Confesso que não era uma das pessoas que mais aguardava Ghost of Yōtei. Gostei muito do primeiro jogo, mas, apesar das melhorias visíveis apresentadas nos trailers, o novo título da Sucker Punch não chamava muito minha atenção. Esse sentimento foi amplificado pelo fato de ter jogado Assassin’s Creed: Shadows no início do ano — uma experiência surpreendentemente boa, tanto visual quanto narrativamente. Pensei: “Impossível Ghost of Yōtei superar esse jogo, seja em visual ou história”. Que bom que eu estava errado. Fui completamente surpreendido com o que encontrei neste novo capítulo, que, para mim, entra como o segundo melhor jogo do ano, atrás apenas de Death Stranding 2 e à frente de Clair Obscur: Expedition 33.

Aproveito para agradecer à PlayStation Brasil, parceira de longa data do nosso site, por ter nos enviado o código para review. Esse tipo de apoio é essencial para podermos analisar os jogos com profundidade e transparência.

Pontos a Melhorar

Embora eu tenha quase só elogios a fazer sobre Ghost of Yōtei, é justo começar pelos poucos pontos que ainda têm espaço para aprimoramento. O primeiro é a pouca variedade de NPCs. Durante as horas de jogo, é comum notar personagens repetidos, tanto em aparência quanto em comportamento. Em alguns momentos, a simplicidade de suas ações chega a parecer robótica, o que quebra um pouco a imersão. Não sei se isso se deve a um orçamento mais limitado quando comparado a outros títulos da PlayStation, mas é um ponto que evoluiu muito, por exemplo, do primeiro Horizon para o segundo.

Outro detalhe está nas expressões faciais, que apesar de claramente melhores do que no primeiro Ghost of Tsushima, ainda carecem de um realismo mais convincente. E por fim, algo que chama atenção negativamente é o fato de quase nenhum item do cenário ser destrutível. Quando comparamos com Assassin’s Creed: Shadows, Yōtei parece um jogo de dez anos atrás nesse aspecto. É uma limitação que não compromete a experiência geral, mas que impede o mundo de parecer mais responsivo e orgânico.

Mundo Aberto e Exploração

Partindo para os aspectos positivos, é impossível não começar pela vida pulsante do mundo aberto de Ghost of Yōtei. O primeiro jogo já havia sido elogiado por sua abordagem naturalista da exploração — sem mini mapas ou marcadores excessivos —, guiando o jogador por meio do vento, de pássaros e de raposas. Esses elementos estão de volta, preservando aquela sensação quase espiritual de imersão.

Mas neste segundo jogo, a exploração atinge outro patamar. Cada vez que um pássaro dourado aparece, mesmo durante uma missão importante, a vontade de segui-lo é imensa, pois o jogo sempre recompensa a curiosidade. As raposas continuam presentes, e o mapa é construído de forma a instigar constantemente a atenção visual do jogador. As atividades secundárias estão mais variadas e orgânicas do que nunca, e agora há eventos aleatórios em tempo real — algo reminiscentes do que vemos em Red Dead Redemption 2. Sempre há algo acontecendo, e cabe ao jogador decidir se deseja se envolver.

Lembro de um momento em que, enquanto cavalgava, uma flecha caiu ao meu lado e fincou-se no chão. Nenhuma mensagem apareceu na tela, mas a protagonista, Atsu, comentou que seria bom investigar. Ao seguir a pista, encontrei um pedido de socorro que abriu uma nova missão secundária. Esse tipo de descoberta é recorrente — e cada uma delas é criativa. Em outro caso, ao participar do minigame de cortar bambus, percebi que, toda vez que iniciava o desafio, um raio caía no local. Observei o ambiente e notei várias espadas cravadas no chão. Arremessei-as longe e os raios cessaram, permitindo concluir o desafio. O jogo não precisou dizer uma palavra: apenas confiou na percepção do jogador.

Além disso, os puzzles estão muito mais presentes, tanto em missões principais quanto secundárias. Alguns são simples, outros exigem raciocínio, mas todos recompensam de maneira satisfatória. As missões de caça aos ronins, que eu já gostava no primeiro jogo, retornam aqui de forma expandida: agora há trabalhos de caçador de recompensas com direito a investigações, quebra-cabeças, minigames e até fases inteiras com narrativas próprias.

Level Design e Direção de Arte

Se o mapa é divertido de explorar, muito disso se deve ao level design refinado. Ghost of Tsushima já era visualmente belo, com sua arte estilizada lembrando uma pintura viva. Mas Ghost of Yōtei eleva esse conceito a outro nível. O mapa é deslumbrante: folhagens e gramados em constante movimento, cores vibrantes, variação climática marcante e enquadramentos cinematográficos de tirar o fôlego. Mesmo sem gráficos hiper-realistas, a composição de cena beira o artístico.

A interação com o ambiente é ampla: a grama e a neve se deformam conforme o movimento dos personagens, os golpes de espada arrancam tufos de grama e deixam marcas, os efeitos de chuva e lama são extremamente realistas. Testei o jogo no PS5 Pro, com ray tracing ativado, e o desempenho foi excelente — especialmente nas cenas explosivas. A iluminação natural é tão bem trabalhada que o uso do ray tracing é quase dispensável.

As partículas impressionam: folhas reagem ao vento e aos personagens, fumaça se dispersa ao movimento, brasas e neve flutuam dinamicamente, e a chuva interage de forma convincente com o solo. A única ressalva visual vai para a água, que ainda tem aparência simplificada.

O jogo traz também modos visuais cinematográficos: o clássico Modo Kurozawa (preto e branco, com ênfase sonora no vento), o Modo Watanabe (com trilha lo-fi original de Shinichirō Watanabe, criador de Samurai Champloo e Cowboy Bebop) e o Modo Miike, inspirado em Takashi Miike, com muito mais sangue, lama e câmeras fechadas durante o combate. Este último é particularmente impressionante, com partículas de sangue mais detalhadas e realistas, criando uma sensação visceral e intensa.

O Uso do DualSense e a Imersão

Um dos grandes destaques de Ghost of Yōtei é o uso magistral do DualSense, o controle do PS5. Poucos jogos exploram tão bem os recursos do dispositivo. O touchpad é usado para acender faíscas e montar fogueiras, desenhar, tocar músicas, acionar o modo foto e até prestar reverências, tudo com gestos simples. O sensor de movimento também é aproveitado em minigames de culinária e forja, enquanto os gatilhos adaptáveis simulam esforço físico: é preciso “assoprar” as brasas com pressão gradual, e o controle traduz isso na resistência do botão.

Há também um minigame em que devemos acertar moedas em outras, e a força do disparo é controlada conforme a pressão do gatilho. A tensão do arco, por sua vez, é sentida nas pontas dos dedos, e cada disparo soa e vibra de forma única. Os sons emitidos pelo alto-falante do controle completam a imersão. É, sem dúvida, um dos títulos que melhor utiliza o DualSense até hoje.

Jogabilidade e Sistema de Combate

Em termos de gameplay, Ghost of Yōtei dá um salto gigantesco em relação ao primeiro jogo. O sistema de posturas foi substituído por uma variedade de armas corpo a corpo — cinco no total —, cada uma com jogabilidade, combos, peso e dano próprios. Ainda há armas de longo alcance, armas de fogo de curto alcance e itens arremessáveis. O combate é mais dinâmico, rápido e brutal, e sentimos o impacto de cada golpe, defesa e quebra de escudo.

Um detalhe que adorei: para dominar uma nova arma, Atsu precisa treinar — não basta apenas empunhá-la. Isso torna o progresso mais realista. Os duelos mano a mano continuam épicos, embora eu ache a estética do primeiro jogo ligeiramente mais marcante. A variedade de inimigos é boa, e eles mudam conforme o ambiente. Em regiões geladas, por exemplo, enfrentamos shinobis que atacam furtivamente, enquanto em outras áreas, inimigos usam o fogo como vantagem.

