Filmes clássicos de monstros sempre retornam ao imaginário de Hollywood em ciclos. Histórias como Drácula e Frankenstein atravessam gerações sendo reinterpretadas de diferentes maneiras. Em A Noiva, a tradição ganha uma abordagem mais caótica e moderna, que mistura crítica social, tensão psicológica e um olhar autoral bastante particular.

Dirigido por Maggie Gyllenhaal, o longa busca ir além de uma simples revisitação do mito de Frankenstein, apostando em personagens complexos, conflitos internos intensos e uma atmosfera que oscila entre o desconforto e o drama.

Direção, roteiro e ritmo

A direção de Maggie Gyllenhaal demonstra segurança na condução da narrativa. A cineasta sabe exatamente quando provocar desconforto no espectador e quando criar tensão dramática, utilizando enquadramentos e ritmo narrativo para intensificar a sensação de inquietação.

O roteiro também consegue estabelecer uma crítica social consistente, inserindo temas contemporâneos dentro de uma história que dialoga com o imaginário clássico do horror gótico. Esse aspecto ajuda a dar profundidade aos personagens e torna suas motivações mais compreensíveis ao longo da trama.

No entanto, um elemento acaba chamando atenção de forma negativa: o uso recorrente do chamado deus ex machina, recurso narrativo em que soluções inesperadas surgem apenas para resolver um problema criado pelo próprio roteiro. Em determinados momentos, personagens secundários deixam de agir de maneira lógica apenas para que a narrativa continue em determinada direção.

Esse excesso de “ajuda de roteiro” acaba impactando o ritmo da história. O segundo ato se estende além do necessário, enquanto o terceiro ato parece condensado demais, fazendo com que o clímax se desenvolva de maneira mais acelerada do que o ideal.

Protagonistas e atuações

Se existe um ponto que sustenta grande parte da força do filme, ele está no trabalho de seus protagonistas.

Jessie Buckley, que interpreta Mary Shelley, vive um momento extremamente forte na carreira após o destaque obtido em Hamnet, papel que lhe rendeu diversos prêmios e uma indicação ao Oscar. Em A Noiva, ela entrega uma atuação intensa, transitando entre fragilidade e loucura com grande naturalidade.

Desde sua primeira aparição em cena, Buckley constrói uma personagem instável e intrigante. Em alguns momentos sua interpretação é minimalista; em outros, extremamente explosiva. Essa variação emocional se torna um dos grandes motores dramáticos da narrativa.

Ao seu lado, Christian Bale, interpretando Frankenstein, reafirma por que é considerado um dos atores mais versáteis de sua geração. Mesmo sob pesada maquiagem, Bale consegue transmitir emoções com precisão, utilizando pequenos gestos e expressões para construir um personagem complexo e enigmático.

A química entre os dois protagonistas funciona muito bem, e é justamente essa dinâmica que sustenta os momentos mais fortes do filme.

Elenco coadjuvante

O elenco secundário cumpre corretamente o papel proposto, mas raramente ultrapassa o básico. Muitos personagens parecem existir apenas para mover a trama adiante, sem um aprofundamento significativo de suas motivações ou personalidades.

Isso não chega a comprometer a história, mas limita o impacto emocional de algumas subtramas que poderiam ter sido mais exploradas.

Aspectos técnicos e direção de arte

No campo técnico, o filme apresenta um equilíbrio entre pontos positivos e outros menos marcantes. O grande destaque é a direção de arte, que recria com cuidado o período histórico em que a narrativa se passa.

Cenários, figurinos e ambientação ajudam a construir um universo visual convincente, reforçando a sensação de imersão no mundo da história. Cada detalhe parece pensado para transportar o espectador para aquela época.

A fotografia e o design de som cumprem bem suas funções, contribuindo para a atmosfera geral do filme, embora não apresentem elementos particularmente memoráveis que se destaquem dentro do gênero.

Trilha sonora

A trilha sonora tinha potencial para ser um dos grandes destaques da produção, mas acaba sendo subutilizada. Em diversos momentos em que poderia intensificar o impacto emocional das cenas, ela permanece ausente.

Curiosamente, quando surge, aparece em situações mais simples, o que acaba diminuindo sua relevância dentro da narrativa.

