O conflito central da trama ganha forma a partir das profundas inseguranças pessoais de Felipe, interpretado com extrema sensibilidade por Miguel Lallo. O jovem protagonista gordo planejava passar suas férias escolares de julho inteiramente recluso em seu quarto, utilizando o isolamento como um escudo seguro contra o constante bullying que enfrentava no colégio. Contudo, toda a sua rotina é virada do avesso com a chegada inesperada de seu vizinho Caio, vivido com carisma por Diego Lira. A estadia forçada do antigo amor platônico sob o mesmo teto não traz o caos temido, mas sim uma redescoberta profunda do afeto e da cumplicidade, fazendo com que o espectador que entra na sala de cinema triste ou sobrecarregado por pressões externas sinta um alívio imediato diante das telas.

Narrativa de Acolhimento Contra a Estética do Sofrimento Juvenil

Utilizando um storytelling envolvendo e direto, Quinze Dias prova que a representatividade também deve ser celebrada através da leveza, do acolhimento e do direito inalienável ao final feliz. O roteiro, assinado por Ray Tavares e Vitor Brandt, caminha com passos firmes ao demonstrar que, mesmo tocando em feridas reais como a gordofobia, o foco principal permanece na construção de um universo seguro onde o amor e a amizade verdadeira superam qualquer hostilidade. É o tipo de narrativa que conduz a audiência por uma montanha russa emocional muito bem vinda, permitindo que o público chore de emoção e ria de felicidade genuína em um intervalo de poucos minutos, curando as dores cotidianas através da arte.

A evolução dos sentimentos entre os rapazes é desenhada com uma paciência que respeita o tempo da descoberta juvenil. Não há pressa para rotular ou para impor barreiras artificiais ao roteiro, o que confere uma naturalidade comovente ao desenvolvimento dos protagonistas. Esse ritmo orgânico ajuda a desmistificar os romances de época da juventude e constrói uma ponte direta com a realidade de milhares de jovens que buscam apenas um porto seguro para expressar quem realmente são.

A Estética Sensível do Olhar e as Lentes de Daniel Lieff

Visualmente, o longa metragem se destaca como um deleite técnico que utiliza a linguagem cinematográfica para amplificar a sensação de aconchego que emana da história. As transições de cena são conduzidas de forma magistral: a câmera utiliza de forma recorrente o olho do protagonista como um portal, conectando de forma orgânica o mundo real ao riquíssimo universo imaginário de Felipe, repleto de ilustrações próprias e devaneios cinéfilos. Essa escolha estética precisa estabelece uma ponte poética com a audiência, convidando cada pessoa a enxergar a realidade sob uma ótica muito mais artística, lúdica e generosa, transformando o ato de assistir em uma experiência imersiva de puro encantamento visual.

Essa alternância entre o real e o lúdico serve também para aliviar a carga dramática nos momentos em que o isolamento do protagonista se faz mais presente. Quando Felipe se perde em suas criações, o público ganha um vislumbre fascinante de sua mente criativa, transformando o que poderia ser um drama pesado de solidão em uma jornada de autoexpressão artística e valorização da própria identidade.

A Conexão Perfeita com a Trilha Sonora Como Coração Pulsante

A experiência sensorial e o magnetismo da produção ganham uma força ainda maior graças à sua brilhante identidade musical, construída através de uma curadoria impecável. Todas as músicas selecionadas para participar da trilha sonora do filme são faixas extremamente significativas e repletas de representatividade, que parecem ter sido esculpidas sob medida para a jornada de amadurecimento dos rapazes. A conexão da trilha sonora com a narrativa se consolida como uma das partes mais legais da experiência, emoldurando os momentos de ternura com uma sonoridade melódica que já é o símbolo máximo de toda uma geração.

O grande trunfo dessa seleção musical reside na diversidade e no impacto de suas escolhas. Ao assistir ao longa, o público é envolvido por uma mistura perfeita que transita pelo pop sensível e acolhedor de Anavitória, alcança as batidas marcantes e confessionais de Jão, e se expande com entusiasmo ao incluir canções de artistas pops internacionais de grande sucesso. Essa combinação não atua apenas como um plano de fundo convencional; ela dialoga ativamente com os sentimentos que transbordam da tela, tornando sequências como a emocionante interação entre o personagens principais e as crianças ou os primeiros diálogos românticos do par central momentos completamente inesquecíveis.

Rompendo Barreiras Históricas Através da Representatividade Positiva

A força da identificação pessoal é, sem dúvida, o principal motor que impulsiona o impacto emocional causado por Quinze Dias. Para grande parte do público, testemunhar um jovem gordo ocupando o papel de protagonista absoluto em uma história de amor plena, completamente livre de fetiches degradantes, humilhações severas ou desfechos trágicos, representa uma verdadeira reparação histórica dentro do cinema comercial brasileiro. A relação entre Felipe e Caio é construída com uma paciência delicada e comovente, permitindo que cada espectador se enxergue naquelas inseguranças juvenis e, principalmente, celebre cada pequena vitória emocional conquistada ao longo das duas semanas de convivência.

Essa quebra de paradigma afasta a obra do tom puramente didático para transformá-la em uma crônica afetiva de autodescoberta. Ao dar dignidade ao corpo gordo e à vivência homossexual na adolescência, a produção valida existências que historicamente foram empurradas para as margens do alívio cômico ou do sofrimento punitivo, oferecendo novos espelhos de orgulho e amor próprio.

Os Limites Narrativos do Conflito Familiar e as Escolhas do Roteiro

Por outro lado, em uma análise puramente estrutural da narrativa, nota-se que o desejo incessante da direção em manter uma atmosfera estritamente leve para os adolescentes acabou limitando o potencial dramático de certos conflitos secundários. A figura materna de Caio, apresentada sob uma ótica rigidamente homofóbica no início, serve como o contraponto perfeito à doçura que domina o restante do filme. Contudo, essa subtrama específica poderia ter ganhado contornos mais profundos e verossímeis se o roteiro tivesse explorado uma aceitação gradual ao longo do tempo, espelhando de forma mais realista os embates complexos e as transformações psicológicas que ocorrem no seio das famílias da vida real.

A pressa em resolver a tensão familiar em prol de um andamento reconfortante tira um pouco do peso que enriqueceria a jornada dos jovens. Embora a intenção de manter o tom de filme conforto seja clara, o público mais maduro pode sentir falta de um tratamento menos idealizado nas barreiras sociais que cercam os personagens, algo que tornaria a superação final ainda mais apoteótica.

O Triunfo da Esperança e do Afeto na Sétima Arte

Mesmo com essa leve ressalva sobre o ritmo do núcleo familiar, a escolha de Daniel Lieff em blindar a obra contra o sofrimento excessivo se mostra totalmente válida dentro da proposta do projeto. O foco absoluto do longa metragem é o acolhimento irrestrito, negando se a dar palco para a violência psicológica prolongada e escolhendo deliberadamente enaltecer a beleza, a doçura e a esperança. Ao fugir dos clichês de sofrimento e focar na construção de laços afetivos saudáveis, o filme se consolida como uma experiência que purifica a alma do espectador e renova o fôlego para enfrentar os dias mais cinzentos.