O jogo também apresenta opções de dificuldade personalizáveis, o que o torna acessível para diferentes públicos, além de recursos inclusivos para jogadores com limitações. A experiência de cavalgar é uma das melhores da atual geração, permitindo atirar, saltar obstáculos e até dar golpes de impulso com o cavalo.

Além disso, o jogo introduz um companheiro lobo, que auxilia em batalhas e duelos, e uma árvore de habilidades para evoluir Atsu, o lobo, armas e armaduras. É possível personalizar máscaras, chapéus, ornamentos e tintas. Há até uma área que permite trocar entre passado e presente instantaneamente, lembrando as transições de Ratchet & Clank — um recurso incrível que poderia ser usado com mais frequência.

Por fim, há mecânicas de caça, pesca e culinária: ao acampar, podemos cozinhar cogumelos e outros ingredientes, ganhando bônus temporários. Às vezes, até personagens aleatórios aparecem na fogueira, oferecendo informações valiosas — um toque de humanidade e surpresa no mundo do jogo.

História e Desenvolvimento Narrativo

A história de Ghost of Yōtei pode parecer familiar — uma protagonista que busca vingança após presenciar o assassinato da família ainda criança —, mas o tratamento narrativo é o que a diferencia. A Sucker Punch, como já vimos em inFAMOUS e Ghost of Tsushima, volta a trabalhar a dualidade entre bondade e crueldade. Em Yōtei, acompanhamos Atsu em sua jornada contra os Seis de Yōtei, refletindo sobre honra, vingança e os limites da humanidade.

A trama supera a do primeiro jogo (e, pessoalmente, até a de Assassin’s Creed: Shadows), com uma protagonista emocionalmente complexa, que equilibra força e vulnerabilidade. O enredo traz boas reviravoltas, momentos comoventes e cenas de ação espetaculares, sem forçar discursos ou temáticas artificiais. Atsu é uma personagem com presença, e os secundários também são bem construídos, com motivações claras e coesas. O ritmo narrativo é excelente: até as missões secundárias têm substância e ampliam o mundo e seus conflitos.

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Conclusão

Ghost of Yōtei é, sem dúvida, um dos melhores jogos do ano. Combina uma gameplay divertida e viciante, um mundo aberto belo e vivo, uma narrativa envolvente e uma direção de arte deslumbrante, tudo em um pacote coeso e tecnicamente polido. Mesmo com pequenos deslizes — como NPCs repetitivos, expressões faciais limitadas e pouca destruição ambiental —, o resultado final é notável.

A Sucker Punch demonstra aqui uma maturidade criativa impressionante. Se com esse orçamento o estúdio já entregou uma experiência tão rica e consistente, mal posso imaginar o que poderá alcançar com investimentos equivalentes aos dos grandes estúdios da PlayStation. Ghost of Yōtei não apenas honra o legado do primeiro jogo — ele o supera com elegância.

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Pedro Muniz

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Agradecemos à PlayStation Brasil por nos conceder o acesso antecipado a Death Stranding 2: On The Beach, sequência direta da aclamada e controversa obra de Hideo Kojima lançada originalmente em 2019. Este segundo capítulo mantém a essência de sua proposta original, mas amplia todas as suas possibilidades com refinamento técnico, escopo narrativo e evolução significativa em jogabilidade.

Neste review técnico, exploraremos os aspectos que fazem de Death Stranding 2: On The Beach um dos jogos mais ambiciosos da atual geração, mantendo como base os pilares que o consagraram: narrativa profunda, imersão sensorial, jogabilidade única e inovação audiovisual.

Jogabilidade: Uma Evolução Natural e Robusta

Death Stranding 2: On The Beach permanece um jogo de ação e aventura em mundo aberto com perspectiva em terceira pessoa. O jogador assume novamente o papel de Sam Porter Bridges, agora encarregado de conectar a Austrália à Rede Quiral, enfrentando cenários dinâmicos, inimigos humanos e entidades sobrenaturais em um planeta devastado.

A jogabilidade, embora ainda centrada na mecânica de entregas, está mais ágil, acessível e estratégica. Os desafios ambientais são ampliados com ciclos de dia e noite, desastres naturais (como terremotos, tempestades de areia, avalanches e incêndios florestais), além da já conhecida chuva temporal, que deteriora equipamentos e envelhece materiais instantaneamente.

As travessias exigem mais preparo e adaptabilidade, mas com o suporte de novas estruturas de apoio, como monotrilhos, torres de vigia, abrigos automáticos, teleporte avançado e a presença da DHV Magalhães – uma nave/submarino que funciona como base móvel e lar temporário dos personagens. A jogabilidade agora oferece um ritmo mais fluido e menos punitivo para os jogadores que não se conectaram com o primeiro jogo.

Combate Aprimorado: Mais Dinâmico, Estratégico e Variado

Um dos grandes avanços desta sequência está no sistema de combate, reformulado e mais presente na experiência do jogador. Há agora uma vasta gama de armas de curta e longa distância, com maior acessibilidade desde os primeiros momentos da campanha. Armas como metralhadoras, escopetas, lança-granadas, além de dispositivos furtivos como hologramas e equipamentos de neutralização silenciosa, fazem parte do novo arsenal.

O combate corpo a corpo foi significativamente melhorado, embora ainda exista margem para refinamento. Além disso, a presença de inimigos robóticos e novos tipos de EPs (Entidades de Extinção), além de chefes desafiadores, oferece confrontos que exigem estratégia, personalização de equipamentos e adaptação constante.

A customização do APAS (Auxílio Pessoal de Atividades de Superfície) permite desenvolver habilidades como menor ruído de movimentação, mira mais estável ou resistência a intempéries. Isso adiciona camadas ao estilo de jogo e valoriza a preparação para cada missão.

Mundo Aberto e Ambientação: Imersão Sensorial Completa

O mundo de Death Stranding 2 é vasto, conectado e extremamente dinâmico. Diversas regiões com biomas distintos – de desertos áridos a montanhas nevadas e florestas densas – estão interligadas sem interrupções de carregamento, criando um verdadeiro ecossistema vivo e mutável. Eventos climáticos moldam a navegação e exigem planejamento logístico preciso.

Os efeitos ambientais não são meros visuais: avalanche, queda de rochas, enxurradas e alterações térmicas afetam diretamente a vida de Sam, seus equipamentos e a integridade das encomendas. O clima extremo interfere até na barra de energia e vida do personagem, criando tensão constante durante o percurso.

Social Strand System: Conectividade Assíncrona Renovada

A proposta social, que se destacou no primeiro jogo, está de volta com melhorias consideráveis. O Social Strand System permite que as ações dos jogadores tenham impacto no mundo dos demais: estruturas construídas podem ser compartilhadas, entregas inacabadas podem ser finalizadas por outros usuários, e recursos podem ser doados em projetos coletivos.

Novos recursos como cabos de monotrilho, teleportes comunitários e sistemas de armazenamento compartilhado promovem uma sensação real de colaboração global. Curtidas, recompensas e reputação estão novamente presentes, incentivando o espírito de ajuda mútua.

Direção, Elenco e Narrativa: O Brilho de Kojima

A narrativa é mais acessível do que no primeiro jogo, mas continua sendo desafiadora e multifacetada. Kojima entrega uma história que respeita a inteligência do jogador, revelando as peças de forma gradual e instigando a reflexão existencial.

O elenco original retorna com atuações marcantes: Norman Reedus (Sam), Léa Seydoux (Fragile) e Troy Baker (Higgs), agora acompanhados por nomes como Elle Fanning, Shioli Kutsuna, Luca Marinelli, Alissa Jung, Debra Wilson e Alastair Duncan. As participações visuais do cocriador de Mad Max, George Miller, e do diretor Fatih Akin, agregam profundidade estética à obra.

A direção cinematográfica, tanto nas cutscenes quanto nos momentos de gameplay, é impecável – um dos pontos altos do título. Kojima se supera visual e emocionalmente, entregando o trabalho mais maduro de sua carreira até o momento.