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Conclusão

No fim das contas, A Noiva entrega uma releitura interessante do universo de Frankenstein, apostando em uma abordagem autoral e em uma forte carga dramática.

Mesmo com problemas estruturais no roteiro e um terceiro ato apressado, o filme encontra sua força nas atuações poderosas de Jessie Buckley e Christian Bale, que elevam a experiência muito além do que a narrativa, por si só, poderia oferecer.

Não é uma reinvenção definitiva do gênero de monstros clássicos, mas certamente é uma obra que encontra valor em seu olhar artístico e em seu elenco de alto nível.

Escrito por: Renan Vieira (Cinemidia)

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Nerds da Galáxia

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Aos fãs de terror slasher, o ghostface esta de volta. Pânico 7, o mais novo filme da franquia chega aos cinemas trazendo um novo assassino e antigas sobreviventes.

O novo filme traz Sydney Prescot (Neve Campbell), uma das sobreviventes dos primeiros filmes, tem sua vida e de sua família colocada em com um novo ghostface obcecado por ela. No meio disso, mais um rosto conhecido, Sydney recebe videos e ligações possivelmente gravadas com IA colocando Stu Macher (Matthew Lillard), um dos assassinos do primeiro filme, como um dos principais suspeitos.

Trazendo o rosto de um dos assassinos que traumatizou sua vida na adolescência, Sydney se vê lutando pela sua vida e de sua família.

A franquia “Pânico” se renovou nesta nova trilogia, trazendo novos atores e conseguindo renovar a historia com um novo enredo depois de 10 anos. Mas no filme 7 vemos as consequências dos acontecimentos de mais de 10 anos atras, e o peso de ser uma sobrevivente. Com casa cheia de câmeras, armas escondidas vemos uma mulher que sobreviveu a um serial killer lidar com seus traumas e criar sua filha adolescente sem repetir as tragedias de seu passado.

O filme ainda traz piadas sobre a franquia, sabendo tirar sarro e provocar sobre o próprio gênero de filme, trazendo um tom mais leve e divertido. Com uma trilha sonora envolvente nos vemos imersos no suspense, tentando descobrir quem será o novo assassino.

Vale lembrar que estamos falando de um filme slasher com cenas de morte bem explicitas, não recomendado para pessoas sensíveis.

A franquia continua?

Depois da saída de Jenny Ortega e e Melissa Barrera, houve uma mudança de trama perdendo a linha inicial dos filmes 5 e 6, que traziam a linhagem de Billy Lumis, um dos assassinos iniciais.

Mesmo com essa mudança, o filme 7 deixa um espaço para o nova geração, trazendo uma abertura de caminho para a filha da Sydney , Tatum (Isabel May) se transformar na nossa próxima final girl numa possível sequência.

Mas depois de 30 anos e dois reboots, será que teremos mais filmes?

Mesmo com muita criatividade e a volta do Kevin Williamson (o roteirista original da saga) na direção da franquia, trazendo um filme com uma fotografia mais sombria e um ghostface mais próximo dos primeiros filmes, o novo filme dividiu opiniões principalmente sobre o desfecho final, mas isso não tira o peso nostálgico para os fãs que estão indo em peso ao cinema acompanhar sua saga slasher favorita.

Podemos esperar ver o Ghostface logo com sua faca mais afiada ainda.

Ficha técnica

Título Original: Scream 7
Direção:  Kevin Williamson
Duração: 1h e 54 minutos
Gênero: Suspense
Ano: 2026
Estreia: 26 de fevereiro de 2026

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Fernanda Rente

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Ambientado na capital baiana, o filme acompanha Maya, vivida por Barbara Franca, e Pedro, interpretado por Lucca Picon. Jovens talentos do surf, os dois se aproximam após ele salvá-la de um afogamento, momento que viraliza nas redes sociais. Unidos também pelo mesmo mentor, PH, papel de Felipe Roque, o casal inicia um romance enquanto enfrenta conflitos familiares e inseguranças pessoais.

Salvador como promessa narrativa

A direção de Eliezer Lipnik e Joana di Carso aposta na potência imagética da cidade. Pontos icônicos como o Pelourinho, o Farol de Itapoa, a Igreja do Senhor do Bonfim e a Forte de Sao Marcelo surgem em sucessivos planos gerais e tomadas aéreas. A intenção é clara: incorporar Salvador à dramaturgia.

