso que mais enfraqueça O Mandaloriano e Grogu: a ausência de peso. Nada parece verdadeiramente perigoso. Nenhuma decisão deixa marcas permanentes. Existe uma sucessão de acontecimentos barulhentos acontecendo diante da câmera, mas raramente o espectador sente que algo importante está em jogo.

É curioso porque Star Wars sempre funcionou melhor quando combinava aventura escapista com conflitos emocionais muito claros. Aqui, a produção prefere transformar tudo em entretenimento confortável, embalado num ritmo acelerado que impede qualquer reflexão mais profunda. Quando o longa abraça seu lado de western espacial descontraído, com criaturas caóticas e humor leve, ele encontra certo charme. Mas toda vez que tenta soar grandioso ou emocionalmente relevante, a fragilidade do roteiro aparece imediatamente.

O elenco faz o possível para sustentar esse equilíbrio instável. Pedro Pascal (o inimigo do desemprego) continua excelente como Din Djarin, mesmo aparecendo atrás do capacete durante boa parte do tempo. O ator já compreendeu perfeitamente que o personagem funciona menos através de grandes discursos e mais por pequenas pausas, silêncios e gestos sutis de humanidade. Sigourney Weaver (Alien, Avatar) adiciona presença instantânea sempre que entra em cena, carregando aquela autoridade natural que transforma diálogos simples em momentos maiores do que realmente são.

Já Steve Blum (Star Wars Rebels), como Zeb, e Jeremy Allen White (The Bear), vivendo Rotta, recebem material dramático limitado. Existe uma tentativa clara de trabalhar temas ligados a legado, família e relações parentais, mas o roteiro martela essas ideias tantas vezes que elas perdem impacto rapidamente.

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No fim das contas, O Mandaloriano e Grogu funciona mais como sintoma do que como grande acontecimento cinematográfico. O longa diverte, possui momentos genuinamente simpáticos e entrega espetáculo visual suficiente para agradar fãs que ainda encontram conforto nesse universo. Mas também reforça uma sensação difícil de ignorar: a de que Star Wars se tornou uma engrenagem de conteúdo constante, mais preocupada em alimentar catálogo do que em construir histórias realmente inesquecíveis.

O Mandaloriano e Grogu estreia nesta quinta-feira, 21 de maio de 2026, nos cinemas brasileiros. E aí, o que você achou do filme? Comente a sua opinião.

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Fabrizio Galluzzi

Olá, viajantes! Meu nome é Fabrizio Galluzzi. Assim como vocês, viajei para Runeterra até uma Galáxia Muito, Muito Distante. Conheci os Heróis Mais Poderosos da Terra e os Grandes Deuses Nórdicos e Gregos. Porém, no meu tempo livre sou um simples aventureiro, que ama muito ir ao cinema.

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A frase “o livro é melhor que o filme” foi verdade mais uma vez. Essa é a sensação que fica após assistir Devoradores de Estrelas, mas nem por isso, essa afirmação é uma crítica forte a adaptação.

Com uma ótima atuação de Ryan Gosling, que consegue trazer as telas toda a essencial de Ryland Grace e uma ótima caracterização de seu amigos alienígena Rocky, não dá para negar que o filme fez escolhas maravilhosas.

Ver o Rocky se tornar realidade é algo mágico para quem leu os livros e com certeza algo inesperado, mas incrível, para quem vê a história pela primeira vez. Ele entra para a classe de personagens secundários, não humanos, que ganham o coração do público, com Yoda e Groot.

Talvez não seja uma boa levar as crianças se você não quer acabar tendo que comprar uma pedra com braços para levar para casa (alguns adultos podem não se aguentar também), pois é impossível não se apaixonar e torcer pelo personagem.

A Química Impecável entre Ryan Gosling e o Fenômeno Rocky

Enquanto isso, Gosling prova mais uma vez para a gente como é um dos atores que vai ser lembrado para sempre pela nossa geração, nos mostrando que consegue ter química até mesmo com pedras (Stone e Rock são pedra em inglês, piada rs).

Assim como no livro, Grace leva tudo com muito humor, e é impossível não sentir empatia pelo personagem e também dar uma risadinha com seu jeito de ser. O coração dos fãs deve ficar bem aquecido com a escolha do ator, que soube adaptar o personagem de forma maravilhosa, trazendo toda a essência que o faz ser quem é.

Infelizmente, o roteiro não ajuda. Se podemos destacar como ponto principal e central do filme, a linda fotografia e o fato de que não foram usadas telas verdes, junto com a perfeita caracterização, podemos criticar a pressa da história, que pecou em fazer cortes que poderiam ter trazido ao filme mais camadas.

O Desafio de Adaptar a Profundidade Narrativa em Tempo Recorde

As mudanças feitas pelo roteiro em geral foram boas e inteligentes, mas é impossível não perceber essa vontade de que a história corra o mais rápido possível para fechar em um tempo limite. Quem não leu o livro, pode ficar com a sensação de que algo na história falta, e quem leu, vai ter um pouco de expectativa quebrada ao não ver momentos marcantes da forma que imagina nas telonas.

O que mais peca nessa questão é que a adaptação tirou muitos pontos importantes para deixar a história mais humana.