Gráficos, Performance e Animações: A Nova Referência Visual

Rodando na Decima Engine (da Guerrilla Games), o jogo é tecnicamente impecável. A integração da tecnologia Metahuman proporciona um nível de realismo facial e corporal que beira o fotorrealismo, com personagens que exibem expressões naturais, sutilezas musculares e microinterações emocionais.

Testado no PlayStation 5 Pro, o jogo apresenta dois modos: Qualidade (30 FPS com máxima fidelidade gráfica) e Performance (60 FPS com suavidade). Ambos os modos são altamente estáveis e fluídos, mesmo em áreas abertas e densas em elementos.

Os cenários são incrivelmente detalhados e diversificados, tornando cada nova região um espetáculo visual. As animações são outro destaque, com movimentações orgânicas, física realista e excelente sincronia labial nas cenas de diálogo.

Trilha Sonora e Design de Som: Um Capítulo à Parte

A trilha sonora de Death Stranding 2 pode ser considerada uma das melhores já criadas para um videogame. Ludvig Forssell retorna com composições que equilibram melancolia e grandiosidade, agora em colaboração com o renomado Woodkid, formando uma dupla de excelência.

Além das trilhas instrumentais, há o retorno emocional da banda Low Roar, cuja presença musical marcou o primeiro título. Mesmo após a perda de seu vocalista, suas músicas continuam a emocionar e amplificar a experiência narrativa. O jogo conta ainda com faixas de diversas outras bandas, mesclando sons conhecidos com novidades marcantes.

O design de som ambiental é meticuloso: o som da chuva, dos passos na neve, do impacto de rochas, tudo é integrado para maximizar a imersão e criar uma atmosfera auditiva cinematográfica.

Considerações Finais

Death Stranding 2: On The Beach não é apenas uma sequência competente – é um salto criativo e técnico que redefine o que esperamos de um jogo de mundo aberto narrativo. A união entre jogabilidade inovadora, arte visual de vanguarda, direção cinematográfica e um sistema social revolucionário fazem deste título um dos marcos da atual geração.

Seja pela sua profundidade narrativa, fidelidade gráfica, jogabilidade refinada ou pela trilha sonora emocionalmente envolvente, Death Stranding 2 entrega uma experiência única e memorável.

Pedro Muniz

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Depois de um primeiro crossover promissor, porém limitado, com NieR: Automata, essa segunda DLC chega com muito mais personalidade, mecânicas afiadas e uma dose generosa de fan service — do tipo que a comunidade já esperava, claro.

SHIFT UP, se amostra mais!

Antes de entrar no conteúdo da DLC, vale lembrar: tanto Stellar Blade quanto NIKKE são criações da coreana SHIFT UP, liderada por Hyung-Tae Kim — o mesmo artista conhecido por seu traço marcante e por personagens que fazem qualquer gamer levantar a sobrancelha (ou as duas). É como se a empresa estivesse dizendo: “sabemos o que vocês gostam e sabemos fazer bem”.

Essa sinergia interna entre as franquias permitiu que a integração fosse não só visualmente coesa, mas também mecânica. Enquanto NIKKE no mobile é aquele shooter em que você fica posicionado em um único ponto e fuzila ondas de inimigos com um toque de estratégia e habilidades especiais, a DLC em Stellar Blade abraça exatamente essa proposta — e o resultado é surpreendentemente divertido.

Uma jogabilidade que brilha mais que o traje da Scarlet

Ao iniciar a DLC, já dá para sentir o salto em qualidade em relação à primeira. Aqui, a jogabilidade não só homenageia NIKKE, como entrega algo inédito para Stellar Blade: arenas de tiro fixo, três coberturas que você precisa gerenciar com inteligência e reflexo, e fases com variações, como captura de área e, claro, a boss fight com Scarlet — uma das personagens mais icônicas de NIKKE.

Essa luta contra a Scarlet é, sem exagero, uma das melhores boss fights de todo o jogo. Ritmo intenso, visuais estonteantes e aquele equilíbrio certeiro entre desafio e espetáculo. Um presente para quem curte combates bem dirigidos.

A estética importa? Sempre!

Ainda que o foco da DLC seja gameplay, não dá pra negar que os itens estéticos são uma motivação à parte. Dessa vez, a SHIFT UP foi generosa: as novas roupas estão espalhadas pelo mapa, sim, mas bem marcadas, o que evita aquela frustração da caçada às cegas. Resultado? Dá vontade de explorar tudo e, claro, vestir a Eve com os visuais estilosos vindos diretamente de NIKKE.

Visual de cair o queixo no PS5 Pro

Confesso: essa foi a minha primeira experiência jogando Stellar Blade no PS5 Pro, e olha… é outra vida. Resolução altíssima, performance estável e efeitos de luz que fazem cada partícula brilhar — literalmente. É um lembrete forte de como Stellar Blade é, desde seu lançamento, um dos títulos mais bem acabados da nova geração. E a DLC só reforça isso.

Veredito: mais uma flechada certeira

Stellar Blade x GODDESS OF VICTORY: NIKKE não é só uma DLC. É uma carta de amor aos fãs das duas franquias, um playground de mecânicas criativas e visuais cativantes. SHIFT UP mostra que sabe brincar dentro do seu próprio universo e, mais importante, sabe escutar sua base de jogadores. Se a primeira DLC foi um aperitivo, essa

Pedro Muniz

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Finalmente, com o jogo lançado, fui viver as aventuras de Deacon St. John, e devo admitir que me afeiçoei bastante ao jogo. Não é um jogo espetacular e marcante, mas é um daquelas que é diversão garantida. Costumava olhar para este jogo como um dos melhores exemplares de jogos realistas da Unreal Engine 4, mas ele não caiu nas graças dos críticos.

Lançamento conturbado

Naquela época, o estado que o jogo saía era bem definidor em relação a sua nota no Metacritic. Um exemplo disso era o Batman Arkham Knight, que foi um jogo excelente com um visual sensacional, porém, saiu cheio de problemas de performance, o que o fizeram ter uma nota que não condiz com a qualidade do jogo e inclusive o tirando da disputa pelo GOTY (tudo bem que 2015 foi um ano excelente para jogos, mas ainda assim, daria espaço para ele).

Em 2019 tivemos a vitória de Sekiro: Shadows Die Twice, mas creio que Days Gone tivesse qualidade suficiente para pelo menos entrar entre os indicados a jogos do ano. O que não ocorreu pois o jogo saiu com muitos problemas de performance. Eu devo admitir que, na minha jogatina, não tive problema algum de performance, talvez já tivessem sido resolvidos em patches.

Volta por cima

Porém, depois de anos de lançamento, o jogo começou a ter o seu devido reconhecimento, podendo ser definido como um jogo “cult”. As pessoas começaram a jogar e tirar suas próprias conclusões, ainda mais quando ele entrou na Plus. Mas o reconhecimento não parou por aí.

Days Gone foi um dos primeiros jogos da PlayStation a serem lançados para PC, e apesar de não ter tido um alarde muito grande, foi um dos maiores sucesso da Sony nessa nova empreitada. Inclusive, com um clamor dos fãs por uma sequência, que cada vez parece menos improvável, mas a esperança é a última que morre.

Um clichê bem-vindo

O jogo da Bend Studio é mais um dos jogos com foco em narrativa da PlayStation, em um futuro pós-apocalíptico onde o mundo foi tomado por um tipo de zumbi, aqui conhecido como frenéticos. Em 2017, Deacon St. John, sua esposa Sarah Whitaker e o amigo Boozer tentam fugir de um surto viral que transforma pessoas em criaturas canibais (“frenéticos”). Sarah é ferida e evacuada pela NERO, enquanto Deacon e Boozer ficam para trás. Dois anos depois, Deacon acredita que Sarah morreu e, junto com Boozer, sobrevive como caçador de recompensas em Oregon.  

Após Boozer ser gravemente ferido por uma seita que idolatra os frenéticos, o RIP, eles se instalam no acampamento Lost Lake. Conflitos com a seita, liderada por Carlos (um antigo conhecido de Deacon), levam Deacon a destruí-los. Paralelamente, Deacon descobre que a NERO ainda opera e que Sarah pode estar viva. Uma história teoricamente simples, mas que é suficiente para nos manter entretidos. SPOILER: o jogo termina com um cliffhanger gigantesco que, até o momento, não vamos ver onde vai dar.