No entanto, a insistência na exibição de cartões-postais dilui o impacto das imagens. O que inicialmente situa o espectador geograficamente passa a soar repetitivo. Em determinados momentos, a montagem dinâmica e a trilha sonora jovial criam a impressão de um vídeo institucional turístico, desviando o foco da jornada emocional dos protagonistas.

Romance com potencial, execução irregular

Há méritos. A química entre França e Picon funciona, especialmente na construção da expectativa para o primeiro beijo, que entrega o clímax romântico esperado. O roteiro também tenta oferecer maturidade ao permitir que Maya e Pedro existam para além do casal, cada um com seus dilemas e relações familiares próprias.

Os núcleos entre mãe e filho e entre filha e pai acrescentam camadas ao debate sobre pertencimento e reconciliação com as próprias origens. A proposta é interessante: crescer não é apenas se apaixonar, mas revisitar traumas e assumir responsabilidades emocionais.

Contudo, quando o filme se aprofunda nesses conflitos, encontra dificuldades. Muitos arcos soam reciclados e pouco desenvolvidos. O antagonismo de Beth, interpretada por Mariana Freire, resvala na caricatura. O alívio cômico de Arthur, vivido por Juliano Laham, frequentemente cai no constrangimento. Já o mentor PH se aproxima de um discurso motivacional genérico.

Entre sensorial e superficial

Visualmente, o longa demonstra cuidado. A câmera que acompanha surfistas dentro da água oferece momentos imersivos e menos turísticos. A fotografia valoriza o pôr do sol e a textura do mar, buscando uma linguagem mais sensorial. Ainda assim, problemas técnicos pontuais, como cenas com uso perceptível de tela verde e mixagem sonora irregular, quebram a imersão.

O resultado é um filme que entende as convenções da comédia romântica, mas hesita em ultrapassá-las de forma consistente. Há tentativa de equilíbrio entre leveza e intensidade, mas a execução nem sempre sustenta a ambição.

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Conclusão

De Volta à Bahia se apresenta como romance sobre amadurecimento, identidade e pertencimento, mas termina dividido entre narrativa e vitrine turística. Quando foca nos conflitos emocionais, encontra sinceridade e momentos sensíveis. Quando insiste em exibir a cidade sem integrá-la organicamente ao drama, perde força.

Resta ao público decidir: a beleza de Salvador basta para sustentar a experiência ou o cinema exige mais do que paisagens deslumbrantes? A resposta pode variar, mas o debate certamente merece espaço.

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Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

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E se a ficção científica finalmente entregasse o protagonismo às lésbicas sem pedir licença ao olhar masculino? É com essa proposta direta e irreverente que A Sapatona Galáctica chega aos cinemas brasileiros, consolidando-se como uma das animações queer mais comentadas do circuito internacional recente.

Codirigido e coescrito por Emma Hough Hobbs e Leela Varghese, o longa aposta em humor escrachado, referências internas da comunidade LGBTQIAPN+ e uma trilha sonora original para construir uma experiência que não teme o cancelamento nem suaviza suas críticas. O resultado é uma comédia espacial que mistura sátira, romance e autodescoberta.

Uma jornada premiada antes da estreia nacional

Antes de desembarcar no Brasil, A Sapatona Galáctica percorreu festivais de prestígio como os de Berlim, Sydney e Rio de Janeiro. A recepção foi além da curiosidade temática: o filme conquistou o Prêmio Félix, voltado a produções com destaque LGBTQIAPN+, e levou o troféu de Melhor Filme Internacional no Festival MixBrasil.

Agora, a distribuição nacional fica por conta da Synapse Distribution, que aposta em sessões exclusivas em São Paulo, Rio de Janeiro e Minas Gerais. A estratégia reforça o caráter de evento da estreia, voltado especialmente para o público que acompanha cinema independente e narrativas queer.

Uma missão na gayláxia

A trama apresenta Saira, princesa lésbica e introvertida de 23 anos que vive no planeta Clitópolis. Filha de duas rainhas, ela ainda tenta superar o término com Kiki, sua ex namorada. O luto amoroso rende momentos de humor autoconsciente, incluindo uma paródia direta à famosa cena de depressão de Crepusculo.