Um Manifesto de Resistência Através do Sorriso e do Orgulho Compartilhado

Ao encerrar sua projeção, Quinze Dias deixa no ar uma nítida e reconfortante sensação de que a representatividade no audiovisual brasileiro está trilhando caminhos pavimentados pelo respeito e pela dignidade. Ao equilibrar com maestria o rigor técnico de sua fotografia, atuações principais inspiradoras e debates sociais urgentes, a obra se posiciona com destaque na safra de lançamentos recentes do entretenimento. É uma produção que deixa o coração quentinho e prova, de uma vez por todas, que retratar a existência de minorias pode e deve ser uma celebração vibrante das vivências felizes.

As discussões e reflexões levantadas pelo filme transcendem as paredes da sala de cinema, estendendo se de forma permanente para a juventude atual. Em um mês tão significativo para a luta por direitos e visibilidade, ter uma obra comercial que escolhe falar de amor, de música pop nacional e de finais felizes é um ato político de imensa relevância através do afeto. O longa metragem funciona como o abraço apertado que muitos gostariam de ter recebido durante a adolescência, consolidando se como um marco essencial de empatia e celebração da vida.

• Golpe Explosivo | Como David Mackenzie Redefiniu o Cinema de Ação Moderno
• Marina Sena | A Consagração Histórica da Diva que Transcendeu a Virada Cultural
• Guerra Geek: O ecossistema pop e as neuroses nerds encontram o seu palco definitivo
• Love Kills (2026): A audaciosa transformação de São Paulo na Gotham gótica e sangrenta do terror nacional
• O Rei da Internet (2026): Genialidade criminosa ou apenas uma ilusão hiperestimulada no cinema?

CONFIRA OUTRAS CRÍTICAS DA NERDS DA GALÁXIA

SIGA A NERDS DA GALÁXIA

Facebook | Twitter | Instagram | YouTube | Linkedin

Beatriz Costa

Sou a Beatriz Costa, formada em Rádio, TV e Internet e pós-graduanda em Design Gráfico em Movimento. Nerd de carteirinha, apaixonada por séries, novelas, filmes e livros (com um amor especial pelo universo de Harry Potter). Na Nerds, atuo como editora e criadora de conteúdo audiovisual, unindo criatividade e paixão pelo mundo geek.

O post Quinze Dias | O Filme Conforto que Transforma o Mês do Orgulho em um Verdadeiro Abraço no Coração apareceu primeiro em Nerds da Galáxia.

É justamente nesse cenário que surge O Mandaloriano e Grogu, produção que chega aos cinemas brasileiros nesta quinta-feira (21) como uma continuação direta da série The Mandalorian, fenômeno responsável por apresentar ao mundo o grande caçador de recompensas Din Djarin (Mando) e seu pequeno aprendiz Grogu (Baby Yoda). Entre nostalgia, expectativa e o peso de carregar um universo gigantesco nas costas, o longa também marca o retorno de Star Wars às telonas após anos de ausência desde Star Wars: A Ascensão Skywalker.

Por trás da nova aventura está Jon Favreau, nome que ajudou a moldar diferentes eras do entretenimento blockbuster moderno. Foi ele quem iniciou o Universo Cinematográfico Marvel com Homem de Ferro e também comandou o remake em CGI de O Rei Leão, uma das maiores bilheterias da Disney.

Agora, Favreau assume a difícil missão de transformar a estrutura seriada de The Mandalorian em uma experiência cinematográfica capaz de sustentar o legado técnico e emocional de Star Wars. E é justamente nessa transição que mora a grande pergunta por trás do filme: será que a franquia encontrou um novo caminho para recuperar sua força nas telonas ou estamos diante de mais um capítulo perdido na vasta galáxia muito, muito distante?

Nota: Esta crítica não contém spoilers, para não comprometer sua experiência com o filme. O texto reflete exclusivamente a opinião do autor e não deve ser tratado como uma verdade definitiva sobre a obra. Sempre que possível, assista ao filme para formar sua própria opinião e apoiar o trabalho dos realizadores. Todas as informações mencionadas já foram divulgadas em sinopses e trailers.

Existe algo particularmente melancólico em assistir a O Mandaloriano e Grogu. Não porque o filme seja um desastre completo, longe disso, mas porque ele representa com precisão cirúrgica o atual momento da Lucasfilm com a franquia Star Wars: uma engrenagem na máquina “tecnicamente impecável” (segundo os acionistas), mas que parece incapaz de encontrar um verdadeiro senso de urgência criativa.

O longa continua exatamente de onde a terceira temporada da série deixou Din Djarin e Grogu, agora envolvidos em uma missão para resgatar Rotta, filho de Jabba, enquanto ajudam a Nova República a capturar remanescentes imperiais. O problema é que, desde os primeiros minutos, a sensação não é de estar diante de um grande evento cinematográfico, mas sim de assistir a episódios costurados às pressas para justificar uma ida ao cinema.

Ainda assim, seria injusto ignorar o esmero técnico do filme. Jon Favreau claramente entende a iconografia de Star Wars e sabe como transformar ferrugem, areia, fumaça, metal gasto e criaturas estranhas em parte da identidade visual da franquia. Existe textura em cada cenário. Cada planeta parece habitado, sujo, vivo, quase como uma coleção antiga de action figures que voltou a ganhar movimento depois de décadas guardada numa caixa empoeirada.

Os efeitos especiais impressionam não apenas pelo orçamento evidente, mas pela maneira como conseguem equilibrar elementos práticos e CGI sem transformar tudo em uma massa digital artificial. O filme constantemente lembra ao espectador por que o universo de Star Wars ainda possui um apelo visual tão poderoso dentro da cultura pop.

Essa força estética também aparece na forma como Grogu é utilizado. Se na série o personagem já funcionava apenas com olhares, grunhidos e pequenos gestos, aqui o orçamento cinematográfico amplia sua participação na ação e o coloca em momentos mais físicos e expansivos. Há cenas inteiras desenhadas para transformar o pequeno personagem em motor narrativo e peça cômica ao mesmo tempo.

Em muitos momentos funciona. Em outros, o longa força tanto a fofura que Grogu passa a parecer menos um personagem e mais uma ferramenta de marketing ambulante vestida de pelúcia espacial (repetição dos Ewoks?). Ainda assim, seria mentira negar o carisma quase magnético que ele mantém em cena. A trilha sonora de Ludwig Göransson ajuda bastante nesse aspecto, misturando o tema clássico da série com sintetizadores e batidas que aproximam certas sequências de uma aventura sci-fi mais acelerada do que da fantasia operística tradicional da saga.

O verdadeiro problema surge quando o roteiro começa a revelar sua estrutura. Favreau, Dave Filoni e Noah Kloor escrevem o filme como se ainda estivessem produzindo uma temporada completa para o Disney+. A narrativa é fragmentada em arcos que possuem começo, meio e fim próprios, como capítulos independentes colados por grampos enferrujados.

Uma missão na neve, o coliseu, os Hutts, as perseguições em speeders, os confrontos espaciais… tudo parece funcionar como episódios fillers comprimidos dentro de duas horas e meia. A edição reforça essa sensação de artificialidade estrutural, interrompendo constantemente o fluxo narrativo para reiniciar a aventura. O resultado é um longa que jamais encontra unidade dramática. As cenas de ação são bem dirigidas, dinâmicas e visualmente empolgantes, mas quase nunca carregam consequência emocional real.

E talvez seja justamente isso que mais enfraqueça O Mandaloriano e Grogu: a ausência de peso. Nada parece verdadeiramente perigoso. Nenhuma decisão deixa marcas permanentes. Existe uma sucessão de acontecimentos barulhentos acontecendo diante da câmera, mas raramente o espectador sente que algo importante está em jogo.