Ótima Gameplay

Days Gone é um jogo de mundo aberto em terceira pessoa, no qual podemos lutar corpo a corpo com os inimigos, além de ter uma ampla variedade de armas e itens arremessáveis. Além disso, temos uma fiel companheira em toda a gameplay: nossa moto, que é personalizável visualmente e em termos de performance.

E o diferencial deste jogo é a existência de hordas gigantescas de frenéticos, basicamente enfrentamos exércitos inteiros de zumbis. Existem diversos jogos com quantidades absurdas de inimigos, mas não conheço um que tenha inimigos tão detalhados sem prejudicar a performance do jogo. Acho este recurso realmente impressionante.

Precisava de um remaster?

O jogo já era muito bonito em seu lançamento e continua bonito até hoje, mas como tem sido costume da Sony, o jogo foi remasterizado. Mas a remasterização vai além da questão visual. Os modelos dos personagens continuam o mesmo, mas agora, no PS5, temos uma melhoria significativa na resolução e taxa de quadros.

Existem 3 modos de jogo, se possuir um PS5 Pro. No PS5 base, temos o modo performance, que tem a resolução 1440p (famoso 2K) com alvo em 60fps, modo qualidade em 4K nativo com alvo em 30fps. Já no Pro, o modo desempenho vai para 1880p/60, qualidade 2880p (incríveis 5K) e um modo aprimorado em 1584p/60 utilizando o PSSR.

 Mas o remaster ainda vai além…

Além destes modos de jogo, temos algumas melhorias significativas, como a nova simulação atmosférica/do céu usando simulação de ozônio e luz espectral. No geral, essa melhoria traz um tom de cores melhor e mais intensidade de luz ainda mais precisa para o céu e a luz do sol.

As noites ficam mais escuras, a resolução do mapa de sombra é dupla, a iluminação indireta do espaço de tela é aprimorada, assim como os efeitos de oclusão do ambiente. Isso sem falar na utilização do feedback tátil e algumas melhorias adicionais. Alguns vão dizer que não vale a pena esse remaster, mas de fato existem boas melhorias, que só não enxerga quem não quer. Além de custar apenas 50 reais para quem já tem o jogo.

Novos modos

Além dessas melhorias tecnológicas, o jogo inclui novos modos muito bem-vindos. A começar pelos recursos de acessibilidade aprimoradas, que não estavam presentes no lançamento original, e devo dizer que os recursos presentes aqui são bem completos, quase como os presentes nos jogos da Naughty Dog.

Foram inclusos um modo permadeath (modo de morte permanente), um modo speedrun, além de melhorias no modo foto. Agora tem um novo modo arcade, chamado Horde Assault, no quando temos que enfrentar diversas horas de frenéticos e inimigos humanos, podendo escolher entre vários personagens e mapas. É um modo bem divertido com uma curva de aprendizagem bem legal.

Vale a pena?

Days Gone é um ótimo jogo, e caso não tenha jogado anteriormente, começar pela versão remasterizada é uma ótima pedida. As melhorias tecnológicas fazem diferença e os novos modos de jogo o deixam ainda mais divertido.

É compreensível pensar de era ou não necessário uma remasterização deste jogo, e sendo necessária ou não, ela existe, e se você pretende jogar este jogo, o remaster é o melhor caminho para você. E o upgrade da versão antiga para a nova está num preço bem aceitável para aqueles que pretendem jogar de novo ou compraram anteriormente e nunca jogaram.

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Pedro Muniz

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A conteúdo extra colaborativo com NieR Automata chegou no dia 20 de novembro, e era uma colaboração bem previsível, devo dizer, visto os elogios proferidos pelo Yoko Taro mais próximo ao lançamento do Stellar Blade. A DLC é basicamente referente a diversos itens de vestuário da franquia da Square Enix.

Recebemos um código da DLC e tivemos a oportunidade de testar os trajes de NieR, mas não é tão simples assim. Para adquirir os itens, precisamos encontrar um conhecido personagem da franquia, e por meio dele, podemos adquirir os itens utilizando as Lágrimas Estelares, que estão espalhadas pelo mapa.

Fizemos um guia para ajudar a localizar cada uma das Lágrimas, mas o próprio jogo nos dá a dica de onde eles se encontram por meio de imagens. Em geral, curti muito as novas roupas e cabelos, que servem tanto para a EVE quanto para os outros personagens da nossa party. Os trajes, como de costume, são muito bem detalhados e remetem muito a NieR.

Finalmente um modo foto

Esse jogo visualmente é bem interessante, se é que me entendem, e depois de bastante tempo, o jogo finalmente recebeu um modo foto. Não é dos mais complexos, mas funciona bem apesar de simples. Abaixo deixarei algumas fotos que tirei, inclusive, com os novos trajes do jogo. Veja:

Outras atualizações no patch

Além do modo foto citado, o patch também adicionou algumas boas melhorias ao jogo. Para aqueles que possuem um PS5 Pro, existem dois novos modos Pro, que fazem a experiência no jogo melhorar bastante. Ainda não pudemos testar essas melhorias, mas creio que para a próxima DLC, podemos dar mais detalhes sobre ela.

A sincronia labial do jogo foi melhorada no jogo, incluindo novos idiomas e que, felizmente, o nosso português está incluso. Em termos de imersão, o jogo na nossa língua melhorou bastante. Agora podemos também trocar as músicas no acampamento, deixando o descanso mais confortável. E outra coisa: o jogo recebeu novos trajes que você pode conferir abaixo:

Veredito

É bom deixar claro que para ter acesso aos conteúdos das DLC conjunta com NieR Automata, é necessário adquirir a expansão, que custa R$53,90. Considero um preço justo. Porém, todos os outros conteúdos citados aqui podem ser adquiridos de forma gratuita, o que é excelente.

Mas existem alguns pontos, que inclusive podem melhorar sobre o jogo. Ele não tem uma seleção de fases ou possibilidade de ter diversos saves, ou seja, se já tiver terminado o jogo, como eu, e tiver apenas um save no final, será necessário rejogá-lo.

Devo dizer que isso é um fato incomodo, mesmo que tenha sido divertido jogar novamente, foi preciso jogar um tempo considerável apenas para ter acesso aos novos trajes, e isso poderia ter sido “resolvido” de forma bem simples.

Mas falando dos novos conteúdos em si, fiquei bastante satisfeito com tudo o que vi no jogo, porém, não poderia deixar de falar sobre esse defeito que é bem incomodo.

Pedro Muniz

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Eu como sempre, preferi esperar para ver e não tirar conclusões só de um achismo, como tem acontecido amplamente com os ditos fãs da indústria. Essa minha maneira de agir não é uma novidade para essas polêmicas, quem acompanha o site sabe, e isso me faz ter uma experiência mais prazerosa do que a maioria das pessoas que só sabem reclamar.

E novamente fico feliz que foi uma decisão acertada, o que eu vi neste remaster de Horizon Zero Dawn me deixou boquiaberto. Caso não tenha jogado Horizon Forbidden West, não tem noção de que este jogo é um dos mais belos jogos da indústria, e o mais impressionante neste caso é o fato de ser um jogo cross-gen. Horizon Zero Dawn Remastered chega perto de alcançar o mesmo nível gráfico…

Do que se trata o jogo?

Meu objetivo com esta análise é comentar sobre as melhorias que o jogo tem em relação ao jogo original, mas vou dar um breve resumo sobre o que se trata este jogo originalmente. Inclusive, é um dos jogos com universo mais criativo que temos nos últimos anos, se tornando uma das IPs mais importantes e frequentes da Sony.

Horizon Zero Dawn é um jogo de ação e aventura em terceira pessoa, com elementos de RPG, em um vasto e belo mundo aberto. Gostava de definir o mundo deste jogo com um pós-pós-apocalipse, algo inclusive bem inovador para a época, e até hoje não temos um mundo deste tipo em outros jogos.