O conflito ganha escala intergaláctica quando os chamados Homeliens Héteros Brancos sequestram Kiki, em uma sátira explícita a estereótipos masculinos. Para libertá la, exigem que Saira entregue o Lábris, machado sagrado restrito à realeza. O impasse é imediato: ela não possui o artefato e tem pouco tempo para resolver a situação.

É nesse contexto que a narrativa assume ritmo de aventura. Em busca do objeto e da ex, Saira cruza a galáxia e conhece Willow, uma pop star não binária e bissexual que funciona como catalisadora emocional da protagonista. Mais do que aliada na missão, Willow confronta os traumas de autoestima e dependência afetiva que moldaram as escolhas da princesa.

Entre drag queens antagonistas, romances incertos e reviravoltas sarcásticas, o roteiro constrói um universo que combina exagero visual e conflitos íntimos. O humor pode parecer despretensioso à primeira vista, mas serve como veículo para discutir amadurecimento e autonomia emocional.

Rick and Morty para sáficas?

A comparação com Rick and Morty tornou-se frequente, especialmente pelo humor absurdo e pelas viagens espaciais caóticas. De fato, há paralelos estruturais. No entanto, o diferencial de A Sapatona Galáctica está no ponto de vista: trata-se de uma obra criada por e para a comunidade LGBTQIAPN+, com piadas, memes e códigos internos que ampliam a identificação.

Ao mesmo tempo, o filme evita se fechar completamente em nicho. Mesmo espectadores fora da comunidade podem compreender a crítica ao patriarcado e à dependência emocional, ainda que nem todas as camadas de referência sejam captadas.

Visualmente, a animação investe em cores vibrantes inspiradas na bandeira LGBTQIAPN+, criando uma identidade estética marcante. A trilha sonora original reforça a atmosfera pop e contribui para transformar a jornada de Saira em uma experiência sensorial coesa.

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Conclusão: comédia como afirmação política

A Sapatona Galáctica é, acima de tudo, uma comédia queer que assume sua identidade sem pedir validação externa. Ao colocar lésbicas no centro da narrativa espacial e inverter a lógica tradicional do besteirol, o filme amplia o repertório de representatividade no cinema de animação.

Entre piadas internas e críticas abertas, a obra equilibra leveza e reflexão. Resta saber como o público brasileiro reagirá a uma produção que mistura sátira explícita e sensibilidade afetiva. A pergunta final é simples: estamos prontos para rir da galáxia sob uma nova perspectiva?

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Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

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E se a animação que pode disputar o Oscar em 2026 não vier de um grande estúdio americano, mas de um delicado desenho feito à mão? É com essa provocação que ARCO chega aos cinemas brasileiros nesta quinta feira, 26 de fevereiro, cercado por prêmios, expectativa e uma proposta artística que foge do padrão industrial dominante.

Dirigido por Ugo Bienvenu, o longa francês desembarca no país após uma trajetória expressiva em festivais internacionais. Vencedor do Cristal de Melhor Longa no Festival de Annecy, o filme também conquistou o prêmio de Melhor Trilha Sonora Original e entrou na corrida por indicações ao Oscar, Globo de Ouro e BAFTA nas categorias voltadas ao público infantil e familiar. Produzido por Natalie Portman, ARCO não é apenas um lançamento alternativo: é um projeto com ambição global.

Distribuído no Brasil pela MUBI em parceria com a Mares Filmes, o título chega com versões dublada e legendada e circuito amplo, incluindo capitais e cidades médias. Um movimento incomum para animações autorais, geralmente restritas a exibições limitadas.

Uma ficção científica com alma de fábula

ARCO é uma animação inteiramente desenhada à mão, em 2D, com cores vibrantes e composição visual que dialoga mais com o cinema europeu do que com o modelo industrial das grandes produções hollywoodianas. O traço simples, porém expressivo, reforça a intenção de contar uma história sensível sem recorrer a excessos tecnológicos.

A narrativa acompanha Arco, um garoto de 10 anos que vive em um futuro distópico onde o mar engoliu a maior parte do planeta e a humanidade sobrevive em vilas acima das nuvens. Nesse mundo, viagens no tempo são usadas para buscar recursos do passado. Fascinado por dinossauros e movido por inquietude juvenil, Arco decide desobedecer às regras e realizar sua própria incursão temporal.