Grace acorda de seu coma e vê seus companheiros mortos, o que torna ele um homem sozinho no espaço. Enquanto ele recobra sua memória, ele vive um luto e essa dor, nos faz sentir pena dele e também de seus companheiros. Nas páginas entendemos mais quem eles eram e também a relação que Grace tinham com eles durante o treinamento da missão. Já no filme, não entendemos quem são ou suas motivações para estar ali e assim, não nos conectamos com eles, deixando a situação menos pesada do que deveria, tirando todo o peso da solidão e frustração para dar impacto ao perigo vivido ali.

Também não temos tanto do passado de Grace em si, sabemos que ele é solitário, sabemos que perdeu seu grande amor, mas isso é pouco explorado. Os flashbacks do passado são muito mais corridos e não há aprofundamento sobre quem ele foi.

O Equilíbrio entre a Ciência de Andy Weir e o Espetáculo Visual

Se o livro passa muito tempo nas explicações científicas de tudo o que acontece e também nas questões pessoais, o filme nos entrega mais em relação a interação humana com um alienígena.

Isso noa é uma crítica. Até porque quem leu o livro com certeza estava na expectativa de ver esses dois interagindo e a adaptação entrega isso de forma linda e que aquece o coração. Mas até nisso, tiveram pressa.

Rocky é mostrado para gente muito mais cedo e toda a relação deles se desenrola com muito mais rapidez. Passando até uma sensação de que Rocky é um personagem extremamente ansioso e que necessita estar colado a Grace para tudo.

Quase não temos a exploração de quanto esses dois personagens são inteligentes. As habilidades de Rocky são mostradas, porém de forma bem rasa. Falta sentirmos a admiração que Grace sente por ele nos livros, falta entendermos como a ciência conecta os dois e como a proximidade deles chega justamente ao ponto da necessidade de salvar seus povos, mesmo que isso signifique acabar com suas próprias vidas.

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A Exploração de Rocky e a Solução dos Conflitos

Nosso amigo “de pedra” é muito mais explorado no sentido de quem ele é e de suas habilidades nos livros. No filme é quase como se ele realmente só estivesse lá para ser um ponto de humor, para ser um enfeite divertido.

Também não entendemos muito bem como os dois resolveram o problema que os levou ali. Enquanto o livro perde páginas e mais páginas para explicar a forma como eles solucionam cada pequena coisa. Aqui tudo fica na ideia de que conseguiram. A tensão e os desafios são menores e muito mais facilmente contornados, tirando o peso da “ameaça invisível” que estão lutando contra.

Dito isso, não tem o porque deixar de ir ao cinema. Na verdade Devorador de Estrelas é o tipo de filme que DEVE ser visto nas telonas, ele é feito para isso e com certeza, se você é um grande fã do cinema e da ficção científica, vai sair extasiado e muito satisfeito. É um deleite poder ver uma produção tão bem feita e que teve um cuidado mais do que perceptível de todos que trabalharam nela.

Impossível não se divertir e se apaixonar por essa história, que consegue ser genial independente de como você escolha consumi lá. Nos faz sair da nossa realidade e explorar possibilidades inimagináveis, nos lembrando de como o entretenimento pode nos salvar todos os dias.

Como diz o Rocky: “AMAZE, AMAZE, AMAZE”

Por Isabela Zanardi

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Nerds da Galáxia

O post Devoradores de Estrelas prova que o livro ainda supera o cinema apareceu primeiro em Nerds da Galáxia.

Delicado, reflexivo e visualmente encantador, o filme lembra em alguns momentos a sensibilidade de O Menino e o Mundo, ao adotar o olhar de uma criança para explorar temas complexos como identidade, espiritualidade, morte e pertencimento.

Uma infância vista de dentro

Inspirado no livro autobiográfico Metafísica dos Tubos, da escritora Amélie Nothomb, o longa acompanha os primeiros anos de vida de Amélie, filha de diplomatas belgas que cresce no Japão durante o período pós-guerra.

O ponto de partida da narrativa é inusitado. Amélie nasce e passa os primeiros anos de vida em um estado quase vegetativo. Silenciosa, imóvel e aparentemente desconectada do mundo, ela apenas observa tudo ao redor sem reagir.

O filme assume esse começo com coragem e paciência narrativa. Em vez de acelerar a história para chegar rapidamente aos acontecimentos tradicionais de uma trama infantil, a animação decide permanecer nesse estado contemplativo, convidando o espectador a desacelerar e observar o mundo através de uma lógica sensorial e fragmentada.

Quando Amélie finalmente desperta para a vida, não por meio de um momento grandioso, mas por uma percepção gradual de si mesma e do ambiente ao redor, o filme passa a explorar aquilo que realmente lhe interessa: como o mundo se impõe a uma criança extremamente sensível.

O mundo descoberto em pequenas coisas

Amélie não é uma heroína tradicional. Ela não parte em grandes aventuras e tampouco enfrenta vilões clássicos. Ela é, acima de tudo, uma observadora do mundo.

Tudo lhe afeta com intensidade:
o sabor do chocolate branco,
o contato com a água,
o canto das cigarras,
a disciplina rígida dos adultos.

O Japão, nesse contexto, não funciona apenas como cenário. A cultura japonesa, marcada por rituais, silêncios e códigos sociais rígidos, torna-se quase um personagem na narrativa, moldando o olhar da protagonista e influenciando diretamente suas primeiras experiências emocionais.