No universo de Horizon, os humanos criaram IAs muito poderosas com o objetivo de guiar a humanidade para um futuro mais próspero e sustentável para o mundo. Porém, uma das IAs, chamada carinhosamente de Hades, decide que para a sobrevivência do mundo, a humanidade tinha que acabar. Então foi iniciada uma guerra dos humanos contra as máquinas controladas por Hades.

O Hades é aparentemente derrotado, porém, a humanidade sofreu prejuízos irreparáveis, chegando a beira da extinção. Anos e anos se passaram, os humanos começaram a se reestabelecer no mundo, porém, agora com a árdua tarefa de sobreviver em um mundo dominado pelas máquinas.

E é neste mundo que surge a Aloy, a protagonista do jogo, que tem uma história intrinsicamente ligada com toda a história do mundo, e descobrir isso torna a experiência do jogo muito legal. Este jogo tem uma das histórias mais complexas que vi nos últimos anos, são diversas camadas, diversos detalhes que tornam o enredo do jogo especial. E ele cresce bastante na sequência e em outros jogos do universo.

Dito isso, no jogo enfrentamos tanto as máquinas quanto inimigos humanos de outras tribos, e para isso, temos a disposição diversas armas de longo alcance, que vão desde arco e flecha até alguns tipos de metralhadora. Temos uma lança da qual podemos golpear os inimigos a curta distância, mas podemos também os enfrentar de forma mais tática, utilizando armadilhas e coisas do tipo.

Como disse, este é um jogo de mundo aberto, do qual vamos liberando cada vez mais partes dele conforme avançamos na história. E para nos locomovermos nele, podemos “domar” algumas das máquinas, além de utilizar de viagem rápida que vem na forma de fogueiras no mapa, mas cada viagem rápida requer a utilização de um item consumível.

Quais as melhorias do remaster?

Vimos alguns remasters/remakes recentemente, sendo eles tratados de fato como um novo jogo. Horizon Zero Dawn Remastered é mais tratado como um upgrade, semelhante ao que víamos no início da geração com jogos como o próprio Horizon Forbidden West, God of War Ragnarok e etc. Aqui, o upgrade para quem já possui o jogo custa 50 reais.

Mas no caso deste jogo, acredito que o valor do upgrade esteja mais do que justo por tudo o que ele entrega de melhorias em relação ao jogo original. Levando em consideração o primeiro jogo, de fato temos um jogo muito bonito, mas é óbvio que para os dias de hoje, alguns detalhes no gráfico acabam por ficam defasados, ainda mais levando em consideração a sua sequência.

A Nixxes, junto com a Guerrilla, fez um trabalho soberbo para deixar este jogo tão bonito quanto um jogo desta atual geração. E digo mais, este jogo está muito mais bonito que diversos jogos que temos disponíveis no mercado. O jogo possui 3 modos de jogo, priorizando a resolução, taxa de quadros e um modo que tenta fazer uma média entre esses dois.

O mundo do jogo aparentemente foi totalmente refeito de forma manual, e isso é comprovado pelo fato de que não temos apenas os assets já existentes no jogo com uma textura de maior qualidade. Temos diversos assets novos de fato, talvez transferidos do Forbidden West, mas que dão uma nova roupagem sensacional para este jogo.

Apesar de desde o início ser um jogo muito bonito, algumas coisas no jogo original incomodavam um pouco, e uma delas era a água do jogo. Era uma água acinzentada com reflexos de baixíssima qualidade, e isso é uma das coisas que melhorou bastante aqui. Não chega ao nível que vemos em Forbidden West, mas está infinitamente superior ao que vimos anteriormente.

Outra clara melhoria se dá nas expressões faciais e na forma como os personagens interagem nas conversas. Para os perdidos, em algumas das conversas do jogo, podemos escolher a forma como iremos falar, podemos entrar em alguns assuntos que não tem muito a ver com o desenrolar do jogo em si, e coisas do tipo. E a forma como os personagens agiam nestes momentos eram simplesmente ridículos.

Vimos uma grande melhoria no visual neste quesito no Forbidden West, e felizmente esta melhoria veio também para o Horizon Zero Dawn Remastered. De acordo com os desenvolvedores, foram mais de dez horas de novas cenas que tomam o lugar daquelas cenas horrendas que tínhamos no jogo original.

Os modelos dos personagens e das máquinas também foram bastante melhorados, apesar de ainda utilizarem o mesmo modelo em si. Lembra que na época do lançamento do Forbidden West, muito foi comentado sobre a “barba” da Aloy? Apesar das críticas de uma parte mais infantil do público gamer, isso mostrava uma capacidade gráfica impressionante da Decima Engine.

E melhorias deste nível também estão presentes nesta remasterização. Novamente, me encontrei boquiaberto admirando a beleza deste jogo. E uma cosa importante é o fato de o jogo conseguir utilizar o save do jogo original, então você pode seguir de onde tinha parado anteriormente.

Vale a pena?

Quando vi esta remasterização ser anunciada, esperava encontrar melhores texturas apenas. Mas o que encontrei neste jogo foi quase um remake, posso definir está como uma das melhores remasterizações que já vi no mercado, justamente de um jogo que já definiam como bonito o suficiente.

Cada dia fico mais impressionado com a capacidade da Decima Engine e o mesmo pode ser dito da Nixxes, que tem feito diversos trabalhos consistentes nos últimos meses. Já perdi a conta de quantos ports foram feitos por eles, e a qualidade deles é inegável. Realmente, fiquei impressionado com este jogo e recomendo fortemente.

Pedro Muniz

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O título em destaque é Until Dawn, que será o foco da nossa análise. Mas será que realmente era necessário um remake? Com o relançamento deste jogo, decidi revisar a versão original, que joguei logo após a sua estreia, e não me lembrava muito bem de como era. Para minha surpresa… que jogo espetacular.

Until Dawn se manteve impressionante ao longo do tempo e, em certos aspectos, pode até parecer mais atraente do que o remake. É provável que espectadores menos familiarizados pensem assim, mesmo sabendo que várias das melhorias visuais da versão anterior derivam de soluções simplificadas, devido a restrições que não estão presentes nesta nova edição.

Com isso em mente, ao chegar neste ponto, o que tornaria esta nova edição mais atrativa, se até mesmo o design, que é crucial em relançamentos, traz dúvidas? No entanto, fiquei satisfeito ao notar, logo nos primeiros momentos, que realmente compensou, e não foi apenas por causa do design, que, de fato, está aprimorado.

Melhorado

A primeira coisa que difere nesta nova versão de Until Dawn é o novo conteúdo. O jogo começou muito melhor do que o primeiro, pois os novos recursos aumentaram a profundidade do jogo, sem mencionar que tornaram as coisas mais emocionantes (sim, emocionantes!).

O filtro de cor no começo do jogo é bem amarelo né, o sol se pôs. Se compararmos com o jogo original, parece bem diferente, com cores azuis. É uma daquelas coisas que me faz pensar que o jogo anterior é tão bonito neste caso, mas por outro lado, a nova versão é muito realista.

A iluminação do jogo também é mais realista, com feixes de luz vindos de caminhos claros e efeitos de sombra realistas. No jogo original havia muita inconsistência que o fazia parecer muito melhor, mas considerando a nova versão perde a imersão.Mas talvez o maior fator para minha imersão e entusiasmo tenha sido todo o departamento de som. No início as músicas que não estavam no jogo original nos inspiraram muito. Os efeitos sonoros são igualmente emocionantes, quer você tenha um bom áudio ou uma boa TV em casa..

Mudanças no jogo

Outra coisa que melhorou a experiência e é uma mudança profunda no jogo é que o jogo agora é em terceira pessoa com uma câmera sobre o ombro. Mas o primeiro jogo não foi em terceira pessoa? Claro, mas no estilo clássico de Resident Evil, nossos personagens se moveram através de vários pontos de vista e da câmera real.