Sem domínio da tecnologia que rouba, ele despenca no ano de 2075, um cenário em que robôs assumiram tarefas humanas e a monotonia dita o ritmo da vida. É ali que conhece Iris, menina criada com autonomia forçada por pais distantes. Enquanto Arco representa a superproteção de um sistema que o limita, Iris simboliza uma liberdade igualmente restrita por uma sociedade automatizada.

O encontro dos dois constrói o eixo emocional do filme. A ficção científica, aqui, não é o fim, mas o ponto de partida. Não se trata de salvar o mundo com explosões, mas de compreender o que levou ao colapso e o que ainda pode ser transformado. A amizade surge como força motriz para questionar estruturas, devolver cor a existências monocromáticas e provocar mudanças concretas.

Entre referências e identidade própria

Visualmente, Bienvenu organiza o filme como um contraste entre mundos quase sem cor e um arco íris que simboliza transformação. A estética dialoga com produções como Your Name, de Makoto Shinkai, e até com Interestelar, de Christopher Nolan, especialmente na abordagem sobre tempo e escolhas. Há ainda ecos visuais e temáticos de Star Wars Episodio I A Ameaca Fantasma, conexão que ganha novo significado considerando o envolvimento de Natalie Portman na produção.

Apesar das referências evidentes, ARCO evita se tornar mera colagem de inspirações. O roteiro opta por uma condução clara e emocionalmente acessível, ainda que não reinvente a linguagem da animação contemporânea. O mérito está na coerência entre forma e conteúdo: o traço 2D sustenta a delicadeza da mensagem, sem recorrer a computação gráfica excessiva ou virtuosismo técnico vazio.

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Conclusão: um salto que merece ser visto na tela grande

ARCO não é apenas mais uma animação sobre amizade ou viagem no tempo. É um filme sobre amadurecimento precoce, responsabilidade coletiva e o desejo de mudar o próprio mundo antes que ele se torne irreconhecível. Ao apostar na pureza narrativa e na força do desenho tradicional, Bienvenu constrói uma obra que dialoga com crianças e adultos sem subestimar nenhum dos dois públicos.

Em um mercado dominado por fórmulas previsíveis, ARCO surge como alternativa estética e emocional. Resta a pergunta: o público brasileiro está disposto a abraçar uma animação que prefere reflexão à pirotecnia? A resposta começa nas salas de cinema. E, ao que tudo indica, este é um daqueles títulos que merecem ser vistos na tela grande antes de virar apenas mais um debate nas redes sociais.

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Beatriz Costa

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Um retorno discreto, mas carregado de significado

Depois de vencer o Oscar por A Baleia e de participar de grandes produções recentes, Brendan Fraser volta ao protagonismo em um projeto mais contido e intimista. Em Família de Aluguel, o ator interpreta Phillip Vanderploeg, um artista estrangeiro que vive no Japão há anos sem jamais alcançar estabilidade profissional ou emocional.

Dirigido por Hikari, nome artístico da cineasta Mitsuyo Miyazaki, o filme se afasta do espetáculo e aposta em uma narrativa silenciosa, observacional e profundamente humana, centrada em personagens que vivem à margem de vínculos reais.

Tóquio como cenário do deslocamento emocional

A história se passa em Tóquio e acompanha Phillip, que se mudou para o país após estrelar um comercial de pasta de dente. Desde então, sua carreira estagnou em papéis secundários, enquanto sua vida pessoal se resume a uma rotina solitária em um pequeno apartamento.

Embora fluente em japonês e aparentemente adaptado à cidade, Phillip permanece um estrangeiro em todos os sentidos. Sua permanência no Japão não é resultado de pertencimento, mas da ausência de laços que o façam retornar aos Estados Unidos.

A empresa que aluga pessoas e emoções

O ponto de virada da narrativa ocorre quando Phillip passa a trabalhar para uma empresa especializada em alugar pessoas para situações sociais específicas. Casamentos, funerais, encontros familiares e relacionamentos românticos são encenados por profissionais treinados para suprir lacunas emocionais temporárias.

Inspirado em negócios reais existentes no Japão, o filme apresenta um mercado onde não se alugam apenas presenças físicas, mas experiências afetivas completas. Cada interação é cuidadosamente roteirizada para atender expectativas sociais e emocionais que a vida real não conseguiu cumprir.