A animação também explora o choque cultural vivido por Amélie. Apesar de viver no Japão, ela continua sendo estrangeira. Esse sentimento de deslocamento atravessa toda a narrativa, criando um retrato sutil sobre identidade e pertencimento.

Uma animação que transforma emoções em imagens

Visualmente, A Pequena Amélie aposta em um estilo simples e quase etéreo, mas extremamente expressivo. A animação mistura influências europeias e japonesas, criando cenários delicados que parecem lembranças pintadas à mão.

As cores acompanham o estado emocional da protagonista. Em alguns momentos surgem suaves e contemplativas; em outros, explodem em composições vibrantes que traduzem sentimentos internos como medo, alegria, curiosidade ou melancolia.

O filme não busca realismo visual. O objetivo é transmitir verdade emocional, utilizando elementos de expressionismo e surrealismo para transformar emoções abstratas em imagens concretas.

A animação funciona quase como uma extensão da mente de Amélie, permitindo que sensações como vazio, descoberta e pertencimento ganhem forma diante do espectador.

Infância sem romantização

Um dos maiores méritos do filme está em sua recusa em romantizar a infância. Ao contrário de muitas animações familiares, a obra entende que esse período da vida também é marcado por dores profundas.

Pequenas frustrações ganham proporções existenciais para uma criança que ainda não aprendeu a relativizar o mundo.

A morte de um parente, o primeiro contato com a rejeição e a percepção da crueldade humana são tratados com o peso emocional que realmente possuem para quem ainda está descobrindo a realidade.

Nesse sentido, o longa se aproxima mais de um ensaio sensorial sobre crescer do que de uma fábula infantil convencional.

Espiritualidade e descoberta da consciência

Outro aspecto fascinante da narrativa é a forma como o filme aborda espiritualidade.

No início da história, Amélie acredita ser uma espécie de divindade. A lógica infantil por trás dessa ideia é simples: como ela observa o mundo sem agir sobre ele, acredita ser o centro de tudo.

Esse conceito muda quando acontecimentos da vida começam a confrontar sua percepção. A morte, por exemplo, surge como um evento incompreensível que precisa ser reorganizado pela imaginação da criança.

O filme utiliza elementos da cultura japonesa, como a simbologia da água, dos peixes koi e da natureza, para construir essa dimensão espiritual. Em vez de abordar religião de forma dogmática, a obra apresenta a espiritualidade como uma linguagem criada pela infância para lidar com o mistério da existência.

Uma narrativa fragmentada como a memória

Narrativamente, o filme adota uma estrutura episódica. Em vez de seguir um arco clássico com conflito e resolução, a história se desenvolve por meio de pequenos momentos que constroem a identidade da protagonista.

Essa escolha pode causar estranhamento para quem espera uma narrativa tradicional. Em alguns momentos, o ritmo pode parecer repetitivo ou circular.

Por outro lado, essa estrutura reflete com precisão a forma como lembramos da infância: em flashes, sensações e fragmentos de memória que se acumulam até formar quem somos.

Um retrato sensível e melancólico da infância

Mesmo com pequenas irregularidades no ritmo narrativo e alguns momentos de exposição excessiva nos diálogos, A Pequena Amélie permanece como uma experiência cinematográfica rara.

O filme exige entrega do espectador. Não se trata de uma animação frenética ou cheia de ação. Seu impacto surge justamente da contemplação, da delicadeza e da sensibilidade com que observa os primeiros anos da vida.

Para quem aceita seu ritmo e sua estranheza, a obra se revela um dos retratos mais humanos da infância já feitos no cinema de animação contemporâneo.

Mais do que contar uma história, o filme nos lembra que crescer significa acumular pequenas descobertas, dores e encantamentos que carregaremos para sempre.

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A Pequena Amélie (Amélie et la métaphysique des tubes) – França, Bélgica, 2026
Direção: Maïlys Vallade, Liane-Cho Han
Roteiro: Maïlys Vallade, Liane-Cho Han, Aude Py, Eddine Noël (baseado no livro The Character of Rain, de Amélie Nothomb)
Elenco: Loïse Charpentier, Emmylou Homs, Victoria Grosbois, Yumi Fujimori, Cathy Cerdà, Marc Arnaud, Laetitia Coryn, Haylee Issembourg, Isaac Schoumsky, François Raison
Duração: 78 min.

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Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

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Nos últimos anos, porém, esse prestígio começou a sofrer alguns abalos. Com a pandemia e o crescimento acelerado do streaming, vários projetos do estúdio acabaram lançados diretamente nas plataformas digitais ou não conseguiram alcançar o impacto cultural de produções anteriores.

Mesmo com bons títulos recentes como Red: Crescer é uma Fera e Elementos, a sensação era de que a Pixar havia perdido parte daquela criatividade que a transformou em referência mundial. O fracasso de Lightyear, por exemplo, gerou dúvidas sobre o futuro criativo do estúdio.

Mas Cara de Um, Focinho de Outro, nova animação da Pixar, chega justamente para provar que ainda existe muito espaço para originalidade dentro da casa de animação da Disney.

Uma premissa inesperada e cheia de imaginação

Anunciado de forma surpreendente durante a D23 Brasil de 2024, o filme chamou atenção imediatamente por sua proposta curiosa e incomum.