Agora podemos controlar os personagens e a câmera do jogo, o que tornou o começo bem diferente por causa da nostalgia. A câmera fica tão próxima dos personagens, tão fechada que cria uma sensação de claustrofobia mesmo nas cenas mais abertas.

Essa mudança só é válida para remakes, mas o trabalho de Resident Evil está aí para comprovar, mesmo que seja um remake de jogos mais antigos. Mas esta mudança é uma prova inegável de que esta não é apenas mais uma remasterização. O jogo foi totalmente reconstruído do zero, incluindo um novo motor e um novo estúdio chamado Ballistic Moon.

Acessibilidade

O jogo original fez bom uso de todos os recursos do Dualshock 4, principalmente dos controles do giroscópio. Então agora, com o dualsense, em teoria, mais recursos podem ser implementados no jogo, certo? Mas na realidade o que acontece é diferente e tudo é simples.

Por exemplo, no primeiro jogo, quando atiramos em algo ou controlamos uma lanterna, a mira é controlada através do giroscópio (o sensor de movimento do controlador). Agora o jogo é tão simples que só podemos controlá-lo através dos botões de direção. Mas é melhor fazer isso facilmente.

Mas existem muitos recursos que tornam o jogo mais acessível, como ajuste de tamanho de legendas, ajuste de tamanho de ícones, legendas para dislexia, ajuste de música em movimento, ajustes de botão QTE (evento rápido) e muito mais. Tudo isto torna o jogo muito acessível a diferentes grupos-alvo.

Mas como funciona o jogo?

Bom, se você não conhece ou nunca jogou esse jogo antes, Until Dawn é um daqueles jogos que foca em escolhas, o melhor, quase. Ou seja, durante a conversa podemos tomar muitas decisões, e o efeito de cada conversa é muito profundo.

Neste jogo, as decisões serão muito diferentes, e há muitos QTEs, que têm muitas consequências para a história. Realizamos eventos multiplayer, nosso principal objetivo é garantir que o maior número de personagens sobreviva até o amanhecer, daí o nome do jogo..

Como disse acima, o jogo agora segue uma abordagem em terceira pessoa com uma câmera sobre o ombro, onde você pode caminhar por cenários (que são bem lineares), descobrir e interagir com elementos do mapa, e podemos atirar e acertar em vezes, mesmo na forma de QTEs.

Quanto ao jogo, acho que todas as mudanças foram bem-vindas, atualizando o jogo, deixando-o mais moderno e já deixando um caminho mais claro caso haja uma sequência, quem sabe?

A história continua igual?

Sem ser muito direto, a história é a mesma, mas temos algo novo. Como eu disse, algumas novas cenas foram incluídas no jogo, bem como novos finais. E para ser totalmente sincero, não houve muito o que mudar, afinal, esse jogo tem uma das melhores histórias do gênero games, e, novamente, talvez a melhor de todas.

Não quero comentar muito a história porque tem algumas cenas que se comentadas perderiam um pouco de experiência. Mas normalmente, um grupo de amigos se reúne em uma casa remota em uma montanha, um ano após um trágico acidente. Porém, coisas estranhas começam a acontecer, fazendo você lutar para sobreviver por várias horas.

Vale a pena jogar de novo?

Veja, como eu disse, joguei esse jogo há muito tempo e jogá-lo novamente agora me proporcionou uma experiência muito melhor do que no passado. Então para mim, todas as melhorias no jogo, o visual, a trilha sonora, todos os novos conteúdos, tudo tornou a experiência muito melhor.

E se esta é a primeira vez que você joga este jogo, então vale a pena. Este jogo é considerado um ótimo jogo e por boas razões. A história é cativante do começo ao fim e nada chata, praticamente venci em uma partida e poderia ter jogado por muito mais. Se quiser saber, terminei o jogo em cerca de 8 horas, mas é possível reduzir esse tempo para cerca de 6 horas ou mais..

Pedro Muniz

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Com o decorrer dos anos, houve diversas tentativas de criar um mascote novo, não que este fosse o objetivo, afinal a Sony partiu para um caminho diferente da Nintendo, por exemplo. Tivemos Sly Cooper, Jak and Dexter, Ratchet & Clank, Little Big Planet (Sackboy) e até mesmo o Knack. Mas aos poucos, estes jogos foram desaparecendo, até restar apenas o Ratchet entre nós (único desenvolvido totalmente pela PlaySation até hoje).

Porém, no início da geração, tivemos um case de sucesso meio que inesperado, e que vem conquistando seu espaço principalmente por sua consistência. Estamos falando do astro dessa nossa análise, literalmente o Astro. Tendo aparecido pela primeira vez em Astro Bot: Rescue Mission, exclusivamente para PSVR1, e mais recentemente em Astro’s Playroom, tech demo do controle dualsense do PS5.

Astro Bot

2024 tem sido um ano fraco para o PlayStation em termos de jogos produzidos no selo próprio, apesar de ter sido um ano muito bom em jogos terceiros. Recentemente tivemos o, quase certo, maior fracasso da história da Sony, Concord, um hero shooter GAAS (game as a service) que teve seus servidores encerrados em menos de duas semanas por falta de interesse do público.

E curiosamente, no mesmo dia em que seus servidores foram encerrados, chegou Astro Bot, que atualmente é o jogo (excluindo certas DLCs) mais bem avaliado do ano, e um dos mais bem avaliados da história, tendo por exemplo uma nota igual a God of War Ragnarok e superior a Final Fantasy VII Rebirth, segunda maior nota do ano.

E só esse fato já impressiona bastante, principalmente pelo fato deste jogo ter sido produzido por uma equipe de apenas 60 funcionários em um período de três anos (que, por mais incrível que pareça, hoje é um tempo curto). Posso desde já deixar claro que esse é um jogo de sucesso e de uma qualidade absurda.

Alguns podem até falar que a Nintendo faz isso a anos, é que não é nada especial. Mas para estes que falam tal coisa, os convido a dar uma simples pesquisada na quantidade de pessoas que trabalharam nestes jogos. Posso afirmar que não chegam perto de ser uma equipe pequena como a da Team Asobi, então creio que não adianta tentar tirar o mérito do jogo e da equipe.

Como o jogo funciona?

Bom, acabei me estendendo um pouco mais do que o necessário nessa introdução. Pois bem, vamos ao que realmente interessa, que é o jogo em si. Astro Bot é um jogo de aventura em terceira pessoa, do gênero plataforma, onde controlamos quem? Ele mesmo, o Astro.

Ele é um pequeno robô branco e azul, as cores do PlayStation, bem carismático, mas que para alguns pode não ser suficiente em termos de profundidade de personagem. Se tratarmos de profundidade, background ou coisas do tipo, de fato temos um personagem bem vazio, mas que, na minha opinião, funciona muito bem. Aliás, acho que não precisa de um aprofundamento neste caso, acredito que foi feito com esse pensamento, mas para um futuro jogo, acho que uma história de fundo cairia bem.

O jogo é em terceira pessoa, e de padrão, podemos golpear, dar um golpe giratório por meio de um carregamento no botão de golpear, podemos pular, planar e agarrar objetos. Bem simples, porém, este jogo possui algumas habilidades únicas em cada fase que fazem toda diferença.

Por exemplo, temos habilidade que nos permitem dar dash para frente, para cima, temos uma que nos transformam em uma bola de ferro, que nos permite golpear a longas distancias, que nos fazem diminuir o tamanho, entre outros. Essas habilidades tornam a jogabilidade muito diferente, evitando assim o cansaço ao jogá-lo.

No jogo, temos cinco galáxias para explorar (e uma secreta com fases mais desafiadoras), cada uma delas com algumas fases curtas, mas muito divertidas. Cada fase possui um bioma único que, novamente faz com que a experiência não se torne cansativa. Cada um desses universos possui um chefe e alguns mini chefes, que são bem divertidos por sinal.

Easter-eggs de respeito

Uma coisa muito legal que Astro’s Playroom trouxe para a franquia, foi a presença de robôs temáticos de diversas franquias que fizeram parte da história da PlayStation. Em Astro Bot estes robôs estão de volta, muito mais detalhados e com a presença de novas franquias, recentes e antigas, que trazem um charme a mais para o jogo.