É curioso porque Star Wars sempre funcionou melhor quando combinava aventura escapista com conflitos emocionais muito claros. Aqui, a produção prefere transformar tudo em entretenimento confortável, embalado num ritmo acelerado que impede qualquer reflexão mais profunda. Quando o longa abraça seu lado de western espacial descontraído, com criaturas caóticas e humor leve, ele encontra certo charme. Mas toda vez que tenta soar grandioso ou emocionalmente relevante, a fragilidade do roteiro aparece imediatamente.

O elenco faz o possível para sustentar esse equilíbrio instável. Pedro Pascal (o inimigo do desemprego) continua excelente como Din Djarin, mesmo aparecendo atrás do capacete durante boa parte do tempo. O ator já compreendeu perfeitamente que o personagem funciona menos através de grandes discursos e mais por pequenas pausas, silêncios e gestos sutis de humanidade. Sigourney Weaver (Alien, Avatar) adiciona presença instantânea sempre que entra em cena, carregando aquela autoridade natural que transforma diálogos simples em momentos maiores do que realmente são.

Já Steve Blum (Star Wars Rebels), como Zeb, e Jeremy Allen White (The Bear), vivendo Rotta, recebem material dramático limitado. Existe uma tentativa clara de trabalhar temas ligados a legado, família e relações parentais, mas o roteiro martela essas ideias tantas vezes que elas perdem impacto rapidamente.

• CBLOL 2026 | Playoffs começarão com revanches imediatas e números mostram que o Brasil está em ascensão no LoL mundial
• Riot Games conquista o público e leva 2 prêmios na Gamescom latam 2026 com estande lotado e experiências imersivas
• Warner Bros. | Iminente fusão com a Paramount estaria causando frustração interna
• Cara de Barro | Filme de terror do DC Studios revela seu 1º pôster e um trailer sinistro

No fim das contas, O Mandaloriano e Grogu funciona mais como sintoma do que como grande acontecimento cinematográfico. O longa diverte, possui momentos genuinamente simpáticos e entrega espetáculo visual suficiente para agradar fãs que ainda encontram conforto nesse universo. Mas também reforça uma sensação difícil de ignorar: a de que Star Wars se tornou uma engrenagem de conteúdo constante, mais preocupada em alimentar catálogo do que em construir histórias realmente inesquecíveis.

O Mandaloriano e Grogu estreia nesta quinta-feira, 21 de maio de 2026, nos cinemas brasileiros. E aí, o que você achou do filme? Comente a sua opinião.

CONFIRA OUTRAS CRÍTICAS DO NERDS DA GALÁXIA

SIGA A NERDS DA GALÁXIA

Facebook | Twitter | Instagram | YouTube | Linkedin

Fabrizio Galluzzi

Olá, viajantes! Meu nome é Fabrizio Galluzzi. Assim como vocês, viajei para Runeterra até uma Galáxia Muito, Muito Distante. Conheci os Heróis Mais Poderosos da Terra e os Grandes Deuses Nórdicos e Gregos. Porém, no meu tempo livre sou um simples aventureiro, que ama muito ir ao cinema.

O post O MANDALORIANO E GROGU (2026) | Novo longa de Star Wars entrega espetáculo visual, mas ainda passa longe do grande retorno triunfante que a franquia busca nos cinemas apareceu primeiro em Nerds da Galáxia.

Em “INSTINTO MATERNO”, a nova adaptação do livro homônimo de Barbara Abel, as atrizes Anne Hathaway (“Diabo Veste Prada”) e Jessica Chastain (“IT — Capítulo Dois”) colocarão à prova seus instintos maternos e sua amizade após um trágico acidente. O longa marca a estreia na direção do premiado diretor de fotografia Benoît Delhomme (“A Teoria de Tudo” e “No Portal da Eternidade”) e chegará aos cinemas brasileiros em 21 de março de 2024. Mas será que o resultado é positivo? Confira na opinião abaixo:

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência ao assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

Conforme a sinopse, “INSTINTO MATERNO” acompanha a vida, aparentemente perfeita, das amigas Alice (Jessica Chastain) e Céline (Anne Hathaway), que desmorona após um trágico acidente envolvendo um de seus filhos. O que começa como uma tragédia inimaginável acaba transformando a amizade entre elas em um jogo perigoso de segredos e mentiras. À medida que a culpa toma conta das famílias, a linha entre a maternidade e a obsessão se torna tênue, revelando o lado mais sombrio do instinto materno.

Durante as minhas opiniões sobre “Patos!”, a animação Illumination Entertainment, eu confessei que o longa se tornou uma grata surpresa para mim, pois havia criado preconceitos a seu respeito, chegando até questionar sua existência e algo semelhante aconteceu com “INSTINTO MATERNO”. A nova adaptação do livro escrito por Barbara Abel também foi uma surpresa para mim, só que de uma forma medíocre que proporciona algumas sensações conflitantes de um leve thriller psicológico “hitchcockiano”, bem superficial, com uma identidade fantasmagórica de um drama no estilo “anos 1960”.

As estrelas (e as produtoras) de “INSTINTO MATERNO”, Anne Hathaway e Jessica Chastain, foram as responsáveis pela entrada de Benoit Delhomme na direção e direção de fotografia do longa-metragem. Em sua maioria, o diretor consegue criar cenas impressionantes de tensão, sabendo utilizar ângulos e movimentos de câmeras sólidos com um ótimo teor “sessentista”, aproveitando bem a luz para imprimir sensações nos cenários caseiros, que se harmonizam com a história. E com a ajuda da edição, feita por Juliette Welfling (“Jogos Vorazes”), as cenas são montadas para impactar o público e dar ênfase as interpretações de suas atrizes principais.

Falando em interpretações em “INSTINTO MATERNO”, Hathaway e Chastain se entregaram de uma forma impecável à Celine e Alice, que lhe permitiram trabalhar com muitas nuances e conseguem construir uma química impressionante. Porém, Josh Charles, Anders Danielsen Lie e o restante do elenco, claramente, estão no piloto automático, onde não entregam nada além de caretas, entonação na voz e ações robóticas.

A autora da obra original, Barbara Abel, e a roteirista novata em longa-metragens, Sarah Conradt, escreveram um roteiro que sabe exatamente o que é e não tenta reinventar a roda. Permitindo “INSTINTO MATERNO” contar a história circunstancial entre Celine e Alice, com um forte protagonismo feminino em um grande drama entre suas famílias que segue a cartilha padrão de suspense psicológico. Porém, fora os desenvolvimentos de suas protagonistas, o roteiro se enfraquece e começa a demonstrar os seus problemas, como a linearidade da narrativa em ritmo lento (quase um sonífero), que impossibilita uma experiência de “altos-e-baixos” ou “Vaivém”, além de evitar o engajamento na história e atrapalhar a construção de clímax.

Não tem como negar que “INSTINTO MATERNO”, novo longa estrelado por Anne Hathaway e Jessica Chastain, é um filme “medíocre-para-bom”, tanto para os admiradores da obra original quanto para aqueles que vão assisti-lo somente por puro entretenimento. E por mais que não seja perfeito, falhando com a linearidade sonífera de sua narrativa e na construção de seu clímax. Porém, ele se beneficia com a direção de Delhomme e também com as atuações de suas protagonistas, permitindo que esqueçamos os defeitos para flutuarmos neste drama entre suas famílias que segue a cartilha padrão de suspense psicológico.

INSTINTO MATERNO estreia em 28 de março de 2024 nos cinemas brasileiros e caso você já tenha assistido, comente a sua opinião sobre o filme.