A história acompanha Mabel, uma jovem universitária que cresceu aprendendo a amar a natureza graças à influência da avó. Durante a infância, as duas costumavam visitar uma pequena clareira próxima à casa da família, um lugar tranquilo que se tornou um símbolo de paz e memória afetiva para a protagonista.

Anos depois, porém, esse local corre o risco de desaparecer.

O prefeito da cidade, interessado em acelerar o trânsito urbano e fortalecer sua popularidade política, decide construir um viaduto que atravessará justamente aquela área natural. Para isso, a clareira precisará ser destruída.

Indignada com a situação, Mabel inicia uma cruzada para tentar impedir a obra. O problema é que ninguém na cidade parece se importar com aquele pedaço de natureza.

Determinada a encontrar uma solução, ela descobre uma tecnologia desenvolvida na universidade onde estuda: um sistema capaz de transferir a consciência humana para o corpo de animais robóticos hiperrealistas criados para estudos ambientais.

Sem pensar duas vezes, Mabel transfere sua mente para o corpo de um castor robô e parte em direção à floresta para investigar o desaparecimento dos animais da região e convencê los a retornar ao habitat natural.

Um universo animal cheio de humor e criatividade

É a partir desse ponto que Cara de Um, Focinho de Outro mergulha em um universo surpreendente.

Ao chegar ao ambiente natural, Mabel descobre que os animais possuem uma complexa estrutura social, com hierarquias, regras e até monarquias que governam diferentes espécies.

Entre os personagens mais marcantes está George, o carismático rei dos castores, que acaba se tornando um aliado inesperado da protagonista.

A relação entre os dois é o verdadeiro coração emocional do filme. Enquanto Mabel é impulsiva e determinada a salvar a natureza, George apresenta uma postura mais calma e diplomática, criando uma dinâmica divertida entre os personagens.

Essa convivência permite que o filme explore com humor temas como cadeia alimentar, relações de poder entre espécies e a coexistência entre humanos e natureza.

Humor, emoção e mensagem ambiental

Assim como os grandes clássicos da Pixar, a animação consegue equilibrar aventura, comédia e emoção.

O roteiro dirigido e escrito por Daniel Chong, criador da série animada Ursos Sem Curso, constrói uma narrativa dinâmica cheia de reviravoltas, mas sem perder o foco em sua mensagem central.

No coração da história está uma reflexão simples, porém poderosa: vale a pena lutar por aquilo em que acreditamos, mesmo quando ninguém mais parece se importar.

Mabel representa exatamente esse idealismo. Em um mundo frequentemente marcado por cinismo e indiferença, a personagem insiste em defender a natureza e acreditar que suas ações podem fazer diferença.

Essa postura torna a protagonista facilmente identificável tanto para crianças quanto para adultos.

Visual impressionante e criatividade narrativa

Do ponto de vista técnico, a Pixar mais uma vez demonstra seu domínio absoluto da animação.

Os ambientes naturais são retratados com riqueza de detalhes, e o filme explora perspectivas interessantes ao mostrar o mundo do ponto de vista dos animais.

Essa escolha narrativa lembra produções clássicas do estúdio, como Vida de Inseto, mas expande a ideia ao criar um universo animal muito mais complexo e politicamente estruturado.

O filme também brinca com referências culturais e cinematográficas. Algumas cenas remetem a clássicos como Os Pássaros, de Alfred Hitchcock, e Tubarão, de Steven Spielberg, criando momentos inesperadamente engraçados.

Além disso, há pequenas homenagens a produções da própria Pixar, como Up: Altas Aventuras e Lightyear, o que certamente vai agradar aos fãs mais atentos.

Personagens carismáticos e bem construídos

Outro ponto forte da animação é a construção de seus personagens.

O prefeito Jerry, que inicialmente parece apenas um antagonista clichê, ganha camadas ao longo da narrativa. Suas motivações se tornam mais complexas à medida que a trama avança, evitando a simplificação comum em vilões de histórias infantis.

Até mesmo personagens secundários, como a cientista responsável pela tecnologia de transferência de consciência, possuem características próprias que vão além do alívio cômico.

Esse cuidado com o desenvolvimento dos personagens reforça a sensação de que Cara de Um, Focinho de Outro foi pensado para oferecer algo mais elaborado do que muitas animações recentes.

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Uma nova fase para a Pixar

No final das contas, Cara de Um, Focinho de Outro não apenas funciona como entretenimento, mas também representa um possível ponto de virada para a Pixar.

Depois de alguns anos marcados por resultados irregulares, o estúdio finalmente entrega uma produção que resgata o espírito criativo que marcou suas melhores obras.

A animação mistura ideias ousadas, personagens carismáticos e uma mensagem ecológica relevante, criando uma experiência divertida e emocional para todas as idades.

Se a Pixar realmente estava procurando um filme capaz de reconquistar o público nos cinemas, Cara de Um, Focinho de Outro pode ser exatamente esse título.

Ficha técnica

2026 em Disney+ | 1h 45min | Animação, Aventura, Comédia
Lançamento nos cinemas em 5 de março de 2026
Direção: Daniel Chong | Roteiro Jesse Andrews, Daniel Chong
Título original Hoppers
Para crianças
Elenco: Piper Curda, Bobby Moynihan, Melissa Villaseñor

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Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

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Dirigido por David Charbonier e Justin Powell, o longa acompanha Natalie, personagem vivida por Alicia Sanz, uma corretora de imóveis que enfrenta um momento delicado em sua vida. Viúva e prestes a dar à luz, ela decide aceitar um último trabalho antes de se afastar do emprego: vender uma antiga mansão marcada por um passado violento.