Mas eles não são apenas estéticos, fazem parte da gameplay de forma bem profunda. Primeiramente pelo fato de que os chefes só podem ser acessados se tivermos determinada quantidade de robôs resgatados. Cada fase geralmente tem 7 deles escondidos, e procurá-los é muito divertido.

Alguns destes robôs tem um certo destaque no jogo, tendo fases temáticas dos jogos, que simulam os visuais e até mesmo a trilha sonora, com a cara do jogo obviamente. Essas fases são únicas, com uma gameplay totalmente diferente das fases comuns do jogo, e podem ser definidas simplesmente como especiais. Realmente, um dos pontos altos do jogo.

Podemos utilizar os robôs que resgatamos para nos ajudar a cumprir algumas tarefas numa espécie de base ou hub do jogo. A forma que eles interagem ao serem chamados é bem legal e muito bonitinho. Esse jogo é um prato cheio para crianças, e para nós adultos também.

Ao entrar em cada uma das fases, temos um pequeno período que controlamos o dualsense como uma forma de aeronave, e nele, temos a capacidade de ir para a direita e esquerda por meio do giroscópio do controle, e podemos também acelerar apertando os dois gatilhos.

Inclusive, assim como aconteceu com o Astro’s Playroom, em Astro Bot temos a melhor utilização das funções do dualsense. É simplesmente sacanagem de tão bom que foi a implementação dos gatilhos adaptáveis, feedback haptico, da saída de som, giroscópio, e até mesmo do microfone embutido no controle.

Tem uma história?

Bom, logo ao iniciarmos o jogo, conseguimos perceber que ele é uma sequência direta da tech demo gratuita que todos os compradores de PS5 tem. Caso não tenha jogado, recomendo bastante, mas caso queira seguir direto para Astro Bot, em Playroom nós conhecemos cada uma das partes do PS5 enquanto experimentamos os recursos do dualsense.

No Playroom, coletamos cada um dos consoles e acessórios da história da PlayStation e ao final do jogo, conseguimos o PS5. Dito isso, em Astro Bot, durante uma viagem espacial, damos de cara com um alienígena que destrói em PS5 em pedaços e os espalha pelas cinco galáxias do jogo.

Assim como as partes do console foram espalhadas, os robôs também, então nossa missão no jogo é recuperar cada uma das partes do PS5 e resgatar os robôs perdidos, que meio que são a nossa tripulação. E basicamente, essa é a história do jogo em si. Bem simples, mas suficiente para fazer o jogo funcionar.

Visual e trilha sonora

Na parte visual, não temos um jogo com gráfico realista como vemos em vários jogos da PlayStation, temos aqui um jogo com um visual bem simples, mas extremamente carismático. Mas nem de longe esse jogo pode ser definido como feio, muito pelo contrário, é um dos jogos mais bonitinhos que já vi.

O Astro’s Playroom já tinha um visual muito bem-produzido na época, e ao jogarmos Astro Bot, aparentemente é o mesmo gráfico. Porém, se compararmos um jogo ao outro, é mais do que perceptível o quanto esse jogo melhorou graficamente falando. E é aí que o simples desaparece e percebemos que o visual do jogo é realmente muito bom.

E se o jogo não possui um gráfico muito realista, os desenvolvedores escolheram aplicar seus esforços em tornar a física do jogo a mais realista possível. E eles atingiram um patamar muito absurdo, pois as físicas nesse jogo são impressionantes. E elas reagem ao nosso personagem e aos cenários de forma muito realista, mesmo que com um visual bem cartoon.

E a parte que realmente é impressionante é o fato de o jogo rodar em 4K dinâmico fixado em 60 fps sem quedas, de acordo com a Digital Foundry. O jogo possui uma performance absurda e saiu sem a necessidade de um patch para corrigir problemas, e isso é uma coisa muito rara hoje me dia, a Team Asobi realmente merece os méritos.

Assim como o jogo arrasa no seu visual, na parte sonora ele não perde em nada também. A física é muito realista e a parte sonora que vem com ela contribui para que ela seja ainda mais impressionante. E o som saindo no controle nos traz uma imersão ainda maior no jogo e em tudo que interagimos nele.

Nas músicas, o jogo vai muito bem também, com composições bem características da trilha sonora da franquia, mas com boas novidades também. Lembra que comentei que temos fases temáticas de outros jogos? Nessas fases, temos uma trilha sonora igualmente temática, mas com um toque especial dos sons característicos do jogo, e o resultado foi simplesmente incrível.

Varedito

A experiência de jogar Astro Bot foi simplesmente incrível, e se existe uma palavra que pode definir o jogo é diversão. Esse jogo é isso, diversão do início ao fim, e além de divertir, ele é muito satisfatório, a física então, nem se fala… É um jogo curto, mas acredito que o tempo seja suficiente para não se tornar cansativo.

Astro Bot não é um jogo difícil, e isso faz com que qualquer pessoa seja capaz de jogá-lo, independentemente da idade. Alguns podem reclamar de o jogo não trazer desafios, e eu entendo, mas na minha opinião, o jogo da forma que está, é perfeito. É claro, sempre é possível achar pontos de melhoria, mas do jeito que o jogo saiu, está muito bom.

E já foram confirmadas DLCs gratuitas que adicionarão ainda mais conteúdos ao jogo. A minha experiência foi totalmente positiva, mas diz você! Já testou o jogo? O que achou? Pretende jogar? Diga nos comentários…

Pedro Muniz

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Mas gostaria de entrar um pouco sobre este assunto polêmico, dar minha opinião sobre, mas caso não tenha interesse, é só pular para o tópico “vamos ao jogo”.

Polêmicas Vazias (opinião)

Mas para começo de conversa, podemos passar um pouco sobre esse tema polêmico, que é referente a sexualização da personagem Eve, protagonista do jogo. Após finalizar o jogo, posso afirmar que em nenhum me senti incomodado, e posso falar que joguei ao lado de uma mulher e que ela igualmente não se sentiu incomodada.

Claro, isso não quer dizer nada, é uma experiência minha e não universal, mas é um tema que está sempre em destaque desde sempre. Tivemos casos parecidos em NieR Automata com a 2B principalmente, em Metal Gear Solid The Phatom Pain com a Quiet, sem contar os diversos jogos de luta que temos no mercado.

Uma coisa em comum que estes jogos têm é que a maioria deles são desenvolvidos por estúdios asiáticos, e que por diversos motivos, possuem mais liberdade para explorar tais coisas. Exemplo disso são os animes, que até mesmo aqueles mais infantis, possuem algum traço de sexualização.

Temos aí uma questão cultural, e no ocidente, coincidentemente a questão cultural vai contra esta citada no oriente. É direito de todos não gostar de uma coisa, mas isso não muda um fato: o jogo foi feito seguindo a visão de seu criador. É necessário ter este conhecimento e aceitá-lo, caso isso não seja possível, simplesmente não compre e nem jogue.

Já vi pessoas citando que o diretor nunca tenha visto uma mulher na vida para ter feito um design tão vulgar como este, mas além de a personagem ser modelada conforme o corpo de uma atriz real, todos os traços alterados do modelo foram feitos pela própria esposa do diretor. Agora, outro ponto é que a cultura ocidental tem que ser respeitada, mas como adquirir respeito sem respeitar outra, um pouco de hipocrisia, não?

Estamos em um momento em que tudo precisa ser problematizado, principalmente aqui no ocidente. Estamos em um momento em que tudo se trata de representatividade, e se existir algo que não me represente, tem um problema. Tudo isso simplesmente para alimentar alguns egos mais frágeis.

Não me entendam mal, representatividade é importante, uma pauta que só conseguiu ter sucesso após décadas ou centenas de anos de luta por parte das minorias. Mas se desmerecer tanto a ponto de simplesmente querer aparecer sem ter uma razão ou motivação que faça sentido na história, é no mínimo curioso.