CONFIRA OUTRAS CRÍTICAS DO NERDS DA GALÁXIA

SIGA A NERDS DA GALÁXIA

Facebook Twitter Instagram YouTube Pinterest

Fabrizio Galluzzi

Olá, viajantes! Meu nome é Fabrizio Galluzzi. Assim como vocês, viajei para Runeterra até uma Galáxia Muito, Muito Distante. Conheci os Heróis Mais Poderosos da Terra e os Grandes Deuses Nórdicos e Gregos. Porém, no meu tempo livre sou um simples aventureiro, que ama muito ir ao cinema.

O post INSTINTO MATERNO (2024) | Nova adaptação do livro de Barbara Abel é suspense psicológico bem leve que não exige do espectador apareceu primeiro em Nerds da Galáxia.

Lutas, armas, pancadaria e danças em bailes elegantes são um dos elementos que todos pensam ao se falar em filme de Super espião. Os filmes com essa temática são uma subcategoria dentro do gênero de filmes de espionagem, que se destaca por apresentar personagens principais com habilidades sobre-humanas, tecnologia avançada e uma abordagem mais fantasiosa em comparação com os filmes de espionagem tradicionais. Esses filmes frequentemente combinam elementos de ação, aventura, ficção científica e espionagem.

Se formos fazer um checklist do subgênero de espionagem, poderíamos incluir: protagonistas carismáticos e habilidosos, tecnologia avançada, enredos elaborados, vilões extravagante e cenas de ação espetaculares. Argylle carrega com bom tom, somente dois destes pontos, com protagonistas como Sam Rockwell (Ainden) e Bryce Dallas Howard (Elly Conway) carismáticos e versáteis, além de apresentar tecnologias interessantes para a trama. Ah! Se você se interessou em assistir o filme apenas para ver o Henry Cavill ou a Dua Lipa em ação, tenho uma notícia bem desagradável para dar….

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência ao assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

Argylle não é como você pensa!

A trama tem como ponto principal, Elly Conway que é uma escritora de romances e aborda a história de um agente secreto(Henry Cavill) encarregado de desmantelar um sindicato global de espionagem. Contudo, à medida que suas obras passam a refletir as operações secretas de uma organização de espionagem da vida real, a fronteira entre a ficção e a realidade começa a se desvanecer, criando uma confusão intrigante. E bota intrigante nisso!

Como havia dito, dá para contar nos dedos todas as falas de Dua Lipa (LaGrange), Henry Cavill (Argylle), Ariana DeBose e John Cena ( Wyatt). Para você ter noção, tive que fazer uma pesquisar para descobrir o nome da personagem de Dua Lipa, de tão vaga que foi sua apresentação. A impressão que passa, é que os atores foram usados para planfetar a produção, já que a participação deles é minima.

Os primeiros minutos do filme, apresentam uma breguiçe descabida até mesmo para o gênero. Falas sem naturalidade e quadradas, cenas de luta e perseguição que fazem Isaac Newton se revirar no caixão. Mas no final, nada é colocado em tela por a caso e Matthew Vaughn (Diretor) sabe que suas escolhas são cafonas e o próprio filme tenta tirar sarro disto. Confesso que no começo do longa, dei umas risadas e me diverti com a narrativa, mas depois de 1 hora assitsindo, cansei.

CONFIRA OUTRAS CRÍTICAS DO NERDS DA GALÁXIA

• STAR WARS X | Diretora provoca que a produção começará em breve
• Percy Jackson | Criadores da série comentam sobre as mudanças aos livros e atualizações de uma possível 2º temporada
• Aquaman 2 | Filme encerra o Universo com “control C, control V” do primeiro [SEM SPOILERS]
• 5 séries e filmes natalinos de super-heróis para assistir antes do dia 25
• Caso Jonathan Majors | Os planos da Marvel Studios a partir de agora

Ritmo acelerado e narrativa confusa

A primeira hora de fime, posso dizer que é divertida e leve e até mesmo depois da primeira grande virada da trama, o roteiro entrega justificativas razoáveis. O problema começa quando perdem a mão nas reviravoltas. Ao todo foram SEIS plot twists, se fossem ao menos bem construídos, poderia chamar o filme de ousado, mas como não foi o caso, posso denominá-lo como afobado. A maioria das explicações são rasas e utilizam de uma conveniência vergonhosa. “Ê roterista preguiçoso!”

A participação que deixa tudo menso denso e confuso é a de Samuel L. Jackson (não vou citar seu papel, pois não foi divulgado nos trailers) entrega carisma e a clássica “vibe épica” que o ator consegue dar a qualquer filme de forma quase mágica. Em contraponto, nem o aclamado Bryan Cranston (não vou citar seu papel, pois não foi divulgado nos trailers) , consegue salvar seu papel que caí em esquecimento por conta da forma genérca que é colocado na trama.

Tratando-se de combate, Argylle tem coreografias de lutas interessantes e bem estruturadas e ao contrário de alguns filmes de ação,temos porradarias bem contextualizadas. Uma luta em específico carrega o mesmo problema de todo filme: acelarada, confusa e com uma duração excessiva, mas tem uma estética interessante de assistir

Mas, tem um bom coração!

Com todas esses pontos. Argylle possui boas intenções. é um filme que busca levar o telespectador para um entretenimento leve e épico, mas com sua duração longa e confusão narrativa, ele acaba cansado quem assite e e tenta acompanhar

Hoje, no dia de estreia do filme (01/02/24), a crítica especializada categorizou o filme em 38% no Rotten Tomatoes com 104 reviews. Confira alguns dos comentários:

E mais um adendo.. O que esperar de um filme que conseguiu deixar o Henry Cavill feio?!

E você, concorda com minha crítica? Comente aqui e vamos conversar!

Biazoly

Eai?! Sou a Biazoly. Estudante de jornalismo, sou uma nerd assumida desde que me entendo por gente. Filmes, Games e HQs sempre foram meu refúgio.  Amo escrever, ler e ouvir histórias que tocam pessoas (sejam essas histórias realidade ou não).

linktr.ee/biazoly

O post Argylle(2024) | Filme quer empolgar, mas acaba cansando o telespectador. Entenda sem receber spoilers! apareceu primeiro em Nerds da Galáxia.

Diante disso, o estúdio A24 (“Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo”) e o cineasta norueguês Kristoffer Borgli (“Sick of Myself”) decidiram criar uma história para “O Homem dos Sonhos” que apresentasse uma trajetória de uma pessoa comum do repentino estrelato até o seu fatídico cancelamento de um jeito especial. O filme estrelado por Nicolas Cage (“Pig: A Vingança”), Julianne Nicholson (“Blonde”), Jessica Clement (“Gen V”), Lily Bird (“Beau Tem Medo”) e Michael Cera (“Barbie”) estreará nos cinemas brasileiros em 28 de março de 2024. Mas será que o resultado é positivo? Confira na opinião abaixo:

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência ao assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

Conforme a sinopse, “O Homem dos Sonhos” acompanha Paul Matthews, um pai de uma família comum que, misteriosamente, começa a ser visto por milhões de estranhos em seus sonhos. Porém, as aparições começam a se transformar em grandes pesadelos, e Paul deverá enfrentar as consequências de seu cancelamento global.