Uma premissa simples que evolui para um pesadelo

Logo nos primeiros minutos, o filme estabelece o estado emocional da protagonista. Natalie ainda sofre com o luto pela perda do marido e vive uma relação distante com a própria família. Além disso, sua situação financeira é complicada, o que a leva a aceitar a difícil missão de vender uma casa onde os antigos proprietários foram assassinados.

Grávida de nove meses, ela visita o local para preparar o imóvel para possíveis compradores. No entanto, o que deveria ser apenas uma tarefa profissional rapidamente se transforma em um cenário de horror.

A casa se revela um ambiente hostil. Luzes começam a falhar, portas emperram, elevadores param de funcionar e o carro simplesmente não liga. Sem celular e sem qualquer meio de comunicação já que a história se passa em uma época anterior à popularização dos smartphones Natalie se vê completamente isolada.

É nesse momento que surge uma figura misteriosa que começa a persegui la dentro da mansão.

Suspense construído pelo espaço e pela tensão psicológica

Um dos elementos mais interessantes do filme é a forma como o espaço é utilizado para construir suspense. A mansão funciona quase como um personagem próprio com corredores escuros portas que se fecham e cômodos que parecem formar um verdadeiro labirinto.

A direção aposta em um clima claustrofóbico, explorando o medo da protagonista ao perceber que está presa dentro da casa com alguém que claramente deseja aterrorizá la.

O agressor poderia facilmente atacar Natalie mas prefere prolongar o sofrimento da vítima. Em vez de agir diretamente ele utiliza estratégias psicológicas: bate nas portas e desaparece liga objetos à distância e cria pequenos eventos assustadores que aumentam a sensação de paranoia.

Esse jogo de gato e rato sustenta boa parte dos 90 minutos de duração do longa, mantendo a tensão constante.

Alicia Sanz sustenta o filme com atuação intensa

Grande parte do impacto do filme vem da atuação de Alicia Sanz, que carrega praticamente toda a narrativa. A atriz entrega uma personagem que equilibra vulnerabilidade e resistência, algo essencial para convencer o público da situação extrema enfrentada por Natalie.

Apesar da condição física complicada afinal ela está prestes a dar à luz a protagonista não é retratada como indefesa. Pelo contrário Natalie tenta reagir criar estratégias de fuga e enfrentar o agressor sempre que possível.

Essa abordagem evita que a personagem se torne apenas uma vítima passiva algo comum em diversos filmes de terror.

Som e atmosfera reforçam a experiência de medo

Outro destaque técnico do filme é o design de som, que desempenha papel fundamental na construção do suspense. Rangidos passos distantes e silêncios prolongados ajudam a criar uma atmosfera constante de perigo.

O uso de sons fora de quadro também contribui para a sensação de ameaça fazendo com que o público compartilhe a mesma insegurança da protagonista.

Visualmente o filme aposta em ambientes escuros e iluminação mínima, reforçando o clima de mistério dentro da casa.

Clichês do terror ainda aparecem

Mesmo com boas ideias visuais e um suspense bem construído Push: No Limite do Medo não escapa completamente dos clichês do gênero. Elementos clássicos como sustos repentinos sombras nos corredores e objetos surgindo inesperadamente fazem parte da narrativa.

Algumas decisões de roteiro também podem parecer convenientes para quem está acostumado com filmes de terror especialmente quando o suspense exige situações que desafiam a lógica.

Ainda assim essas escolhas não chegam a comprometer totalmente o resultado final.

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Um thriller eficiente para fãs de terror

No fim das contas Push: No Limite do Medo não tenta reinventar o gênero mas entrega um thriller tenso e eficiente, focado na experiência de suspense dentro de um ambiente fechado.

Com uma protagonista forte uma atmosfera opressiva e momentos de tensão bem construídos o filme funciona principalmente como uma experiência coletiva de cinema daquelas que fazem o público reagir a cada susto ou virada de cena.

O elenco também conta com Raúl Castillo, Gore Abrams, Ana Mulvoy Ten, Justin Marcel McManus, Luke Barnett, Cole Gleason, Dagney Kerr, Linc Hand e Ezra Dewey, completando a produção.

Críticas internacionais
“Brutal…tenso e intenso do jeito certo” (Heaven of Horror).
“Suspense implacável, pavor implacavável” (Bloody Disgusting). 
“Brilhante – Mais uma aula (quase definitiva) de tensão”. (The Hollywwod News).

Ficha Técnica:
Título Original: Push.
Título em Português: Push – No Limite do Medo.
Gênero: Terror.
País: EUA.
Ano: 2025.
Duração: 89 min.
Direção e roteiro: David Charbonier e Justin Douglas Powell.
Elenco: Alicia Sanz, Raúl Castillo.
Distribuidora: Clube Filmes.
Classificação: 14 anos. 

Sobre a Clube Filmes
A Clube Filmes é uma produtora e distribuidora audiovisual brasileira reconhecida pela inovação e qualidade em seus projetos. Como produtora, assinou sucessos como “Como se Tornar o Pior Aluno da Escola” (Paris Filmes/Warner Bros./Telecine), “Os Exterminadores do Além contra a Loira do Banheiro” e as séries “Politicamente Incorreto” (FX) e “Amor Sertanejo”.