Alguém pode não se sentir representada por meio do corpo da protagonista, mas se você fizer uma simples pesquisa no instagram, vai ver que existe não apenas milhares, mas milhões de mulheres assim. Então, caso não curta, repito, não compre e não jogue, ou vá atrás do que você acha correto e faça melhor.

Vamos ao jogo

Agora vamos ao que realmente importa, Stellar Blade. Bom, desde seu anúncio, quando era conhecido como Project Eve, me interessei pelo projeto, e isso me traz uma certa felicidade hoje em dia. Vi como este projeto foi mudando ao longo dos anos, crescendo em escopo, e quando finalmente obteve seu real nome, já estava muito maior do que era em seu início.

Mas desde sua primeira aparição, uma coisa sempre chamou a atenção: seu combate. Ainda não tínhamos colocado a mão no jogo, mas visualmente, sempre pareceu divertido e desafiador. Para início de conversa, estamos diante de um hack’n’slash, mas não é daqueles que é simplesmente esmagar os botões.

Como o jogo funciona?

Como disse, o jogo é um hack’n’slash, mas é daqueles que simplesmente bater não é o suficiente, e ele vai te dar muitas maneiras de se defender. Mas começando pelo básico, podemos realizar ataques fracos e fortes, sendo os mais fracos mais rápidos e os mais fortes, mais lentos, obviamente. Apertar esses botões sucessivamente gerarão combos, inclusive podendo apertá-los em diferentes ordens.

Por meio do “bolinha”, podemos desviar dos ataques, em todas as direções possíveis, e por meio do L1, bloqueá-los. Mas não para por aí. Se por acaso, pressionar o L1, mas qualquer um dos quatro botões, um tipo de ataque especial será ativado. E mais pra frente no jogo, caso pressione o R1 e aperte algum dos quatro botões, outro ataque especial será ativado.

Se apertar R2, terá acesso a uma arma e poderá atirar com ela, utilizando diversos tipos diferentes de munição. E caso aperte também L3+R3, terá um modo “fúria” semelhante aqueles que temos em God of War ou Final Fantasy XVI por exemplo. Modos de derrotar os inimigos é o que não falta.

TPS

O jogo possui diversas árvores de habilidades, sendo cada uma delas referente a algum aspecto do jogo. Por exemplo, estes golpes com o L1 e o R1 podem ser melhorados, assim como todos estes outros citados. E ainda não comentei um elemento da gameplay importante, os golpes a longo alcance.

Podemos utilizar nossa espada para dar golpes a distância, mas o jogo vai além disso e introduz uma arma, que transforma o jogo literalmente em um TPS, jogo de tiro em terceira pessoa. Alguns locais só podemos utilizar esta arma, e nestes momentos, o jogo se transforma num Resident Evil like muito maneiro. Podemos também aprimorar a arma e acessar diversos tipos de munição.

Linear?

Bom se levarmos em consideração a campanha do jogo, pode se dizer sim que o jogo é linear em grande parte do jogo, porém, temos alguns cenários que são mais abertos. Nestes cenários, podemos andar livremente, sem um rumo pré-definido. E nele é onde faremos grande parte das missões secundárias do jogo.

O jogo possui uma grande gama de missões secundárias, que podem até ser um pouco repetitivas, mas que trazem recompensas muito boas. Para explorar os cenários, além de correr, podemos saltar, inclusive dar saltos duplos, e usar dashs no ar. A Eve também tem a capacidade de escalar algumas paredes, o que contribui com a verticalidade do jogo.

Uma coisa que o jogo faz bem é variar a sua jogabilidade, como já disse, temos os momentos de combate corpo a corpo, os momentos de shooter, a exploração em diferentes níveis dos cenários, podemos até mesmo usar nossa espada como prancha em determinados locais. É um jogo que dificilmente vai te cansar.

Variedade de inimigos

Deixo claro desde já que existe uma grande variedade de inimigos no jogo, e desde os mais fracos, o desafio nunca vai deixar de existir. Cada inimigo possui um padrão de ataque bem definido, tendo também golpes normais e golpes mais poderosos.

Para nos defender dos golpes, podemos utilizar tanto o bloqueio quanto a esquiva, e se fizermos qualquer um destes no momento certo, temos um bloqueio/esquiva perfeita. Ao fazer isso, o tempo dá uma diminuída e nos possibilita uma pequena abertura de tempo, mas é bem pequena mesma.

Alguns golpes dos inimigos brilham e determinadas cores como azul e rosa, e nestes casos, podemos utilizar um combo que vai nos dar uma vantagem boa. No caso do azul por exemplo, se apertarmos o “bola” e colocarmos o analógico para frente, realizaremos um teleporte para atrás do inimigo, onde ele recebe mais dano e não pode se defender.

Em geral, cada cenário possui inimigos únicos, mas em determinados momentos, alguns inimigos acabem se repetindo. Mas em Stellar Blade, isso não é um problema pois o jogo tem um combate muito divertido e satisfatório. A repetição de inimigos nos torna mais experientes nos combates, e com a experiência, podemos realizar os desvios e bloqueios perfeito, que são extremamente satisfatórios.

E a parte visual/sonora?

Bom, a polêmica deste jogo vem desta parte, não é mesmo? E isso em si já é um atestado da qualidade do jogo neste sentido, mas ele ainda não é perfeito. Em relação aos modelos dos personagens jogáveis e não jogáveis, não há o que falar. São simplesmente muito bem desenvolvidos.

Cada personagem é muito bem detalhado, com aquele traço característico das obras orientais, e neste caso, traços característicos das obras coreanas. E se levarmos em consideração a Eve, o nível de qualidade vai lá no alto. A personagem é super detalhada, com diversas físicas envolvidas, inclusive, a física dos cabelos é uma das melhores que já vi até então.

E nos combates, a qualidade não cai nem um pouco, com diversas partículas em tela, tornando cada luta simplesmente linda. E isso é aprimorado por meio dos três diferentes modos de jogo, priorizando respectivamente gráficos, taxa de quadros e um híbrido que busca um pouco dos dois mundos.

Outra coisa impressionante é a quantidade de skins diferenciadas que o jogo possui, simplesmente sensacionais. Mas para conseguir todas, não será uma tarefa simples, nem difícil, mas demorada, o que não faz mal quando o jogo é extremamente divertido.

Os cenários são igualmente bonitos e variados neste jogo, mas isso se aplica apenas quando estamos em cenários fechados. Quando acessamos os cenários mais abertos, as texturas começam a pedir arrego, sendo este o único ponto negativo em termos visuais.

Já em termos de trilha sonora, acredito que para eu tenha ficado num meio termo. As músicas são, vezes clássica, vezes pop, vezes rock, bem variada. Porém, em determinados momentos ela acaba ficando repetitiva, por tocar uma música cantada em loop, e isso pode ser um pouco incômodo. Mas confesso que comigo aconteceu apenas uma vez.

A história é legal? O jogo vale a pena?

Bom, em termos de história, temos um daqueles clichês bem legais, o que para alguns pode ser um ponto negativo, mas que não incomodou na minha experiência. Caso foque na campanha, a história é bem simples e previsível, mas não a ponto de deixar o jogo desinteressante.

E tem um porém, caso faça as missões secundárias e leia os arquivos de texto disponíveis no jogo, a história pode dar um salto de complexidade bem grande. Mas de fato, é um dos pontos onde o jogo fica um pouco abaixo, mas que está longe de ser ruim e longe de ser um problema devido a sua diversão.

E no final, para aqueles que só querem polemizar, estarão apenas perdendo uma experiência incrível visualmente e em termos de gameplay. Dificilmente um jogo me prende da forma que este jogo fez.

Sua gameplay é capaz de agradar tanto aqueles que curtem hack’n’slash como eu, mas ele também tem uma gameplay que se assemelha um pouco com jogos souls like, podendo atingir um público bem maior. No final do dia, o jogo traz uma experiência simplesmente sensacional. Recomendo Stellar Blade para todos aqueles que possuem o PlayStation 5, garanto que não vão se arrepender.

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Pedro Muniz

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