A A24 já se mostrou capaz de criar histórias com gêneros e estilos cinematográficos diferentes em seus projetos. Seja um terror sobrenatural que inova ao apresentar uma nova perspectiva adolescente, com pressão social e traumas em “Fale Comigo” ou na aventura multiversal de “Tudo em Todo Lugar ao Mesmo Tempo” que aborda muitas de nossas questões diárias. Dessa forma, posso afirmar que o estúdio também conseguiu com “O Homem dos Sonhos”. Em uma história que proporciona sensações conflitantes de um drama cômico que utiliza uma identidade fantasmagórica de um terror social, além de criar uma ligação profunda com o público por trazer uma perfeita sátira alegórica ao “Culto às Celebridades” e a “Cultura do Cancelamento” na era das mídias sociais.

Como dito na introdução, o cineasta Kristoffer Borgli foi o escolhido para comandar “O Homem dos Sonhos” e ele entrega uma direção muito consistente e capaz de criar momentos impressionantes de tensão e humor na medida certa, mesmo com inserções de excentricidades mais lúdicas na conclusão da história. E com a ajuda da excelente direção de fotografia, feita por Benjamin Loeb (“Mandy: Sede de Vingança”), as cenas são planejadas com ângulos e movimentos de câmeras inventivos que se harmonizam com a narrativa e a edição voraz do próprio Borgli, que consegue montar as cenas para impactar o público com um teor bizarro digno das interpretações de seu ator principal.

Falando em interpretações, os atores estão bem em seus papéis. Todos conseguem transmitir carisma, afeto, empatia e outras emoções e sentimentos em “O Homem dos Sonhos”, com destaque para Nicolas Cage como Paul Matthews. O ator se entregou de uma forma impecável a um personagem que lhe permite trabalhar com muitas nuances e claramente está se divertindo muito o construindo ao lado de Borgli.

Além de diretor e editor, Kristoffer Borgli também é o roteirista por trás de “O Homem dos Sonhos” e ele escreveu um roteiro completamente satírico. Permitindo o longa contar uma história circunstancial, cheia de alegorias e críticas sociais, da fama efêmera ao cancelamento de Paul Mathews. No entanto, os problemas começam a surgir quando as excentricidades mais lúdicas (mencionado acima) tomam proporções absurdas, desviando a história para um lado de ficção científica que ultrapassa os limites estabelecidos anteriormente pelo próprio filme, o que ocasiona em seções e elementos subdesenvolvidos e inserções nada orgânicas.

Não tem como negar que “O Homem dos Sonhos”, novo filme do estúdio A24, é um excelente filme tanto para os admiradores do estúdio quanto para aqueles que vão assisti-lo somente por puro entretenimento. E por mais que não seja perfeito, — falha ao criar seções e elementos subdesenvolvidos e inserções nada orgânicas com excentricidades exageradas. Entretanto, ele se beneficia com a atuação de Nicolas Cage, digna de sua indicação ao Globo de Ouro, permitindo a direção capacitada e o roteiro de Kristoffer Borgli fluírem bem em uma sátira cheia de alegorias e críticas sociais com o repentino estrelato ao fatídico cancelamento de seu protagonista.

O Homem dos Sonhos estreia em 28 de março de 2024 nos cinemas brasileiros e caso você já tenha assistido, comente a sua opinião sobre o filme.

CONFIRA OUTRAS CRÍTICAS DO NERDS DA GALÁXIA

• STAR WARS X | Diretora provoca que a produção começará em breve
• Percy Jackson | Criadores da série comentam sobre as mudanças aos livros e atualizações de uma possível 2º temporada
• Aquaman 2 | Filme encerra o Universo com “control C, control V” do primeiro [SEM SPOILERS]
• 5 séries e filmes natalinos de super-heróis para assistir antes do dia 25
• Caso Jonathan Majors | Os planos da Marvel Studios a partir de agora

SIGA A NERDS DA GALÁXIA

Facebook Twitter Instagram YouTube Pinterest

Fabrizio Galluzzi

Olá, viajantes! Meu nome é Fabrizio Galluzzi. Assim como vocês, viajei para Runeterra até uma Galáxia Muito, Muito Distante. Conheci os Heróis Mais Poderosos da Terra e os Grandes Deuses Nórdicos e Gregos. Porém, no meu tempo livre sou um simples aventureiro, que ama muito ir ao cinema.

O post O HOMEM DOS SONHOS (2023) | Novo filme da A24 entrega uma excelente sátira alegórica à Cultura do Cancelamento apareceu primeiro em Nerds da Galáxia.

• O Menino e a Garça se torna a 3ª maior bilheteria de um filme de anime nos EUA
• Meu Malvado Favorito 4 ganha trailer inédito
• Milly Alcock: A Supergirl do DCU
• Indicado ao Oscar 2024, Dias Perfeitos ganha data de estreia no Brasil
• Warner lançará 12 filmes em 2024; veja a lista completa!

Com isso em mente, a primeira temporada de “Percy Jackson e Os Olimpianos” foi finalizada na noite desta terça-feira (30 de janeiro). Agora muitos estão perguntando se a série, estrelada por Walker Scobell, Leah Sava Jeffries e Aryan Simhadri, correspondeu à qualidade da saga literária. Será que o resultado foi positivo dessa vez? Confira a resposta na crítica abaixo:

Nota: A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas foram apresentadas em sinopses e trailers.

Conforme a sinopse, “Percy Jackson e Os Olimpianos” acompanha o jovem Percy Jackson, um garoto que, após chegar ao Acampamento Meio-Sangue, descobre que ele, além de ser um semideus e filho de Poseidon, está sendo acusado por Zeus de ter roubado o seu mais precioso raio-mestre. Sendo assim, Percy embarca em uma jornada com seus novos amigos, Annabeth e Grover, para encontrar a arma e restaurar a ordem no Olimpo.

Rick Riordan decidiu une-se a Jonathan E Steinberg para dar vida à nova adaptação e durante as minhas primeiras impressões, eu afirmei que essa série tomou uma ótima decisão quanto a fidelidade ao primeiro livro. Já que conseguiu trazer o fator da nostalgia, com a aventura e a fantasia da qual a saga se originou, construindo uma sensação mais pessoal e uma ligação mais profunda com o público que já se aventurou neste universo. Bem, de certa forma, continuo acreditando nisso em relação à série completa. Mesmo que a dupla tenha conseguido realizar algumas alterações que coloquem a obra numa ambientação mais contemporânea, sem cair nos controversos anacronismos do gênero.

Quando se trata de séries, normalmente há mais de um diretor envolvido nas produções e com “Percy Jackson” não foi diferente. Riordan e Steinberg escolheram três diretores para comandar os oito episódios: James Bobin (dois episódios), Anders Engström (três episódios) e Jet Wilkinson (três episódios). Infelizmente, os três diretores entregam uma direção inconsistente, com a maioria das vezes sendo incapazes de lidar com variações de tons em momentos específicos, criando algumas cenas sem uma emoção acentuada. Porém, os diretores se encontram inspirados e cativam quando entram as cenas de ação, que condiz com os ângulos e movimentos de câmeras energéticos, planejados por Pierre Gill e Jules O’Loughlin.

Apontamento: Eu sei que cheguei a elogiar bastante a direção de Bobin nas minhas primeiras impressões, mas notei as inconsistências mencionada acima ao rever os episódios dirigidos por ele.

Rick Riordan e Jonathan E Steinberg escreveram os argumentos de cada episódio de “Percy Jackson e Os Olimpianos” e depois supervisionaram o trabalho de cinco roteiristas nas próximas etapas do processo. E não tem como negar que os roteiristas escreveram roteiros que sabem exatamente o que são e não tentam reinventar a roda, porém, conseguem reconstruir a identidade da obra original utilizando, ao seu favor, a nostalgia e uma criação de universo com máximo de fidelidade possível. Permitindo a série contar uma história sobre aceitação e coragem, bem nos moldes da “Jornada do Herói”, com referências, homenagens e a mitologia da saga literária, além de expandir com algumas novidades bem-vindas.