Desde 2023, a empresa também atua como distribuidora cinematográfica, com foco em filmes de entretenimento e lançamentos exclusivos nos cinemas e plataformas digitais.

Entre seus destaques estão “Inexplicável” — Top 3 mundial na Netflix —, “Missão Antena – Uma Aventura Intergaláctica”, “Corrida Maluca”, “Super Wings em Velocidade Máxima” e o premiado drama “Um Homem Diferente”.
Atualmente, a Clube Filmes finaliza o longa “O Rei da Internet”, em coprodução com o Telecine, e a série exclusiva Globoplay “Quando Ela Desaparecer”, além de iniciar a produção do filme “Tristeza em Pó”.

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Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

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Filmes clássicos de monstros sempre retornam ao imaginário de Hollywood em ciclos. Histórias como Drácula e Frankenstein atravessam gerações sendo reinterpretadas de diferentes maneiras. Em A Noiva, a tradição ganha uma abordagem mais caótica e moderna, que mistura crítica social, tensão psicológica e um olhar autoral bastante particular.

Dirigido por Maggie Gyllenhaal, o longa busca ir além de uma simples revisitação do mito de Frankenstein, apostando em personagens complexos, conflitos internos intensos e uma atmosfera que oscila entre o desconforto e o drama.

Direção, roteiro e ritmo

A direção de Maggie Gyllenhaal demonstra segurança na condução da narrativa. A cineasta sabe exatamente quando provocar desconforto no espectador e quando criar tensão dramática, utilizando enquadramentos e ritmo narrativo para intensificar a sensação de inquietação.

O roteiro também consegue estabelecer uma crítica social consistente, inserindo temas contemporâneos dentro de uma história que dialoga com o imaginário clássico do horror gótico. Esse aspecto ajuda a dar profundidade aos personagens e torna suas motivações mais compreensíveis ao longo da trama.

No entanto, um elemento acaba chamando atenção de forma negativa: o uso recorrente do chamado deus ex machina, recurso narrativo em que soluções inesperadas surgem apenas para resolver um problema criado pelo próprio roteiro. Em determinados momentos, personagens secundários deixam de agir de maneira lógica apenas para que a narrativa continue em determinada direção.

Esse excesso de “ajuda de roteiro” acaba impactando o ritmo da história. O segundo ato se estende além do necessário, enquanto o terceiro ato parece condensado demais, fazendo com que o clímax se desenvolva de maneira mais acelerada do que o ideal.

Protagonistas e atuações

Se existe um ponto que sustenta grande parte da força do filme, ele está no trabalho de seus protagonistas.

Jessie Buckley, que interpreta Mary Shelley, vive um momento extremamente forte na carreira após o destaque obtido em Hamnet, papel que lhe rendeu diversos prêmios e uma indicação ao Oscar. Em A Noiva, ela entrega uma atuação intensa, transitando entre fragilidade e loucura com grande naturalidade.

Desde sua primeira aparição em cena, Buckley constrói uma personagem instável e intrigante. Em alguns momentos sua interpretação é minimalista; em outros, extremamente explosiva. Essa variação emocional se torna um dos grandes motores dramáticos da narrativa.

Ao seu lado, Christian Bale, interpretando Frankenstein, reafirma por que é considerado um dos atores mais versáteis de sua geração. Mesmo sob pesada maquiagem, Bale consegue transmitir emoções com precisão, utilizando pequenos gestos e expressões para construir um personagem complexo e enigmático.

A química entre os dois protagonistas funciona muito bem, e é justamente essa dinâmica que sustenta os momentos mais fortes do filme.

Elenco coadjuvante

O elenco secundário cumpre corretamente o papel proposto, mas raramente ultrapassa o básico. Muitos personagens parecem existir apenas para mover a trama adiante, sem um aprofundamento significativo de suas motivações ou personalidades.

Isso não chega a comprometer a história, mas limita o impacto emocional de algumas subtramas que poderiam ter sido mais exploradas.

Aspectos técnicos e direção de arte

No campo técnico, o filme apresenta um equilíbrio entre pontos positivos e outros menos marcantes. O grande destaque é a direção de arte, que recria com cuidado o período histórico em que a narrativa se passa.

Cenários, figurinos e ambientação ajudam a construir um universo visual convincente, reforçando a sensação de imersão no mundo da história. Cada detalhe parece pensado para transportar o espectador para aquela época.

A fotografia e o design de som cumprem bem suas funções, contribuindo para a atmosfera geral do filme, embora não apresentem elementos particularmente memoráveis que se destaquem dentro do gênero.

Trilha sonora

A trilha sonora tinha potencial para ser um dos grandes destaques da produção, mas acaba sendo subutilizada. Em diversos momentos em que poderia intensificar o impacto emocional das cenas, ela permanece ausente.

Curiosamente, quando surge, aparece em situações mais simples, o que acaba diminuindo sua relevância dentro da narrativa.

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Conclusão

No fim das contas, A Noiva entrega uma releitura interessante do universo de Frankenstein, apostando em uma abordagem autoral e em uma forte carga dramática.

Mesmo com problemas estruturais no roteiro e um terceiro ato apressado, o filme encontra sua força nas atuações poderosas de Jessie Buckley e Christian Bale, que elevam a experiência muito além do que a narrativa, por si só, poderia oferecer.