Entre a atuação profissional e o envolvimento pessoal

Inicialmente, os trabalhos de Phillip parecem inofensivos. Ele interpreta um noivo estrangeiro, um convidado em funerais encenados e até um amigo improvisado para homens solitários. Essas experiências ajudam a revelar o funcionamento interno da empresa e seus funcionários, liderados pelo gerente Shinji.

Com o tempo, porém, as tarefas se tornam mais complexas. Phillip é contratado para fingir ser jornalista e entrevistar um ator veterano que começa a perder a memória, e posteriormente para interpretar o pai ausente de uma menina de 11 anos chamada Mia.

Quando a encenação cria vínculos reais

A relação entre Phillip e Mia se transforma no eixo emocional do filme. O objetivo inicial do trabalho é pragmático: aumentar as chances da garota ingressar em uma escola prestigiada. No entanto, a convivência constante cria laços genuínos entre os dois.

Mensagens trocadas, conselhos e pequenos gestos cotidianos fazem com que Phillip experimente, talvez pela primeira vez, uma sensação real de pertencimento. O problema é que esse vínculo nasce de uma mentira contratual, e o filme não ignora o impacto emocional dessa contradição.

A solidão observada em silêncio

Visualmente, Família de Aluguel reforça o isolamento de seu protagonista por meio de cenas silenciosas e contemplativas. Phillip observa a vida dos vizinhos pela janela de seu apartamento, testemunhando famílias, risos e rotinas que parecem inalcançáveis.

Não há grandes conflitos externos ou reviravoltas dramáticas. O filme constrói sua tensão a partir do silêncio, da espera e da consciência de que aquela normalidade observada pertence sempre aos outros.

Um filme sobre mercado, afeto e ética

Sem oferecer respostas fáceis, o longa levanta questões éticas sobre o limite entre atuação e vida pessoal. Ao sugerir paralelos entre trabalho emocional, performance social e até prostituição simbólica, a narrativa convida o espectador a refletir sobre o quanto das relações contemporâneas também são mediadas por expectativas e papéis.

A diretora Hikari evita romantizar a situação. Família de Aluguel reconhece que vazios emocionais podem ser temporariamente preenchidos, mas sempre a um custo.

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Estreia e expectativa no Brasil

Distribuído pelos Estúdios Disney, Família de Aluguel estreou mundialmente no Festival Internacional de Cinema de Toronto, em setembro de 2025. O filme chega aos cinemas brasileiros no dia 8 de janeiro de 2026, apostando em um público interessado em narrativas sensíveis, contemporâneas e socialmente provocativas.

Ao final, fica a pergunta que ecoa além da tela: se fosse possível alugar afeto para preencher um vazio, até onde estaríamos dispostos a ir?

Ficha técnica

Título Original: Rental Family
Título no Brasil: Família de Aluguel
Direção: Hikari (Mitsuyo Miyazaki)
Roteiro: Hikari e Stephen Blahut
Gênero: Drama
País: Japão Estados Unidos
Ano: 2025
Duração: 1h e 58 minutos
Distribuição: Estúdios Disney
Estreia no Brasil: 08 de janeiro de 2026

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Beatriz Costa

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A empregada traz a história de Millie (Sydney Sweeney), contratada pela madame Nina (Amanda Seyfried) para ser sua mais nova empregada. De início ela se apresenta como a patroa dos sonhos, compreensível e legal, mas isso não passa de uma fachada fazendo um verdadeiro inferno na vida de Millie. Em uma casa que é o verdadeiro sonho, mas passando por situações absurdas, seu único conforto é o Andrew (Brandon Sklenar), marido de Nina e único que aparenta ser “normal” na casa e enxerga e a trata bem sendo o oposto da esposa.

Baseado no fenômeno literário de Freida McFadden, o longa entrega uma trama com reviravoltas intensas e uma atuação da Amanda Seyfried que sustenta uma grande parte da dinâmica principal das duas atrizes.

Dirigido por Paul Feig, famoso por levar narrativas femininas para as telas e conhecido por seu último suspense psicológico “Um pequeno favor” que recentemente teve uma continuação, “Outro pequeno favor”. Acaba repetindo a receita e diminuindo muitos fatores do livro, além de adicionar cenas de ação e trazendo uma pressa a trama que perde as sutilezas que constroem a história no livro.