Os problemas dos roteiros em “Percy Jackson” começam a surgir com a curta duração dos episódios, o que também afetou a edição da série, criando um ritmo acelerado e cortes secos em meio a facilitações com alguns elementos desenvolvidos as pressas, que evitam o engajamento na história. Além disso, tem as questões com os diálogos expositivos, que são desnecessários e acabam antecedendo informações importantes da trama em uma cena futura, resultando em momentos anticlimáticos.

Os atores estão muito bem em “Percy Jackson e Os Olimpianos” e conseguem transmitir carisma, afeto, empatia e outras emoções e sentimentos, com destaque para Walker Scobell, Leah Sava Jeffries, Aryan Simhadri e Virginia Kull. Entretanto, por mais que o elenco consiga nos cativar e demonstre empenho, os problemas com tom, ritmo e exposição (mencionados acima) entram em conflito com os seus personagens. Deixem-me explicar: Scobell está impecável como Percy Jackson (sendo a melhor coisa do série), no entanto, Percy é um personagem com uma personalidade forte e sempre solta alguma piada ou comentário sarcástico e irônico, mas as aquelas cenas sem emoções e com diálogos expositivos acabam impossibilitando que tal personalidade funcione em sua totalidade.

Não tem como negar que “Percy Jackson e Os Olimpianos”, nova adaptação da saga literária de Rick Riordan, é uma ótima série para os admiradores dos livros e uma boa série para aqueles que vão assisti-lo somente por puro entretenimento ou por curiosidade. E por mais que não seja perfeito, falhando no tom, ritmo e exposição, ele se beneficia com a atuação dos três protagonistas, permitindo que esqueçamos os defeitos para flutuarmos nessa jornada sobre aceitação e coragem.

A primeira temporada de “Percy Jackson e Os Olimpianos” está com todos os episódios disponíveis no Disney+ e caso você já tenha assistido, comente a sua opinião sobre a série.

CONFIRA OUTRAS CRÍTICAS DO NERDS DA GALÁXIA

SIGA A NERDS DA GALÁXIA

Facebook Twitter Instagram YouTube Pinterest

Fabrizio Galluzzi

Olá, viajantes! Meu nome é Fabrizio Galluzzi. Assim como vocês, viajei para Runeterra até uma Galáxia Muito, Muito Distante. Conheci os Heróis Mais Poderosos da Terra e os Grandes Deuses Nórdicos e Gregos. Porém, no meu tempo livre sou um simples aventureiro, que ama muito ir ao cinema.

O post PERCY JACKSON E OS OLIMPIANOS (1ª temporada) | Nova adaptação equilibra nostalgia com novidade, mas peca na exposição e no ritmo apareceu primeiro em Nerds da Galáxia.

Certo, agora imagine que a abelha-rainha seja um CEO bem malvado de uma megacorporação muito corrupta e Jason Statham como uma abelha-operária insatisfeita com o desempenho da regente. Temos o filme da vez: “Beekeeper — Rede de Vingança”, que estreará nesta quinta-feira (11 de janeiro), dirigido por David Ayer (“Esquadrão Suicida”) e estrelado por Statham (“Megatubarão 2”), Emmy Raver-Lampman (“The Umbrella Academy”), Josh Hutcherson (“Jogos Vorazes”) e Jeremy Irons (“Watchmen”). Mas será que o resultado é positivo? Confira a crítica abaixo:

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência ao assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

Conforme a sinopse, “Beekeeper — Rede de Vingança” acompanha Adam Clay, um homem aparentemente comum que esconde um grande segredo: ele é ex-agente de uma poderosa organização secreta chamada Beekeepers (Apicultores). Clay, tomado pela fúria, busca vingança contra aqueles que machucaram uma pessoa querida em uma perigosa conspiração com golpes cibernéticos e se revela para o mundo.

Vocês concordando ou não, Jason Statham é um dos maiores astros de ação do cinema, como Sylvester Stallone (“Rambo”), Tom Cruise (“Missão Impossível”), Arnold Schwarzenegger (“O Exterminador do Futuro”), Keanu Reeves (“John Wick”) e outros, conseguindo atrair um certo público para o cinema, streaming ou qualquer outra mídia; com “Beekeeper — Rede de Vingança” posso afirmar que não será diferente. Em uma história que proporciona sensações de ecstasy e uma ligação profunda com o público com uma ação muito bem produzida, tipica do gênero, que utiliza uma identidade própria.

O diretor David Ayer foi escolhido para comandar “Beekeeper” e ele entrega uma direção consistente, capaz de criar momentos impressionantes de ação bem coreografados e frenéticos. E com a ajuda da boa direção de fotografia feita por Gabriel Beristain (“Homem de Ferro”), as cenas são planejadas com ângulos e movimentos de câmeras energéticos que se harmonizam com a essência do gênero e a ágil edição de Geoffrey O’Brien (“Bright”), que raramente tem um gatilho rápido no mouse e acaba cortando as cenas antes da hora.

Os atores do elenco não estão muito operantes em seus papéis e nem conseguem transmitir muito bem carisma, afeto, empatia e outras emoções e sentimentos em “Beekeeper — Rede de Vingança”, com exceção de Jason Statham como Adam Clay. O ator se entregou ao personagem e certamente está se divertindo muito, demonstrando empenho em criar uma nova franquia de ação. Entretanto, eu não posso dizer o mesmo de seus companheiros de elenco. Josh Hutcherson está extremamente mal e não consegue passar verdade com sua atuação, enquanto Jeremy Irons e Emmy Raver-Lampman estão em um piloto automático deplorável. Inclusive, a personagem de Raver-Lampman não tem nada para fazer a não ser perseguir, gratuitamente, o personagem de Statham.

O roteirista Kurt Wimmer (“O Vingador do Futuro” de 2012) escreveu um roteiro que sabe exatamente o que é e não tenta reinventar a roda, porém constrói uma identidade própria com relações entre a vida das abelhas e as ações humanas. Permitindo “Beekeeper” contar uma história honesta sobre a jornada de vingança de Adam Clay contra as instituições corruptas em uma linguagem de “porrada, tiro e bomba” bem eletrizante e satisfatória. No entanto, os problemas começam quando surgem os furos na história e deslizes na condução da própria narrativa, que resultam na falta de informações sobre determinados personagens e a trama principal, criando rumos facilitados, com seções e elementos subdesenvolvidos e inserções nada orgânicas.

Não tem como negar que “Beekeeper — Rede de Vingança” novo filme da Miramax com Jason Statham, é um excelente filme para os admiradores do ator (ou do gênero) e um bom filme para aqueles que vão assisti-lo somente por puro entretenimento. E por mais que não seja perfeito, falhando ao criar furos na história e tropeços na narrativa, ele se beneficia com a atuação de Statham, que permite a direção de Ayer e o roteiro de Wimmer fluírem bem com uma a jornada de vingança que personifica a nossa vontade de esganar os golpistas que volta e meia ligam para nós.

Beekeeper — Rede de Vingança estreia em 11 de janeiro de 2024 nos cinemas brasileiros e caso você já tenha assistido, comente a sua opinião sobre o filme.