Não é uma reinvenção definitiva do gênero de monstros clássicos, mas certamente é uma obra que encontra valor em seu olhar artístico e em seu elenco de alto nível.

Escrito por: Renan Vieira (Cinemidia)

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Nerds da Galáxia

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Aos fãs de terror slasher, o ghostface esta de volta. Pânico 7, o mais novo filme da franquia chega aos cinemas trazendo um novo assassino e antigas sobreviventes.

O novo filme traz Sydney Prescot (Neve Campbell), uma das sobreviventes dos primeiros filmes, tem sua vida e de sua família colocada em com um novo ghostface obcecado por ela. No meio disso, mais um rosto conhecido, Sydney recebe videos e ligações possivelmente gravadas com IA colocando Stu Macher (Matthew Lillard), um dos assassinos do primeiro filme, como um dos principais suspeitos.

Trazendo o rosto de um dos assassinos que traumatizou sua vida na adolescência, Sydney se vê lutando pela sua vida e de sua família.

A franquia “Pânico” se renovou nesta nova trilogia, trazendo novos atores e conseguindo renovar a historia com um novo enredo depois de 10 anos. Mas no filme 7 vemos as consequências dos acontecimentos de mais de 10 anos atras, e o peso de ser uma sobrevivente. Com casa cheia de câmeras, armas escondidas vemos uma mulher que sobreviveu a um serial killer lidar com seus traumas e criar sua filha adolescente sem repetir as tragedias de seu passado.

O filme ainda traz piadas sobre a franquia, sabendo tirar sarro e provocar sobre o próprio gênero de filme, trazendo um tom mais leve e divertido. Com uma trilha sonora envolvente nos vemos imersos no suspense, tentando descobrir quem será o novo assassino.

Vale lembrar que estamos falando de um filme slasher com cenas de morte bem explicitas, não recomendado para pessoas sensíveis.

A franquia continua?

Depois da saída de Jenny Ortega e e Melissa Barrera, houve uma mudança de trama perdendo a linha inicial dos filmes 5 e 6, que traziam a linhagem de Billy Lumis, um dos assassinos iniciais.

Mesmo com essa mudança, o filme 7 deixa um espaço para o nova geração, trazendo uma abertura de caminho para a filha da Sydney , Tatum (Isabel May) se transformar na nossa próxima final girl numa possível sequência.

Mas depois de 30 anos e dois reboots, será que teremos mais filmes?

Mesmo com muita criatividade e a volta do Kevin Williamson (o roteirista original da saga) na direção da franquia, trazendo um filme com uma fotografia mais sombria e um ghostface mais próximo dos primeiros filmes, o novo filme dividiu opiniões principalmente sobre o desfecho final, mas isso não tira o peso nostálgico para os fãs que estão indo em peso ao cinema acompanhar sua saga slasher favorita.

Podemos esperar ver o Ghostface logo com sua faca mais afiada ainda.

Ficha técnica

Título Original: Scream 7
Direção:  Kevin Williamson
Duração: 1h e 54 minutos
Gênero: Suspense
Ano: 2026
Estreia: 26 de fevereiro de 2026

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Fernanda Rente

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Ambientado na capital baiana, o filme acompanha Maya, vivida por Barbara Franca, e Pedro, interpretado por Lucca Picon. Jovens talentos do surf, os dois se aproximam após ele salvá-la de um afogamento, momento que viraliza nas redes sociais. Unidos também pelo mesmo mentor, PH, papel de Felipe Roque, o casal inicia um romance enquanto enfrenta conflitos familiares e inseguranças pessoais.

Salvador como promessa narrativa

A direção de Eliezer Lipnik e Joana di Carso aposta na potência imagética da cidade. Pontos icônicos como o Pelourinho, o Farol de Itapoa, a Igreja do Senhor do Bonfim e a Forte de Sao Marcelo surgem em sucessivos planos gerais e tomadas aéreas. A intenção é clara: incorporar Salvador à dramaturgia.

No entanto, a insistência na exibição de cartões-postais dilui o impacto das imagens. O que inicialmente situa o espectador geograficamente passa a soar repetitivo. Em determinados momentos, a montagem dinâmica e a trilha sonora jovial criam a impressão de um vídeo institucional turístico, desviando o foco da jornada emocional dos protagonistas.

Romance com potencial, execução irregular

Há méritos. A química entre França e Picon funciona, especialmente na construção da expectativa para o primeiro beijo, que entrega o clímax romântico esperado. O roteiro também tenta oferecer maturidade ao permitir que Maya e Pedro existam para além do casal, cada um com seus dilemas e relações familiares próprias.

Os núcleos entre mãe e filho e entre filha e pai acrescentam camadas ao debate sobre pertencimento e reconciliação com as próprias origens. A proposta é interessante: crescer não é apenas se apaixonar, mas revisitar traumas e assumir responsabilidades emocionais.

Contudo, quando o filme se aprofunda nesses conflitos, encontra dificuldades. Muitos arcos soam reciclados e pouco desenvolvidos. O antagonismo de Beth, interpretada por Mariana Freire, resvala na caricatura. O alívio cômico de Arthur, vivido por Juliano Laham, frequentemente cai no constrangimento. Já o mentor PH se aproxima de um discurso motivacional genérico.