Do livro para o filme

Todo fã sabe que quando um livro vai para as telas acaba sendo bem diferente muitas vezes a historia se altera, e com o Filme a empregada não foi diferente.

No livro escrito por Freida McFadden, a tensão vai se construindo nos detalhes, vemos a Millie questionar tudo que esta acontecendo e seu desespero crescendo com as atrocidades que vão acontecendo. Já no filme isso se perde e a relação entre os personagens acabam tendo um desfecho de forma apressada.

Para quem leu o livro, o filme é bastante fiel na primeira metade, mas varias mudanças em pontos importantes na historia não estão presente no filme, uma delas é a aparência de Nina e o papel do jardineiro, que quase não tem relevância no filme. Alem de mudanças no desfecho final que dividiram opiniões entre os fãs.

A empregada é um filme que nos traz uma trama cheia de suspense com um final surpreendente. Um entretenimento de ritmo acelerado que aborda temas sérios, como violência doméstica e privilégio de classe, mas prefere focar no choque das reviravoltas (plot twists).

Ficha técnica

Título Original: The housemaid
Direção:  Paul Feig
Duração: 2h e 13 minutos
Gênero: Suspense
Ano: 2026
Estreia: 01 de janeiro de 2026

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Fernanda Rente

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Sobrevivente estreou ontem nos cinemas brasileiros e já provoca discussões intensas sobre o papel da mídia, do entretenimento e da desigualdade em nossa sociedade. A convite da Atômica, tivemos acesso antecipado à cabine de imprensa do longa inspirado em The Running Man, de Stephen King, dirigido por Edgar Wright e estrelado por Glen Powell, em uma das atuações mais poderosas de sua carreira.

No centro da trama está Ben Richards, um homem comum pressionado por uma realidade desumana. Tentando salvar a filha doente, ele se torna o rosto de um sistema que transforma vidas em números e dor em audiência.

O filme apresenta uma distopia governada por A Rede, uma corporação que controla empregos, mídia e comportamento social. Nesse ambiente opressor, apenas 1 por cento vive com conforto, enquanto o restante tenta sobreviver sob vigilância constante.

O reality show mais mortal da televisão

A virada na vida de Richards acontece quando ele descobre O Sobrevivente, o reality show mais violento da Gratui TV. Nele, três competidores devem sobreviver por 30 dias enquanto são caçados por assassinos profissionais. Para conseguir o dinheiro necessário para tratar a filha, Richards enfrenta testes humilhantes até ser selecionado ao lado de Laughlin e Tim, sob o comando do apresentador Bobby Thompson e da manipulação cruel do diretor Dan Kilian.

Os competidores precisam gravar vídeos confessionais diários, que são distorcidos por A Rede para moldar narrativas, criar vilões e manipular a opinião pública. O espetáculo se alimenta do ódio, e o público consome cada centímetro dele.

De fugitivo a símbolo de resistência

Durante a fuga transmitida para milhões, Richards encontra aliados como Molie e Bradley, este último parte de um grupo de resistência que o enxerga como um possível marco de mudança. Conforme a caçada se intensifica, Richards deixa de ser apenas um participante e se transforma em ícone revolucionário, com a frase Richards Lives ganhando as ruas.

A morte impactante de Laughlin evidencia o caráter desumano de um sistema que transforma tragédias reais em entretenimento lucrativo. A estética combinada de Jogos Vorazes, 1984 e V de Vingança reforça a crítica moral e política que sustenta o longa.

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Um thriller que golpeia, provoca e faz pensar

Sobrevivente não é apenas ação: é um alerta sobre o avanço da manipulação, da vigilância e da normalização da violência. Glen Powell entrega um Ben Richards visceral, interpretando com força o desespero coletivo de uma sociedade levada ao limite.

Com fotografia marcante, trilha sonora pulsante e uma crítica social direta, o filme se consolida como um dos lançamentos mais relevantes do ano. Sua estreia ontem confirmou a expectativa: filas cheias, debates nas redes sociais e um público dividido entre fascínio e desconforto.

Sobrevivente já está em cartaz nos cinemas, e é uma experiência que merece ser vista, discutida e questionada.