CONFIRA OUTRAS CRÍTICAS DO NERDS DA GALÁXIA

• The Last Of US | Quem é Kaitlyn Dever, atriz que interpretará Abby na 2° temporada da série
• STAR WARS | longa-metragem de “The Mandalorian” e 2ª temporada de “Ahsoka” são confirmados pela Lucasfilm
• Globo de Ouro 2024 | Confira a lista dos vencedores da 81ª edição

SIGA A NERDS DA GALÁXIA

Facebook Twitter Instagram YouTube Pinterest

Fabrizio Galluzzi

Olá, viajantes! Meu nome é Fabrizio Galluzzi. Assim como vocês, viajei para Runeterra até uma Galáxia Muito, Muito Distante. Conheci os Heróis Mais Poderosos da Terra e os Grandes Deuses Nórdicos e Gregos. Porém, no meu tempo livre sou um simples aventureiro, que ama muito ir ao cinema.

O post BEEKEEPER — Rede de Vingança (2024) | Novo filme estrelado por Jason Statham tem uma história clichê, porém com identidade própria apareceu primeiro em Nerds da Galáxia.

O estúdio chamou muita atenção após “Super Mario Bros. – O Filme” se tornar a maior bilheteria de animação em 2023, e agora “Patos!” é o seu mais novo lançamento e estreará no dia 04 de janeiro de 2024 nos cinemas brasileiros. O longa sob a direção de Benjamin Renner e Guylo Homsy e estrelado por Kumail Nanjiani/Sérgio Stern, Elizabeth Banks/Priscila Amorim, Caspar Jennings/Sam Vileti, Tresi Gazal/Melinda Saide, Danny DeVito/Ary Fontoura, Keegan-Michael Key/Marco Ribeiro, Carol Kane/Cláudia Raia e Awkwafina/Dany Suzuki contará a primeira migração de uma família de patos pelo mundo. Mas será que o resultado é positivo? Confira na crítica abaixo:

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência ao assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

Conforme a sinopse, “Patos!” mostra uma família de patos formada por Mack – o pai superprotetor -, Pam – a mãe exploradora -, e os filhos Dax e Gwen. Enquanto Pam tem o desejo de mostrar o mundo aos filhos, Mack só quer manter a família em segurança no lago em que vivem. Porém, quando um novo grupo de patos aparece no local com uma série de histórias sobre viagens incríveis, a família concorda em partir rumo à Nova York, para visitar a Jamaica. Mas a viagem começa a se complicar.

Se tem uma coisa da qual posso me orgulhar é que admito quando cometo um erro e eu estou fazendo isso com “Patos!“, pois eu não acreditava na nova animação da Illumination Entertainment, criei inúmeros preconceitos a seu respeito e, por um momento, questionei sua existência, mas eu estava errado e afirmo que o longa acabou se tornando uma grata surpresa, capaz de criar uma sensação de tranquilidade e uma ligação mais profunda com o público por trazer, não apenas, uma simplicidade, mas também uma identidade própria com uma história sobre aventuras e relações familiares.

A Universal e a Illumination escolheram os diretores Benjamin Renner (“A Raposa Má“) e Guylo Homsy (“Meu Malvado Favorito“) para comandar “Patos!” e eles entregam uma direção capaz de criar momentos de diversão e emoção, mesmo com pouquíssimos deslizes na condução da narrativa. Para ajudar, os diretores têm o trabalho da equipe do estúdio para o bom tratamento de animação 3D tradicional a partir de belos traços e uma explosão de cores vivas, criando cenas impressionantes com os ângulos e movimentos energéticos. Principalmente, quando isso é combinado com a edição voraz de Christian Gazal (“Happy Feet – O Pinguim“) que se harmoniza com a narrativa e a empolgante trilha sonora composta e guiada por John Powell (“Kung Fu Panda“).

A Nerds da Galáxia foi convidada a assistir à versão dublada em português do Brasil, com isso posso dizer que os atores (e estrelas convidadas) do elenco de dublagem estão muito bem em seus papéis. Todos conseguem transmitir carisma, afeto, empatia e outras emoções e sentimentos em “Patos!“, com destaque para Sérgio Stern (“Monstros S/A“) como Mack, Priscila Amorim (“animação da ‘Liga da Justiça’“) sendo Pam, e Ary Fontoura (“A Favorita“) interpretando Tio Dan, que se entregaram de forma impecável e construíram uma sinergia atraente entre si e com o resto do elenco. Agora, eu quero fazer uma pergunta: por qual motivo temos a presença do Chef Henrique Fogaça no elenco? O seu personagem pronuncia apenas grunhidos e berros.

O roteirista Mike White (“The White Lotus“), ao lado de Renner (um dos diretores), escreveu um roteiro simples, honesto e na estrutura de um filme “Road Trip”. Permitindo “Patos!” contar uma história circunstancial em torno da migração de Mack e sua família com temas de união familiar, superação dos medos, amadurecimento e o respeito aos animais a partir de uma linguagem extremamente divertida, fofa e cheia de boas energias. No entanto, os problemas começam a surgir assim que vêm os tropeços na condução da narrativa (mencionados acima) que fazem com que informações de certos arcos de personagens e da trama principal acabem faltando, o que ocasionam em rumos facilitados, com seções e elementos subdesenvolvidos e inserções nada orgânicas.

Não tem como negar que “Patos!“, novo filme em animação da Illumination Entertainment, é um bom filme tanto para os admiradores do estilo quanto para aqueles que vão assisti-lo somente por puro entretenimento. E por mais que não seja perfeito, – falha ao criar tropeços na condução da narrativa e rumos facilitados com seções e elementos subdesenvolvidos e também inserções nada orgânicas, ele se beneficia com a direção capacitada de Renner e Homsy, além do bom tratamento da animação 3D e belas atuações do elenco de dublagem que tem uma sinergia atraente, permitindo o roteiro de White fluir bem em uma história divertida e fofa com temas de união familiar, superação dos medos, amadurecimento e o respeito aos animais.

Mooned:

Como foi anunciado, antes das sessões de “Patos!“ temos a exibição do divertido curta “Mooned“, focado em Vector, de “Meu Malvado Favorito“, tentando escapar da Lua com os Minions.

Patos! estreia na quinta-feira (04 de janeiro de 2024) nos cinemas brasileiros e caso você já tenha assistido, comente a sua opinião sobre o filme.

CONFIRA OUTRAS CRÍTICAS DO NERDS DA GALÁXIA

• MAMONAS ASSASSINAS – O Filme (2023) | Cinebiografia conquista pela nostalgia e diversão da maior banda nacional dos anos 1990
• FURIOSA | Novo filme da franquia “Mad Max” ganha um cartaz inédito
• E3 é oficialmente extinta após fracassos pós-pandemia
• Percy Jackson | Adaptação ganha novos cartazes destacando heróis e monstros, e incentivos de ex-colegas surgem na internet

SIGA A NERDS DA GALÁXIA

Facebook Twitter Instagram YouTube Pinterest

Fabrizio Galluzzi

Olá, viajantes! Meu nome é Fabrizio Galluzzi. Assim como vocês, viajei para Runeterra até uma Galáxia Muito, Muito Distante. Conheci os Heróis Mais Poderosos da Terra e os Grandes Deuses Nórdicos e Gregos. Porém, no meu tempo livre sou um simples aventureiro, que ama muito ir ao cinema.

O post PATOS! (2023) | Nova animação combina a importância da união familiar e a tragédia da apreensão de aves silvestres com uma história divertida e fofa apareceu primeiro em Nerds da Galáxia.