Entre sensorial e superficial

Visualmente, o longa demonstra cuidado. A câmera que acompanha surfistas dentro da água oferece momentos imersivos e menos turísticos. A fotografia valoriza o pôr do sol e a textura do mar, buscando uma linguagem mais sensorial. Ainda assim, problemas técnicos pontuais, como cenas com uso perceptível de tela verde e mixagem sonora irregular, quebram a imersão.

O resultado é um filme que entende as convenções da comédia romântica, mas hesita em ultrapassá-las de forma consistente. Há tentativa de equilíbrio entre leveza e intensidade, mas a execução nem sempre sustenta a ambição.

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Conclusão

De Volta à Bahia se apresenta como romance sobre amadurecimento, identidade e pertencimento, mas termina dividido entre narrativa e vitrine turística. Quando foca nos conflitos emocionais, encontra sinceridade e momentos sensíveis. Quando insiste em exibir a cidade sem integrá-la organicamente ao drama, perde força.

Resta ao público decidir: a beleza de Salvador basta para sustentar a experiência ou o cinema exige mais do que paisagens deslumbrantes? A resposta pode variar, mas o debate certamente merece espaço.

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Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

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E se a ficção científica finalmente entregasse o protagonismo às lésbicas sem pedir licença ao olhar masculino? É com essa proposta direta e irreverente que A Sapatona Galáctica chega aos cinemas brasileiros, consolidando-se como uma das animações queer mais comentadas do circuito internacional recente.

Codirigido e coescrito por Emma Hough Hobbs e Leela Varghese, o longa aposta em humor escrachado, referências internas da comunidade LGBTQIAPN+ e uma trilha sonora original para construir uma experiência que não teme o cancelamento nem suaviza suas críticas. O resultado é uma comédia espacial que mistura sátira, romance e autodescoberta.

Uma jornada premiada antes da estreia nacional

Antes de desembarcar no Brasil, A Sapatona Galáctica percorreu festivais de prestígio como os de Berlim, Sydney e Rio de Janeiro. A recepção foi além da curiosidade temática: o filme conquistou o Prêmio Félix, voltado a produções com destaque LGBTQIAPN+, e levou o troféu de Melhor Filme Internacional no Festival MixBrasil.

Agora, a distribuição nacional fica por conta da Synapse Distribution, que aposta em sessões exclusivas em São Paulo, Rio de Janeiro e Minas Gerais. A estratégia reforça o caráter de evento da estreia, voltado especialmente para o público que acompanha cinema independente e narrativas queer.

Uma missão na gayláxia

A trama apresenta Saira, princesa lésbica e introvertida de 23 anos que vive no planeta Clitópolis. Filha de duas rainhas, ela ainda tenta superar o término com Kiki, sua ex namorada. O luto amoroso rende momentos de humor autoconsciente, incluindo uma paródia direta à famosa cena de depressão de Crepusculo.

O conflito ganha escala intergaláctica quando os chamados Homeliens Héteros Brancos sequestram Kiki, em uma sátira explícita a estereótipos masculinos. Para libertá la, exigem que Saira entregue o Lábris, machado sagrado restrito à realeza. O impasse é imediato: ela não possui o artefato e tem pouco tempo para resolver a situação.

É nesse contexto que a narrativa assume ritmo de aventura. Em busca do objeto e da ex, Saira cruza a galáxia e conhece Willow, uma pop star não binária e bissexual que funciona como catalisadora emocional da protagonista. Mais do que aliada na missão, Willow confronta os traumas de autoestima e dependência afetiva que moldaram as escolhas da princesa.

Entre drag queens antagonistas, romances incertos e reviravoltas sarcásticas, o roteiro constrói um universo que combina exagero visual e conflitos íntimos. O humor pode parecer despretensioso à primeira vista, mas serve como veículo para discutir amadurecimento e autonomia emocional.

Rick and Morty para sáficas?

A comparação com Rick and Morty tornou-se frequente, especialmente pelo humor absurdo e pelas viagens espaciais caóticas. De fato, há paralelos estruturais. No entanto, o diferencial de A Sapatona Galáctica está no ponto de vista: trata-se de uma obra criada por e para a comunidade LGBTQIAPN+, com piadas, memes e códigos internos que ampliam a identificação.

Ao mesmo tempo, o filme evita se fechar completamente em nicho. Mesmo espectadores fora da comunidade podem compreender a crítica ao patriarcado e à dependência emocional, ainda que nem todas as camadas de referência sejam captadas.

Visualmente, a animação investe em cores vibrantes inspiradas na bandeira LGBTQIAPN+, criando uma identidade estética marcante. A trilha sonora original reforça a atmosfera pop e contribui para transformar a jornada de Saira em uma experiência sensorial coesa.

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Conclusão: comédia como afirmação política

A Sapatona Galáctica é, acima de tudo, uma comédia queer que assume sua identidade sem pedir validação externa. Ao colocar lésbicas no centro da narrativa espacial e inverter a lógica tradicional do besteirol, o filme amplia o repertório de representatividade no cinema de animação.

Entre piadas internas e críticas abertas, a obra equilibra leveza e reflexão. Resta saber como o público brasileiro reagirá a uma produção que mistura sátira explícita e sensibilidade afetiva. A pergunta final é simples: estamos prontos para rir da galáxia sob uma nova perspectiva?

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Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

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