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Alef Reis

Entre controles, páginas de livros e maratonas de animes, sempre encontro um motivo pra explorar mais do universo nerd! Apaixonado por jogos desde cedo, também curto falar de filmes, teorias de Heróis (quem nunca) e tudo que mexe com a imaginação. Aqui, divido minhas críticas, reações e momentos com quem sente a mesma paixão.

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Será que a solidão das grandes cidades nos condena a nos apaixonarmos apenas por quem mora ao nosso lado? Essa é a premissa instigante de “Meu Pior Vizinho” (Binteumeotneun Sai), a nova comédia romântica sul-coreana que chega aos cinemas brasileiros pela Sato Company. O longa, que segue a clássica e viciante fórmula enemies to lovers (inimigos que se apaixonam), promete ser mais do que apenas um conto de fadas previsível. O filme convida o espectador a refletir sobre a vida moderna, a dificuldade de conexões na idade adulta e o isolamento que paradoxalmente cerca a superpopulação das metrópoles.

A trama nos apresenta a Lee Seung-jin (interpretado por Ji-Hoon Lee), um jovem músico que acaba de se mudar para um novo apartamento. Seus dias, dedicados aos ensaios, rapidamente se transformam em um pesadelo acústico. Inicialmente, Seung-jin suspeita de um fantasma, um divertido e inesperado desvio cômico do gênero, mas logo descobre que a fonte dos barulhos infernais e das perturbações é muito mais real e teimosa: sua vizinha de parede, Hong Ra-ni (Seung-Yeon Han).

O Enemies to Lovers Através da Parede Fina

Ra-ni, uma designer reclusa que trabalha em casa, é notoriamente conhecida no prédio por sua missão pessoal: infernizar a vida de qualquer vizinho que se atreva a morar ao lado, forçando-os à desistência. Ela não quer ser incomodada e usa táticas absurdas, de barulhos incessantes a histórias inventadas, para garantir sua paz e isolamento. É aqui que o conflito se estabelece de forma clara: o músico que precisa de espaço para treinar contra a designer que anseia por silêncio.

Com paredes finas, que permitem que cada som, cada murmúrio e cada artimanha de Ra-ni sejam ouvidos por Seung-jin, o palco está montado para um ódio que, como manda o clichê, é o prenúncio de um romance. O filme não tenta esconder suas referências, inclusive sendo inspirado em outra comédia romântica, Um Amor Inesperado. No entanto, ele encontra sua voz ao adaptar a dinâmica para a realidade sul-coreana, onde o flerte é sutil, e a aproximação é lenta, muitas vezes mediada apenas pelas conversas atravessadas pelas paredes que os separam.

O grande diferencial de Meu Pior Vizinho reside em seu subtexto social. A produção utiliza a jornada de Seung-jin e Ra-ni para tecer um comentário perspicaz sobre a solidez da solidão nas cidades grandes. Ambos são personagens profundamente sozinhos, vivendo em espaços apertados e dedicados ao trabalho, sem tempo ou oportunidade para conexões sociais significativas. O relacionamento, que floresce a partir da hostilidade e se desenvolve através da comunicação forçada pela vizinhança, é um espelho de como as pessoas, mesmo fisicamente próximas, dependem de circunstâncias incomuns para quebrar o ciclo do isolamento.

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Clichê que Funciona e a Data de Estreia nos Cinemas

O filme é honesto sobre sua natureza. Ele se vale de todos os clichês adoráveis das comédias românticas e é exatamente isso que a audiência busca. A química entre Seung-jin e Ra-ni é palpável, fazendo com que o público ria, suspire e, inevitavelmente, torça pela superação desse ódio inicial. A plateia não vai ao cinema para se surpreender com o final, mas sim para apreciar a jornada engraçada e carismática que leva a ele.

Ao misturar humor genuíno, como a hilária confusão do “fantasma”, com uma base realista sobre a dificuldade de fazer amigos na vida adulta e a complexidade da vida em grandes cidades, Meu Pior Vizinho transcende a superficialidade. Ele funciona perfeitamente como entretenimento de distração, mas também oferece um pano de fundo relacionável para quem vive a rotina urbana.

Não perca a chance de conferir o desenvolvimento desse “ódio fofo” nas telonas. Meu Pior Vizinho estreia nos cinemas brasileiros no dia 13 de novembro.

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Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

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