Eu acredito que seja difícil algum brasileiro não conhecer a banda “Mamonas Assassinas“, mesmo vinte e tantos anos depois da sua popularidade nos anos 1990. Entretanto, nunca se sabe… para aqueles que ainda não os conhecem, “Mamonas Assassinas” foi uma banda brasileira de rock cômico que teve um grande sucesso, porém meteórico, com pouco menos de um ano (de junho de 1995 a março de 1996) quando o grupo foi vítima de um acidente aéreo sobre a Serra da Cantareira, que ocasionou a morte de todos os seus integrantes e uma grande comoção nacional.

Bom, agora que todos conhecem a banda, podemos falar da cinebiografia sobre a vida e a carreira de Dinho, Bento, Júlio, Sérgio e Samuel, que chega aos cinemas brasileiros na próxima quinta-feira (28 de dezembro), sob direção de Edson Spinello (“Amor e Intrigas“) e com Ruy Brissac (“O Musical Mamonas“), Rhener Freitas (“Efeito Dominó“), Adriano Tunes (“Home Office“), Beto Hinoto (sobrinho de Bento) e Robson Lima (“Grease – O Musical“) no elenco. Será que o resultado é positivo? Confira na crítica abaixo:

Nota: Está é uma crítica sem spoilers, a fim de não estragar sua experiência ao assistir ao filme. A crítica consiste em uma opinião do escritor e não deve ser considerada absoluta e/ou uma resposta definitiva para a sua dúvida sobre assistir ou não à obra. Sempre priorize ver para estimular o trabalho dos realizadores e desenvolver sua formação de opinião. As informações contidas na crítica já foram apresentadas em sinopses e trailers.

Conforme a sinopse, “Mamonas Assassinas – O Filme” acompanha a trajetória de Dinho, Bento, Júlio, Sérgio e Samuel que, juntos, formaram um grupo inesperado e inicialmente desacreditado pelo grande público, “Mamonas Assassinas”. Provando-se um sucesso estrondoso em um curtíssimo espaço de tempo, o quinteto precisou de muitas tentativas frustradas para conseguir mostrar que podia ser a próxima grande banda do Brasil.

Uma das primeiras informações liberadas a respeito de “Mamonas Assassinas – O Filme” foi a de que o longa seria uma cinebiografia fiel à essência da banda, formada em Guarulhos, para trazer, não apenas, o fator nostalgia, mas também a identidade que Dinho, Bento, Júlio, Sérgio e Samuel passaram na época. O que posso afirmar ter sido uma ótima decisão, tornando-se capaz de criar uma sensação mais pessoal e uma ligação mais profunda tanto com o público que acompanhou a trajetória na década de 1990, quanto com as novas gerações que cresceram escutando as músicas de carisma inigualável, e quem sabe tentar criar uma nova legião de admiradores a partir dessa história.

O diretor Edson Spinello foi escolhido para comandar o “Mamonas Assassinas – O Filme” e ele entrega uma direção um tanto inconsistente. Com a maioria das vezes se mantendo inspirado (como nas partes musicais), ele consegue criar cenas impressionantes com ângulos e movimentos de câmeras inventivos através da boa direção de fotografia que se harmoniza com a essência da banda. Porém, o que prejudica é quando Spinello se torna mais mecânico em certas seções dramáticas, que não condiz com a narrativa e não consegue criar um verdadeiro impacto por ter uma carga artificial. Assim como a edição de Rodrigo Daniel Melo (“Crô em Família“), que contém “time skips” exagerados e uma estranha montagem de cenas, afetando todo o ritmo do longa.

Agora, sobre as músicas da banda em “Mamonas Assassinas – O Filme“, elas continuam fantásticas e eu adorei a ideia de regravá-las (pelo próprio elenco) para usufruir da potência do sistema de som 5.1 e também para colocar mais autenticidade no filme, capaz de fazer qualquer pessoa cantar até cansar.

Falando do elenco, os atores estão bem em seus papéis. Conseguindo transmitir carisma, afeto, empatia e outras emoções e sentimentos, com destaque para Ruy Brissac como Dinho, que se entregou de forma impecável e entendeu o que o personagem precisa ser para essa história, construindo uma sinergia atraente com o resto do elenco e sendo a melhor parte do filme. Porém, o Beto Hinoto, que faz o Bento (o seu tio na vida real) foi totalmente escanteado, sendo resumido a uma mera participação especial com uma ou duas pequenas linhas de diálogo.

Para imaginar uma história circunstancial em torno da carreira efêmera de Dinho, Bento, Júlio, Sérgio e Samuel, o roteirista Carlos Lombardi (“Malhação 1997“), ao lado de Carlos Amorim (“Fantástico“), escreveu um roteiro simples e no padrão de cinebiografias tradicionais, mostrando as diferentes fases da banda com uma narrativa contínua, desde o começo com os integrantes se conhecendo sob o nome “Utopia“, até em seus últimos dias como “Mamonas Assassinas“. O que permitiu “Mamonas Assassinas – O Filme” contar uma história muito boa e muito divertida sobre perseverança, amizade e triunfo do espírito humano bem solar, de cores vivas e cheio de boas energias para aproveitar todos os momentos possíveis desta jornada cheia de homenagens e nostalgia.

No entanto, os problemas em “Mamonas Assassinas – O Filme” começam a surgir com os erros de tom e ritmo, bem semelhantes aos problemas explicados sobre a direção e a edição, e com uma construção de rumos facilitados com arcos extremamente fúteis que tomaram proporções absurdas e certas situações ou diálogos que foram inseridos de uma forma nada orgânica. E por fim, com sequências subdesenvolvidas, expositivas.

Não tem como negar que “Mamonas Assassinas – O Filme” é um excelente filme para os admiradores da banda e um bom filme para aqueles que vão assisti-lo somente por puro entretenimento. E por mais que não seja perfeito, – falha ao criar rumos facilitados com inserções nada orgânicas e arcos fúteis, problemas com tom e ritmo e conter sequências subdesenvolvidas e expositivas, ele se beneficia com atuação de Ruy Brissac que se entregou de forma impecável permitiu que o roteiro fluísse bem, mesmo com ressalvas, com uma bela história sobre perseverança, amizade e triunfo do espírito humano.

Mamonas Assassinas – O Filme estreia na próxima quinta-feira (28 de dezembro de 2023) nos cinemas brasileiros e caso você já tenha assistido, comente a sua opinião sobre o filme.

CONFIRA OUTRAS CRÍTICAS DO NERDS DA GALÁXIA

• FURIOSA | Novo filme da franquia “Mad Max” ganha um cartaz inédito
• E3 é oficialmente extinta após fracassos pós-pandemia
• Percy Jackson | Adaptação ganha novos cartazes destacando heróis e monstros, e incentivos de ex-colegas surgem na internet

SIGA A NERDS DA GALÁXIA

Facebook Twitter Instagram YouTube Pinterest

Fabrizio Galluzzi

Olá, viajantes! Meu nome é Fabrizio Galluzzi. Assim como vocês, viajei para Runeterra até uma Galáxia Muito, Muito Distante. Conheci os Heróis Mais Poderosos da Terra e os Grandes Deuses Nórdicos e Gregos. Porém, no meu tempo livre sou um simples aventureiro, que ama muito ir ao cinema.

O post MAMONAS ASSASSINAS – O Filme (2023) | Cinebiografia conquista pela nostalgia e diversão da maior banda nacional dos anos 1990 apareceu primeiro em Nerds da Galáxia.